«Уроки режиссуры» изучат абсурд, статистику, постправду и бессмертие 🔔 🔔 🔔
Строго говоря, работа IX Всероссийского фестиваля-конкурса драматических театров «Биеннале театрального искусства. Уроки режиссуры» уже началась: 15 октября на Никитском бульваре открылась фотовыставка «Репетиция — любовь моя», приуроченная к столетию со дня рождения Анатолия Эфроса. Основные же события смотра начнутся сегодня, 17 октября.
Напомним «правила игры». В фокусе внимания форума — диалог разных режиссёрских поколений: в один год молодёжь оценивает свежие работы мэтров, в следующий — наоборот. Сейчас как раз второй случай; жюри в составе Алексея Бородина, Валерия Фокина, Евгения Каменьковича, Искандера Сакаева, Владимира Панкова и Евгения Марчелли предстоит отсмотреть спектакли молодых режиссёров и назвать победителей.
👉 Череду показов конкурсной программы открывает премьера Театра им. Евг. Вахтангова — «Пуф, или Ложь и истина» режиссёра Аси Князевой, исследующая зыбкость человеческой правды и природу обмана.
👉 Дмитрий Мульков превращает статистику в поэзию в спектакле «Человек среднестатистический» (Театр Ермоловой) — 24 часа из жизни «среднего россиянина» становятся портретом эпохи.
👉 Дмитрий Крестьянкин собирает живой документ времени в спектакле «На дне.Doc» (Самарский театр драмы им. М. Горького) — пьесе, сложенной из разговоров, услышанных в самарских барах.
👉 Необычное прочтение Гоголя предлагает театральное объединение «Озеро» в спектакле «Мёртвые души» (режиссёр Владимир Комаров) — здесь Чичиков становится пришельцем из будущего, а губернию населяют одни помещицы.
👉 Абсурд и иронию исследует Илья Зайцев в «Стороже» (Лесосибирский театр «Поиск») — камерном трагифарсе по пьесе Гарольда Пинтера о человеческих границах и одиночестве.
👉 А Татевик Григорян в спектакле «Эллада» (Верхнеуфалейский театр «Вымысел») обращается к теме памяти и любви к родине — истории по рассказу Нодара Думбадзе о дружбе, верности и бессмертии.
📚 Подробнее о спектаклях и образовательной спецпрограмме «Мастерская» читайте на нашем сайте.
Строго говоря, работа IX Всероссийского фестиваля-конкурса драматических театров «Биеннале театрального искусства. Уроки режиссуры» уже началась: 15 октября на Никитском бульваре открылась фотовыставка «Репетиция — любовь моя», приуроченная к столетию со дня рождения Анатолия Эфроса. Основные же события смотра начнутся сегодня, 17 октября.
Напомним «правила игры». В фокусе внимания форума — диалог разных режиссёрских поколений: в один год молодёжь оценивает свежие работы мэтров, в следующий — наоборот. Сейчас как раз второй случай; жюри в составе Алексея Бородина, Валерия Фокина, Евгения Каменьковича, Искандера Сакаева, Владимира Панкова и Евгения Марчелли предстоит отсмотреть спектакли молодых режиссёров и назвать победителей.
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
🔥25❤14🎉8👍4👏3
В рамках начавшегося в Петропавловске-Камчатском фестиваля «Горизонт» камчатцы уже увидели два спектакля Марины Брусникиной. В том числе «Прыг-скок, обвалился потолок» Театра Наций. Подробнее — студент театроведческого факультета ГИТИСа (мастерская А. А. Степановой) Ягор Ермоленко:
В основе сюжета — нереализованный сценарий Геннадия Шпаликова. Это история о семье, где ссора между родителями приводит к тому, что жена в гневе вызывает милицию на пьяного мужа. Его арестовывают, а их дочь отправляют в интернат — что в одно мгновение разрушает семью.
Композиция спектакля разделена на две части, подобно жизни до и после катастрофы. Первая, «Прыг-скок», погружает в череду забавных зарисовок из жизни семьи, где нелепые плавательные костюмы, синхронные танцы и советские песни формируют иллюзию беззаботности. Но за этим весельем скрываются трещины, сквозит неуловимое напряжение, нашедшее выражение в светящихся пивных кружках, буквально «подсвечивающих» алкоголизм отца. И внезапно наступает вторая часть, «Обвалился потолок», где кажущееся благополучие рушится в одно мгновение, как крыша при землетрясении. Хоть катастрофа происходит мгновенно, её осмысление растягивается настолько, что время кажется бесконечным. Эта часть спектакля несёт главную мысль: неумение договориться, найти компромисс способно вызвать катастрофу в семье.
Центральной метафорой спектакля становится зелёный цвет. Как стены в подъезде, как новогодняя ёлка, как зелёнка во время болезни ветрянкой, как трава у дома. Стены, элементы костюмов и реквизит, выкрашенные в цвет хромакея, придают истории вневременное измерение, предлагая мысленно подставить любой фон и убедиться, что люди и семейные драмы остаются удивительно похожими во все эпохи. Таким же универсальным артефактом выступает советское трюмо, ловко трансформирующееся то в стулья, то в трон, то в скамью подсудимых. Сам цвет проходит путь изменений. В начале он ярко-зелёный — как молодой хрустящий огурчик. Но после всех катаклизмов этот цвет желтеет, будто свежий огурец превращается в солёный — всего лишь закуску для пьяного отца. Так случается и в спектакле Марины Брусникиной: одно событие меняет всё — отец в тюрьме, дочь в интернате, а мать в слезах.
Это стильный спектакль-притча, одновременно обжигающий правдой семейного быта и согревающий своей искренностью. После него не хочется говорить, а хочется молча идти и обнимать своих близких. Пока не обвалился потолок.
В основе сюжета — нереализованный сценарий Геннадия Шпаликова. Это история о семье, где ссора между родителями приводит к тому, что жена в гневе вызывает милицию на пьяного мужа. Его арестовывают, а их дочь отправляют в интернат — что в одно мгновение разрушает семью.
