#чтогдекогда
Презентация каталога Виталия Пушницкого к выставке «Студии. Ожидание». Часть 1:
Вчера в Музее архитектуры им. А. В. Щусева прошла презентация каталога к выставке Виталия Пушницкого «Студии. Ожидание» — вернее, правда, будет назвать ее дискуссией. Она была посвящена обсуждению выставочного каталога как жанра, с разных граней и позиций спикеры разобрали феноменологию текстов вокруг выставок и поговорили о том, как писать о визуальности.
Чтобы было понятно, насколько «разных», вот список спикеров: Виталий Пушницкий – художник, писатель, Ксения Малич – куратор, историк архитектуры, кандидат искусствоведения, Анзор Канкулов – журналист, главный редактор журнала BLACK SQUARE, Ксения Смирнова – заместитель директора Музея архитектуры по просветительской деятельности, а модерировал встречу — Сергей Попов – искусствовед, основатель галереи pop/off/art, издательства «Попов Арт». Довольно стремительно на сайте музея разобрали регистрации, поэтому мы законспектировали дискуссию для вас и делимся своим изложением:
Задал тон ходу беседы Сергей Попов: «Жанр каталога появился в 17 веке, в качестве привязки к выставкам, его не мыслили вне их. Это технический жанр, что накладывает на него определённые ограничения. Каталожные статьи — перемычка между людьми, которые готовы читать, и профессиональным сообществом. Наш