Композиция спектакля разделена на две части, подобно жизни до и после катастрофы. Первая, «Прыг-скок», погружает в череду забавных зарисовок из жизни семьи, где нелепые плавательные костюмы, синхронные танцы и советские песни формируют иллюзию беззаботности. Но за этим весельем скрываются трещины, сквозит неуловимое напряжение, нашедшее выражение в светящихся пивных кружках, буквально «подсвечивающих» алкоголизм отца. И внезапно наступает вторая часть, «Обвалился потолок», где кажущееся благополучие рушится в одно мгновение, как крыша при землетрясении. Хоть катастрофа происходит мгновенно, её осмысление растягивается настолько, что время кажется бесконечным. Эта часть спектакля несёт главную мысль: неумение договориться, найти компромисс способно вызвать катастрофу в семье.
Центральной метафорой спектакля становится зелёный цвет. Как стены в подъезде, как новогодняя ёлка, как зелёнка во время болезни ветрянкой, как трава у дома. Стены, элементы костюмов и реквизит, выкрашенные в цвет хромакея, придают истории вневременное измерение, предлагая мысленно подставить любой фон и убедиться, что люди и семейные драмы остаются удивительно похожими во все эпохи. Таким же универсальным артефактом выступает советское трюмо, ловко трансформирующееся то в стулья, то в трон, то в скамью подсудимых. Сам цвет проходит путь изменений. В начале он ярко-зелёный — как молодой хрустящий огурчик. Но после всех катаклизмов этот цвет желтеет, будто свежий огурец превращается в солёный — всего лишь закуску для пьяного отца. Так случается и в спектакле Марины Брусникиной: одно событие меняет всё — отец в тюрьме, дочь в интернате, а мать в слезах.
Это стильный спектакль-притча, одновременно обжигающий правдой семейного быта и согревающий своей искренностью. После него не хочется говорить, а хочется молча идти и обнимать своих близких. Пока не обвалился потолок.
👏24❤11🕊6👍4🎉3🍓3
«Прежде чем куда-то пойдёт человек, этот путь должна пройти собака»🎤
25 сентября в театре «На Литейном» состоялась премьера — спектакль о первых собаках в космосе в постановке Дмитрия Крестьянкина. Но «Звёздные псы» — не о знакомых каждому школьнику Белке и Стрелке, а о десятках безымянных животных, которые своими лапами протоптали людям дорогу к звёздам.
Наталья Стародубцева поговорила с создателями спектакля и артистами труппы о том, как рождалась постановка, зачем сегодня говорить о человечности через судьбы собак и как команда строила свой космос на сцене.
Режиссёр Дмитрий Крестьянкин рассказал, что история «Звёздных псов» — это размышление о жертве, долге и вере:
С художником спектакля Александрой Мошурой разговор шёл о визуальном мире постановки — о том, как рождается атмосфера, где соединяются документальность и поэзия:
Актёры признались, что история о первых собаках в космосе стала для них историей о людях — о любви, о вере и о цене жизни.
💻 Читайте полное интервью в рубрике «Разговоры» на сайте ТЖ.
25 сентября в театре «На Литейном» состоялась премьера — спектакль о первых собаках в космосе в постановке Дмитрия Крестьянкина. Но «Звёздные псы» — не о знакомых каждому школьнику Белке и Стрелке, а о десятках безымянных животных, которые своими лапами протоптали людям дорогу к звёздам.
Наталья Стародубцева поговорила с создателями спектакля и артистами труппы о том, как рождалась постановка, зачем сегодня говорить о человечности через судьбы собак и как команда строила свой космос на сцене.
Режиссёр Дмитрий Крестьянкин рассказал, что история «Звёздных псов» — это размышление о жертве, долге и вере:
«Мы говорим о человечности, о том, как легко её утратить. Как легко подменяются понятия и как отважно, но слепо мы порой жертвуем собой ради чьих-то интересов».
С художником спектакля Александрой Мошурой разговор шёл о визуальном мире постановки — о том, как рождается атмосфера, где соединяются документальность и поэзия:
«Мне хотелось передать ощущение одиночества и мечты — когда ты ещё на Земле, но уже смотришь куда-то вверх, в бесконечность. Визуально спектакль построен на этой грани между детством и космосом».
Актёры признались, что история о первых собаках в космосе стала для них историей о людях — о любви, о вере и о цене жизни.
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
❤26🔥9👏9🎉5🍓2🥰1🤬1
В Театре на Садовой дадут весёлую постапокалиптическую трагедию ❤️ ❤️ ❤️
Как сочетаются эти три элемента, станет понятно уже сегодня, 18 октября — в день премьеры спектакля «Орестея».
Премьеру в Театре на Садовой готовит Глеб Черепанов. С древнегреческой драматургией режиссёру доводилось работать — в 2014 году он выпустил комедию «Птицы» в театре «Et Cetera». Аристофан в той постановке оказался чуть ли не предтечей Брехта; по крайней мере, стилистически действие было приближено к эстетике немецкого кабаре 1930-х гг.
Эсхилу тоже подобран «побратим» из XX века — пьеса Жан-Поля Сартра «Мухи» (1943), сюжет которой, напомним, основан на том же мифологическом материале, что и трилогия Эсхила. В каких пропорциях будут смешаны первоисточники, узнаем на премьере; ясно только, что чистой трагедии ждать не стоит. Авторы постановки отдельно анонсируют комедийное начало.
— говорит Глеб Черепанов.
Не будет и игры в античный театр: действие петербургской «Орестеи» развернётся в постапокалиптическом будущем, где из всего человечества в живых осталась одна-единственная семья.
📌 Подробнее о творческой команде и актёрском составе читайте на сайте «Театрального журнала».
Как сочетаются эти три элемента, станет понятно уже сегодня, 18 октября — в день премьеры спектакля «Орестея».
Премьеру в Театре на Садовой готовит Глеб Черепанов. С древнегреческой драматургией режиссёру доводилось работать — в 2014 году он выпустил комедию «Птицы» в театре «Et Cetera». Аристофан в той постановке оказался чуть ли не предтечей Брехта; по крайней мере, стилистически действие было приближено к эстетике немецкого кабаре 1930-х гг.
Эсхилу тоже подобран «побратим» из XX века — пьеса Жан-Поля Сартра «Мухи» (1943), сюжет которой, напомним, основан на том же мифологическом материале, что и трилогия Эсхила. В каких пропорциях будут смешаны первоисточники, узнаем на премьере; ясно только, что чистой трагедии ждать не стоит. Авторы постановки отдельно анонсируют комедийное начало.
«Мы не боимся юмора в этой истории. Мне кажется, что мы идём путём Шекспира, который очень любил, чтобы в пьесе был контраст юмора и невероятной пронзительной трагедии. Поэтому у нас будет именно „весёлая трагедия“, музыкальная и в хорошем смысле слова театральная, что не отменяет всей остроты конфликта. Наша версия „Орестеи“ про то, что даже в самых тяжёлых обстоятельствах у человека есть возможность сделать свой личный, маленький выбор. Выбор, который может изменить всё и повернуть ход истории»,
— говорит Глеб Черепанов.
Не будет и игры в античный театр: действие петербургской «Орестеи» развернётся в постапокалиптическом будущем, где из всего человечества в живых осталась одна-единственная семья.
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
❤24👍6🍓6🔥4🎉4💅1
Открываем страницы нового выпуска «Театрального журнала» — внутри, как на сцене, оживают сюжеты, голоса и открытия 🏰
На 282-й странице — рецензия Николая Песочинского, приглашающая читателя в зал «Ленкома Марка Захарова» на спектакль Игоря Миркурбанова «ГоГоЛьИЛиАДА».
Полный текст рецензии вы найдёте в последнем выпуске ТЖ.
😊 Заказать его можно прямо сейчас на OZON.
На 282-й странице — рецензия Николая Песочинского, приглашающая читателя в зал «Ленкома Марка Захарова» на спектакль Игоря Миркурбанова «ГоГоЛьИЛиАДА».
Структурно в основе спектакля — «Ревизор». Остальное — дополнения, замены и перескоки. Визуально — вневременная абстрактность с громадными эрмитажными атлантами по бокам фантасмагорического ярко-красного кабинета из сериала «Твин Пикс». Персонажи одеты в современные наряды haute couture. Эстетически — кто-то назовёт основу этого зрелища «постиронией», отражением отражений профанного в серьёзном, опять в профанном — и так до бесконечности. Здесь кроется опасность возникновения путаницы, из-за которой связное восприятие станет невозможным.
В спектакле, как и в художественном мире Гоголя, существует мистический план, но мистика здесь понимается как модная среди буржуазно- чиновничьей богемы эзотерика. Ожидаемого ревизора считают древнеегипетским божеством Тотом. Барышни, направленные в отель соблазнять остановившегося там Хлестакова/Тота/Носа, бегут оттуда, напуганные чем-то инфернальным. Чиновники проваливаются в преисподнюю, давая взятки столичному визитёру, там исповедываются и выныривают обратно помолодевшими и окрепшими. Оттуда, из-под земли, вылезает некое существо в маске с носом Буратино, катается по сцене на велосипеде и дирижирует замершими чиновниками.
Полный текст рецензии вы найдёте в последнем выпуске ТЖ.
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
🕊20❤12🎉10👏4🔥3
В Москве пройдут «Соловьёвские чтения» 👆 👆 👆
Научно-практическая конференция стартует сегодня, 20 октября, в Центральном доме актёра на Арбате и будет продолжаться до 22 октября.
Инны Натановны Соловьёвой не стало 29 мая прошлого года. Легендарный историк МХТ и отечественного театра до последних дней оставалась в профессии — потому её память решено почтить делом: научно-практической конференцией. В оргкомитет вошли Игорь Золотовицкий, Ольга Егошина, Дмитрий Бак и Павел Руднев. Организаторы называют проект экспериментальным: его будущее во многом зависит от того, как пройдут эти три дня в ЦДА.
Открытие состоится сегодня, 20 октября, в 15:00. Первый день станет Днём памяти — о Соловьёвой вспомнят режиссёры Алексей Бородин и Евгений Каменькович, актёры Ольга Яковлева, Василий Бочкарёв, Валерий Баринов, Кирилл Пирогов, театроведы Борис Любимов, Марина Токарева, драматург Александр Гельман и другие.
Второй день (с 10:00 до 18:30) будет посвящён научной части. С докладами выступят представители ГИТИСа, РГИСИ, МГУ, СПбГУ, ЯГТИ, Герценовского университета, РГБИ и других вузов.
Шеф-редактор «Театрального журнала» Ольга Абрамова представит нигде ранее не показанные эскизы И. М. Рабиновича к несостоявшейся постановке «Бориса Годунова» в МХТ (1937). Подробности этой истории можно найти в её статье «Дар неосуществления» в «пушкинском» номере ТЖ.
📌 Полную программу конференции читайте на нашем сайте. Чтобы на неё попасть — достаточно отправить запрос на адрес [email protected].
Лучшие доклады будут опубликованы в «Театральном журнале».
Научно-практическая конференция стартует сегодня, 20 октября, в Центральном доме актёра на Арбате и будет продолжаться до 22 октября.
Инны Натановны Соловьёвой не стало 29 мая прошлого года. Легендарный историк МХТ и отечественного театра до последних дней оставалась в профессии — потому её память решено почтить делом: научно-практической конференцией. В оргкомитет вошли Игорь Золотовицкий, Ольга Егошина, Дмитрий Бак и Павел Руднев. Организаторы называют проект экспериментальным: его будущее во многом зависит от того, как пройдут эти три дня в ЦДА.
Открытие состоится сегодня, 20 октября, в 15:00. Первый день станет Днём памяти — о Соловьёвой вспомнят режиссёры Алексей Бородин и Евгений Каменькович, актёры Ольга Яковлева, Василий Бочкарёв, Валерий Баринов, Кирилл Пирогов, театроведы Борис Любимов, Марина Токарева, драматург Александр Гельман и другие.
Второй день (с 10:00 до 18:30) будет посвящён научной части. С докладами выступят представители ГИТИСа, РГИСИ, МГУ, СПбГУ, ЯГТИ, Герценовского университета, РГБИ и других вузов.
Шеф-редактор «Театрального журнала» Ольга Абрамова представит нигде ранее не показанные эскизы И. М. Рабиновича к несостоявшейся постановке «Бориса Годунова» в МХТ (1937). Подробности этой истории можно найти в её статье «Дар неосуществления» в «пушкинском» номере ТЖ.
Лучшие доклады будут опубликованы в «Театральном журнале».
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
🕊21❤16👏11👍5🔥5🎉3
Forwarded from На что смотреть?
Сегодня иду на открытие нового «Кстати театра» на спектакль Романа Шаляпина «НЕвербатиМЫ» с Павлом Артемьевым (бывшим солистом группы «Корни»), Ариной Маракулиной и т.д.
Шаляпин презентует новый подход в работе с образом: воображаемое интервьюирование литературного героя или реальной личности.
Объясняет, как это выглядит технически в интервью «ТЖ»:
Схожу посмотрю, как это работает (и работает ли), и вам расскажу.
#невербатимы #кстатитеатр
Шаляпин презентует новый подход в работе с образом: воображаемое интервьюирование литературного героя или реальной личности.
Объясняет, как это выглядит технически в интервью «ТЖ»:
«Есть актёр, у него что-то болит, он о чём-то думает, но не может это проговорить, отрефлексировать. И тогда появляется персонаж, который помогает ему справиться с болью. Актёр может как бы передать, делегировать персонажу свою боль. Внешняя схожесть здесь, конечно, не при чём — нужно находить внутреннюю смычку. То есть можно быть высоким, худым, но при этом выбрать Евгения Леонова, например, просто потому, что ты его чувствуешь и вас объединяет общая тема.
С каждым актёром идёт индивидуальный поиск»
Схожу посмотрю, как это работает (и работает ли), и вам расскажу.
#невербатимы #кстатитеатр
👏22❤13🕊8🎉4🔥2
Ученик Сергея Женовача Владимир Данай поставил «Защиту Лужина» в Малом театре. На спектакле побывал Иоанн Лазарев:
Читайте полный текст на нашем сайте.
По событиям романа режиссёр идёт достаточно бегло, устремляясь в кризисные поворотные моменты жизни Лужина: знакомство с будущей невестой и её роднёй, турнир с итальянцем Туратти (Алэн Салтыков), роковые встречи с одноклассником Петрищевым (Алексей Мишин) и импрессарио Валентиновым (Константин Юдаев) после женитьбы. Данай планомерно превращает подробный психологический роман в череду коротких новелл о драматических отношениях между Лужиным и героиней. На гениального шахматиста мы смотрим глазами его возлюбленной. Хрупкая миловидная девушка в светлом теннисном платье сперва инициирует роман с нетипичным молодым человеком — полным взъерошенным чудаком-шахматистом. Стоя фронтально к зрителю, в отдалении друг от друга по обеим сторонам портала, они ведут любовный диалог на языке жестов — она вскидывает руку вверх, он отвечает тем же, она подаёт новый знак, он его повторяет — с комичной неловкостью, по-лужински. Так завязываются романтические отношения, которые тут же наталкиваются на противодействие матери, на что дочь реагирует не по-набоковски резко. Эмоциональная взвинченность героини Долбниковой порождена, по всей видимости, критической концентрацией событий, в романе растворённых в потоке жизнеописаний, а в драме выставленных остро и чересчур плотно.
Читайте полный текст на нашем сайте.
❤31👍12🔥10🕊6🎉3
На Западном фронте Полишинель: в РАМТе репетируют парадоксальную премьеру ❤️ ❤️ ❤️
Худрук Молодёжного театра Алексей Бородин предпочитает работать с «незаигранным» материалом. На сей раз режиссёр пошёл ещё дальше — взял сразу две не слишком известные пьесы, между которыми, казалось бы, нет явных точек соприкосновения, и слил их воедино. Называются они «Конец пути» и «Игра интересов». Последняя дала название всему спектаклю. Премьера — 23 октября.
О том, что Бородин будет работать с этими названиями, было объявлено ещё на старте прошлого сезона. Тогда предполагалось, что это будут отдельные постановки на разных сценах. Однако Алексей Владимирович в порядке творческого эксперимента решил репетировать обе вещи одновременно, и вот результат: между текстами возникли неожиданные рифмовки.
И это притом, что произведения весьма различны меж собой.
🖤 «Игра интересов» Хасинто Бенавенте (1907) — плутовская комедия, превращающаяся в сатиру: общество судит самозванцев и вскрывает собственные пороки. Среди героев — маски комедии дель арте; сам автор называл пьесу «кукольным фарсом» и предлагал зрителю «настроить ум на детский лад».
🖤 А «Конец пути» Роберта Шерриффа (1928) — суровая военная драма о молодых офицерах Первой мировой. Наивные мечты сменяются ужасом фронта, впереди — немецкое контрнаступление 1918 года. Для российского зрителя постановка Алексея Бородина станет первым знакомством с этой пьесой.
По какому принципу и в каких пропорциях будут смешаны две пьесы, станет известно лишь на премьере.
👉 Подробнее о творческой команде и актёрском составе читайте на сайте «Театрального журнала».
Худрук Молодёжного театра Алексей Бородин предпочитает работать с «незаигранным» материалом. На сей раз режиссёр пошёл ещё дальше — взял сразу две не слишком известные пьесы, между которыми, казалось бы, нет явных точек соприкосновения, и слил их воедино. Называются они «Конец пути» и «Игра интересов». Последняя дала название всему спектаклю. Премьера — 23 октября.
О том, что Бородин будет работать с этими названиями, было объявлено ещё на старте прошлого сезона. Тогда предполагалось, что это будут отдельные постановки на разных сценах. Однако Алексей Владимирович в порядке творческого эксперимента решил репетировать обе вещи одновременно, и вот результат: между текстами возникли неожиданные рифмовки.
И это притом, что произведения весьма различны меж собой.
По какому принципу и в каких пропорциях будут смешаны две пьесы, станет известно лишь на премьере.
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
👏18❤13🎉6👍4
Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
«Станиславский в сети»: МХАТ запускает видеолекции об истории театра 👆 👆 👆
22 октября, накануне дня рождения МХТ имени А. П. Чехова, в Доме-музее Константина Станиславского состоится презентация уникального просветительского проекта — цикла видеолекций «Константин Станиславский. В поисках системы».
Проект объединяет традицию и технологии. Десять эпизодов в формате полудокументального кино, созданного с использованием искусственного интеллекта, расскажут о рождении и развитии Московского Художественного театра, о людях, творивших его язык и философию, а также о том, почему система Станиславского неизменно актуальна.
Первая серия проекта будет представлена на премьере 22 октября. Видеолекции, созданные в сотрудничестве с Музеем МХАТ и Школой-студией МХАТ, призваны сделать историю театра ближе и понятнее юному поколению. В роликах участвуют сотрудники музея и студенты Школы-студии — ровесники тех, кто сможет познакомиться с системой Станиславского через экран.
— отмечает директор Музея МХАТ Павел Ващилин.
Лекции будут выходить на онлайн-платформах. Их можно будет не просто посмотреть, но и изучить конспекты и дополнительные материалы, выполниить интерактивные задания — и попробовать применить систему на практике.
Видео: Музей МХАТ
22 октября, накануне дня рождения МХТ имени А. П. Чехова, в Доме-музее Константина Станиславского состоится презентация уникального просветительского проекта — цикла видеолекций «Константин Станиславский. В поисках системы».
Проект объединяет традицию и технологии. Десять эпизодов в формате полудокументального кино, созданного с использованием искусственного интеллекта, расскажут о рождении и развитии Московского Художественного театра, о людях, творивших его язык и философию, а также о том, почему система Станиславского неизменно актуальна.
Первая серия проекта будет представлена на премьере 22 октября. Видеолекции, созданные в сотрудничестве с Музеем МХАТ и Школой-студией МХАТ, призваны сделать историю театра ближе и понятнее юному поколению. В роликах участвуют сотрудники музея и студенты Школы-студии — ровесники тех, кто сможет познакомиться с системой Станиславского через экран.
«Это важный образовательный проект, который соединяет наследие и современность. Мы верим, что он вдохновит школьников и студентов на собственные открытия в мире театра»,
— отмечает директор Музея МХАТ Павел Ващилин.
Лекции будут выходить на онлайн-платформах. Их можно будет не просто посмотреть, но и изучить конспекты и дополнительные материалы, выполниить интерактивные задания — и попробовать применить систему на практике.
Видео: Музей МХАТ
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
👍22🔥17❤16🕊4
22 октября автору «Антоновских яблок», «Жизни Арсеньева», «Тёмных аллей» и «Окаянных дней» исполняется 155 лет.
Поэт, писатель, переводчик, лауреат Нобелевской премии по литературе, Иван Алексеевич Бунин при всём многообразии своего творчества ни разу не обращался к драматургии, хотя неоднократно думал об этом:
Замысел написать трагедию из жизни Будды остался неосуществлённым, но судьба связала Бунина с театром иначе.
Весной 1900 года Московский Художественный театр приехал на гастроли в Ялту — тогда и случилась первая встреча Бунина с основателями и ведущими артистами театра. Приятельское общение, которое продолжилось и в Москве, переросло в творческое сотрудничество: на одном из вечеров в честь юбилея Чехова Бунин читал воспоминания о нём с такой проникновенностью, что тронул зрителей до слёз.
Станиславский увидел в писателе «необыкновенный талант представлять», даже предложил ему вступить в актёрскую труппу — по воспоминаниям одного из артистов, Бунину прочили роль Гамлета. Однако сотрудничество с Художественным театром осталось сугубо литературным: в 1907 году там собирались поставить «Каина» Байрона в переводе Бунина. Тогда Синод запретил постановку, спектакль был выпущен только в 1920 году. Бунин уже покинул Россию и премьеры не увидел.
Прозаические произведения Бунина нашли свою дорогу на сцену — в честь дня рождения писателя составили для вас подборку спектаклей:
👉 04.11, 20.11 в 19:00 — «Случайные встречи», Театр «Современник»
👉 19.11, 20.11 в 19:00 — «Бунин», Электротеатр «Станиславский»
👉 28.11 в 19:00 — «Чистый понедельник», Театр Сатиры
👉 04.12 в 19:00 — «Лёгкое дыхание», ТЮЗ им. А. А. Брянцева
Поэт, писатель, переводчик, лауреат Нобелевской премии по литературе, Иван Алексеевич Бунин при всём многообразии своего творчества ни разу не обращался к драматургии, хотя неоднократно думал об этом:
«Часто мне хотелось написать что-нибудь для сцены… Ведь в драме, в её стремительном, сильном, сжатом диалоге так многое можно сказать в немногих словах. Тут приходится как бы концентрировать мысль, сжимать её в точные формы. А это ведь так увлекательно».
Замысел написать трагедию из жизни Будды остался неосуществлённым, но судьба связала Бунина с театром иначе.
Весной 1900 года Московский Художественный театр приехал на гастроли в Ялту — тогда и случилась первая встреча Бунина с основателями и ведущими артистами театра. Приятельское общение, которое продолжилось и в Москве, переросло в творческое сотрудничество: на одном из вечеров в честь юбилея Чехова Бунин читал воспоминания о нём с такой проникновенностью, что тронул зрителей до слёз.
Станиславский увидел в писателе «необыкновенный талант представлять», даже предложил ему вступить в актёрскую труппу — по воспоминаниям одного из артистов, Бунину прочили роль Гамлета. Однако сотрудничество с Художественным театром осталось сугубо литературным: в 1907 году там собирались поставить «Каина» Байрона в переводе Бунина. Тогда Синод запретил постановку, спектакль был выпущен только в 1920 году. Бунин уже покинул Россию и премьеры не увидел.
Прозаические произведения Бунина нашли свою дорогу на сцену — в честь дня рождения писателя составили для вас подборку спектаклей:
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
🕊19❤12🍓7👏6👍4
В Петропавловске-Камчатском продолжается фестиваль «Горизонт». Спектакль «Турандот» Театра кукол им. С. В. Образцова посмотрел студент театроведческого факультета ГИТИСа (мастерская А. А. Степановой) Ягор Ермоленко:
«Режиссёр спектакля Борис Константинов и художник Виктор Антонов построили удивительный мост между Венецией и Пекином, используя язык комедии дель арте, эстетику китайского королевского двора и русскую школу кукловождения с её гапитными куклами, известными своей выразительностью и технической сложностью. Со сцены звучало „Нихао“, куклы гондольеров участвовали в изысканной чайной церемонии, создавая причудливый культурный гибрид, а в воздухе витали запахи китайских благовоний, подключая к действию ещё и обоняние.
В основе спектакля — идея синтеза и поиска общего. Её легко прочитать в сцене, где кукла Калафа ест макароны. Для итальянцев это паста, для китайцев — лапша, но суть одна. Простой образ работает как формула всего действа: собрав несхожие традиции, спектакль создал универсальное целое, понятное каждому.
И как же органично это смотрелось на Камчатке! До Китая тут, как говорится, рукой подать. А декорации с импровизированной водной гладью и бельём, сушащимся на верёвках между домами (прямо как в Венеции), до боли знакомы каждому жителю Петропавловска. В этот момент Турандот и правда могла казаться камчатской принцессой, как шутили в начале спектакля куклы.
Действие буквально плыло по волнам, которые изображали натянутые горизонтально ленты. Покачивание кукол на них было местами настолько убедительным, что возникал эффект настоящего морского путешествия. Остроумнее всего были решены сцены неудачливых женихов: их отрубленные головы, насаженные на пики, бороздили ленточные волны, словно печальные буйки, предупреждающие о рифах жестокости. А виновница этой жестокости, принцесса Турандот (точнее, одна из её ипостасей), представляла собой куклу, облачённую в струящиеся целлофановые одеяния, которые создавали иллюзию невесомости. Её статичность была внешним проявлением внутренней окаменелости, а гильотина в виде огромного веера, который она всегда держала при себе, завершала этот запоминающийся портрет.
Спектакль „Турандот“ не стремился растрогать до слёз, но точно заставил удивляться. Удивляться тому, как причудливо смешиваются культуры и как из этого рождается живой, остроумный и по-настоящему универсальный театр, разрушающий любые преграды, будь то стена дворца принцессы или граница между континентами. А единственной границей остаётся лишь воображение зрителя».
«Режиссёр спектакля Борис Константинов и художник Виктор Антонов построили удивительный мост между Венецией и Пекином, используя язык комедии дель арте, эстетику китайского королевского двора и русскую школу кукловождения с её гапитными куклами, известными своей выразительностью и технической сложностью. Со сцены звучало „Нихао“, куклы гондольеров участвовали в изысканной чайной церемонии, создавая причудливый культурный гибрид, а в воздухе витали запахи китайских благовоний, подключая к действию ещё и обоняние.
В основе спектакля — идея синтеза и поиска общего. Её легко прочитать в сцене, где кукла Калафа ест макароны. Для итальянцев это паста, для китайцев — лапша, но суть одна. Простой образ работает как формула всего действа: собрав несхожие традиции, спектакль создал универсальное целое, понятное каждому.
И как же органично это смотрелось на Камчатке! До Китая тут, как говорится, рукой подать. А декорации с импровизированной водной гладью и бельём, сушащимся на верёвках между домами (прямо как в Венеции), до боли знакомы каждому жителю Петропавловска. В этот момент Турандот и правда могла казаться камчатской принцессой, как шутили в начале спектакля куклы.
Действие буквально плыло по волнам, которые изображали натянутые горизонтально ленты. Покачивание кукол на них было местами настолько убедительным, что возникал эффект настоящего морского путешествия. Остроумнее всего были решены сцены неудачливых женихов: их отрубленные головы, насаженные на пики, бороздили ленточные волны, словно печальные буйки, предупреждающие о рифах жестокости. А виновница этой жестокости, принцесса Турандот (точнее, одна из её ипостасей), представляла собой куклу, облачённую в струящиеся целлофановые одеяния, которые создавали иллюзию невесомости. Её статичность была внешним проявлением внутренней окаменелости, а гильотина в виде огромного веера, который она всегда держала при себе, завершала этот запоминающийся портрет.
Спектакль „Турандот“ не стремился растрогать до слёз, но точно заставил удивляться. Удивляться тому, как причудливо смешиваются культуры и как из этого рождается живой, остроумный и по-настоящему универсальный театр, разрушающий любые преграды, будь то стена дворца принцессы или граница между континентами. А единственной границей остаётся лишь воображение зрителя».
🍓19❤7🎉7🔥5👍3👏3
В Москве и Санкт-Петербурге продолжается VIII Большой детский фестиваль. О спектакле «Иммануил Ч.» Лесосибирского театра «Поиск» пишет София Подопросветова:
«Пьеса Антона Барышникова и Анастасии Букреевой „Эммануил“ повествует об одноимённом чайнике со свистком. Он безответно влюблён в фарфоровую чашку Зину, но — о, ужас! — на кухне появляется Электрочайник и сражает красавицу наповал. Сломавшийся от горя Эммануил попадает в мусорный бак, где встречает такие же одинокие, никому не нужные отходы. Но точно ли они никому не нужны?..
Пространство, созданное Надеждой Осиповой, подчёркнуто игровое: картонная кухня превращается в мусорный бак — по периметру сцены висит штора из чёрного полиэтилена, таинственно мерцающая в лучах света. Актёры в универсальной чёрной одежде исполняют по нескольку ролей; они равно хорошо действуют в стиле „предметного“ театра, когда с помощью движений рук „оживляют“ чашки, кастрюлю и кофейник — и в стиле театра драматического, когда, переодевшись в ростовые костюмы обитателей помойки, рассказывают их печальные истории.
Так, наводящий ужас Лаврентий оказывается… детской погремушкой. У чашки Нины, безответно влюблённой в Эммануила, отломилась ручка. Сыр с плесенью Франсуаза мнит себя дор-блю, но на самом деле она — пошехонский сыр, купленный в универсаме по акции. Электронная свеча Герман экономит заряд и отказывается гореть здесь и сейчас — в надежде, что батарейка „ещё пригодится“. Кофейная банка Марсело Гомесович плохо говорит по-русски и тоскует по родине. А будильник Слава просто больше не звенит. Истории мусора проецируются на человеческую жизнь, обнаруживая совпадения в судьбе вещей, выброшенных людьми, и людей, выбросивших себя на помойку недостигнутых целей и неосуществлённых мечт. Подчёркнуто театральное действие расширяется до границ притчи.
Как и положено, сказка кончается хорошо: Эммануил влюбляется в Нину и забывает о фарфоровой Зине, а весь мусор (кроме злой заплесневелой Франсуазы) любители современного искусства превращают в инсталляцию. Эммануил читает новым друзьям свои стихи, но в памяти остаётся одна фраза, сказанная им Лаврентию: „Неважно, какой ты фирмы или формы. Важно, чтобы внутри тебя было что-то, кроме плесени“».
Большой Детский фестиваль проводится с 2018 года под художественным руководством народного артиста Российской Федерации Сергея Безрукова при поддержке Президентского фонда культурных инициатив и Министерства культуры Российской Федерации.
«Пьеса Антона Барышникова и Анастасии Букреевой „Эммануил“ повествует об одноимённом чайнике со свистком. Он безответно влюблён в фарфоровую чашку Зину, но — о, ужас! — на кухне появляется Электрочайник и сражает красавицу наповал. Сломавшийся от горя Эммануил попадает в мусорный бак, где встречает такие же одинокие, никому не нужные отходы. Но точно ли они никому не нужны?..
Пространство, созданное Надеждой Осиповой, подчёркнуто игровое: картонная кухня превращается в мусорный бак — по периметру сцены висит штора из чёрного полиэтилена, таинственно мерцающая в лучах света. Актёры в универсальной чёрной одежде исполняют по нескольку ролей; они равно хорошо действуют в стиле „предметного“ театра, когда с помощью движений рук „оживляют“ чашки, кастрюлю и кофейник — и в стиле театра драматического, когда, переодевшись в ростовые костюмы обитателей помойки, рассказывают их печальные истории.
Так, наводящий ужас Лаврентий оказывается… детской погремушкой. У чашки Нины, безответно влюблённой в Эммануила, отломилась ручка. Сыр с плесенью Франсуаза мнит себя дор-блю, но на самом деле она — пошехонский сыр, купленный в универсаме по акции. Электронная свеча Герман экономит заряд и отказывается гореть здесь и сейчас — в надежде, что батарейка „ещё пригодится“. Кофейная банка Марсело Гомесович плохо говорит по-русски и тоскует по родине. А будильник Слава просто больше не звенит. Истории мусора проецируются на человеческую жизнь, обнаруживая совпадения в судьбе вещей, выброшенных людьми, и людей, выбросивших себя на помойку недостигнутых целей и неосуществлённых мечт. Подчёркнуто театральное действие расширяется до границ притчи.
Как и положено, сказка кончается хорошо: Эммануил влюбляется в Нину и забывает о фарфоровой Зине, а весь мусор (кроме злой заплесневелой Франсуазы) любители современного искусства превращают в инсталляцию. Эммануил читает новым друзьям свои стихи, но в памяти остаётся одна фраза, сказанная им Лаврентию: „Неважно, какой ты фирмы или формы. Важно, чтобы внутри тебя было что-то, кроме плесени“».
Большой Детский фестиваль проводится с 2018 года под художественным руководством народного артиста Российской Федерации Сергея Безрукова при поддержке Президентского фонда культурных инициатив и Министерства культуры Российской Федерации.
👍23❤8👏7🔥4🎉3🕊2
В новосибирском «Старом доме» покажут, как подружиться с удавом и укрепиться в надежде на лучшее ❤️ ❤️ ❤️
Это (и многое другое) произойдёт в спектакле «Голубчик» — новой работе режиссёра Саши Золотовицкого. Премьера состоится завтра, 24 октября.
Роман «Голубчик» (1974) принадлежит перу французского писателя Эмиля Ажара ( точнее, укрывшегося под этим псевдонимом Ромена Гари). На российской сцене ставят и Гари, и Ажара — у последнего наибольшей популярностью пользуется роман «Жизнь впереди». А вот заметных постановок «Голубчика» до сих пор не было.
Голубчик — имя огромного африканского удава, в котором парижский статистик Кузен находит единственного друга. Неспособный к обычному человеческому общению, он видит в питомце смысл жизни и даже его сны — о любви, что течёт где-то далеко, на реке Амур.
Книга Гари-Ажара близка литературе абсурда — направления, к которому режиссёр Саша Золотовицкий питает особую склонность, обращаясь то к пьесам Славомира Мрожека и Дмитрия Пригова, то к наиболее «фантазёрским» образцам современной детской литературы. В ноябре прошлого года Золотовицкий участвовал в «Режиссёрском марафоне» «Старого дома», в рамках которой работал над «Немым официантом» Гарольда Пинтера. Для полноформатной постановки выбрал другой текст — впрочем, тоже о людях, пытающихся разгадать самих себя.
— комментирует грядущую премьеру режиссёр.
✔️ Подробнее о предстоящей премьере читайте на сайте «Театрального журнала».
Это (и многое другое) произойдёт в спектакле «Голубчик» — новой работе режиссёра Саши Золотовицкого. Премьера состоится завтра, 24 октября.
Роман «Голубчик» (1974) принадлежит перу французского писателя Эмиля Ажара ( точнее, укрывшегося под этим псевдонимом Ромена Гари). На российской сцене ставят и Гари, и Ажара — у последнего наибольшей популярностью пользуется роман «Жизнь впереди». А вот заметных постановок «Голубчика» до сих пор не было.
Голубчик — имя огромного африканского удава, в котором парижский статистик Кузен находит единственного друга. Неспособный к обычному человеческому общению, он видит в питомце смысл жизни и даже его сны — о любви, что течёт где-то далеко, на реке Амур.
Книга Гари-Ажара близка литературе абсурда — направления, к которому режиссёр Саша Золотовицкий питает особую склонность, обращаясь то к пьесам Славомира Мрожека и Дмитрия Пригова, то к наиболее «фантазёрским» образцам современной детской литературы. В ноябре прошлого года Золотовицкий участвовал в «Режиссёрском марафоне» «Старого дома», в рамках которой работал над «Немым официантом» Гарольда Пинтера. Для полноформатной постановки выбрал другой текст — впрочем, тоже о людях, пытающихся разгадать самих себя.
«Персонажи этой истории очень много разговаривают, а больше всех — главный герой. Впрочем, как и все мы, — кто пытается заговорить свою тоску большим количеством слов. Мы придумываем какие-то формулировки и изобретаем новые слова, но выговорить то, что находится внутри нас, — невозможно, какие бы ты метафоры ни подбирал. Для Кузена одно из самых главных слов — это „надежда“. Он всё время говорит, что „надежда сопровождала меня, я был в поисках надежды, надежда мерцала где-то рядом“. И он всё время пытается схватить эту надежду»,
— комментирует грядущую премьеру режиссёр.
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
🎉25❤11🔥7🍓3
Кто? Есенин?!
В Театре Терезы Дуровой 3 октября, в день 130-летия со дня рождения Сергея Есенина, состоялась премьера спектакля, посвящённого поэту и его времени. На ней побывала Алла Солопенко.
Сам Есенин на сцене не появляется, но о нём беспрестанно спорят, сплетничают и поют. И это кажется лучшим решением, поскольку никому из актёров не приходится примерять на себя ставшую едва ли не культурным штампом роль красавца-хулигана в цилиндре.
«Кто Есенин» в постановке Терезы Дуровой состоит из двух частей. В первой мы попадаем в подвальчик, который занимает редакция какой-то безымянной газеты, одной из тех, что росли как грибы в первые годы после Революции. Вспыльчивый Главный редактор (Егор Комаров), романтичная натура — Секретарь главного редактора (Ольга Надуваева), пронырливый Журналист (Павел Повалихин), принципиальный Корректор (Михаил Бубер), исполнительный курьер (Данила Теплов) судачат о том о сём, в том числе обсуждают учинённый Есениным в редакции дебош, читают стихи и готовят номер к печати. К ним присоединяются два Поэта — почитатель Игоря Северянина (Владислав Славчук) и любитель Маяковского (Даниил Исламов), — а также подселённый по ордеру оркестр общества сознательных граждан. Возможно, у шаржевых персонажей написанной Артёмом Абрамовым пьесы есть прототипы-современники — Максим Горький, Владимир Маяковский, Анатолий Мариенгоф и другие — и их отношение к Есенину транслируют герои в своей то бытовой, то поэтической перепалке.
Впрочем, эта игра в какой-то момент как будто наскучивает актёрам. Да и получилось ли разобраться, кто же всё-таки этот неуловимый Есенин? «Ответить на вопрос с позиции современников не удалось», — откровенно заявляют со сцены, и редакции уже как не бывало. На пустой сцене остаётся только ряд стульев, на них размещаются музыканты — целый оркестр с духовой секцией, домброй, скрипкой, ударными. Есенин недаром считается одним из самых «музыкальных поэтов» — его стихи легко ложатся на музыку. В интерпретации композитора Сергея Кондратьева они превращаются в динамичные, отлично аранжированные современные песни: залихватскую «Плачет метель, как цыганская скрипка», сладко-лиричную «Темна ноченька, не спится», напряжённую, с рваным ритмом «Лисицу», против ожидания лишённую трагизма, нежную «До свиданья, друг мой, до свиданья…» и другие. И музыканты, и актёры-певцы в этой части спектакля на высоте — получается, современный, очищенный от сплетен и политических интриг Есенин, живущий в музыке и стихах, гораздо интереснее и естественнее «сконструированного» на основе чужих воспоминаний.
В Театре Терезы Дуровой 3 октября, в день 130-летия со дня рождения Сергея Есенина, состоялась премьера спектакля, посвящённого поэту и его времени. На ней побывала Алла Солопенко.
Сам Есенин на сцене не появляется, но о нём беспрестанно спорят, сплетничают и поют. И это кажется лучшим решением, поскольку никому из актёров не приходится примерять на себя ставшую едва ли не культурным штампом роль красавца-хулигана в цилиндре.
«Кто Есенин» в постановке Терезы Дуровой состоит из двух частей. В первой мы попадаем в подвальчик, который занимает редакция какой-то безымянной газеты, одной из тех, что росли как грибы в первые годы после Революции. Вспыльчивый Главный редактор (Егор Комаров), романтичная натура — Секретарь главного редактора (Ольга Надуваева), пронырливый Журналист (Павел Повалихин), принципиальный Корректор (Михаил Бубер), исполнительный курьер (Данила Теплов) судачат о том о сём, в том числе обсуждают учинённый Есениным в редакции дебош, читают стихи и готовят номер к печати. К ним присоединяются два Поэта — почитатель Игоря Северянина (Владислав Славчук) и любитель Маяковского (Даниил Исламов), — а также подселённый по ордеру оркестр общества сознательных граждан. Возможно, у шаржевых персонажей написанной Артёмом Абрамовым пьесы есть прототипы-современники — Максим Горький, Владимир Маяковский, Анатолий Мариенгоф и другие — и их отношение к Есенину транслируют герои в своей то бытовой, то поэтической перепалке.
Впрочем, эта игра в какой-то момент как будто наскучивает актёрам. Да и получилось ли разобраться, кто же всё-таки этот неуловимый Есенин? «Ответить на вопрос с позиции современников не удалось», — откровенно заявляют со сцены, и редакции уже как не бывало. На пустой сцене остаётся только ряд стульев, на них размещаются музыканты — целый оркестр с духовой секцией, домброй, скрипкой, ударными. Есенин недаром считается одним из самых «музыкальных поэтов» — его стихи легко ложатся на музыку. В интерпретации композитора Сергея Кондратьева они превращаются в динамичные, отлично аранжированные современные песни: залихватскую «Плачет метель, как цыганская скрипка», сладко-лиричную «Темна ноченька, не спится», напряжённую, с рваным ритмом «Лисицу», против ожидания лишённую трагизма, нежную «До свиданья, друг мой, до свиданья…» и другие. И музыканты, и актёры-певцы в этой части спектакля на высоте — получается, современный, очищенный от сплетен и политических интриг Есенин, живущий в музыке и стихах, гораздо интереснее и естественнее «сконструированного» на основе чужих воспоминаний.
🎉18❤11🔥5🕊3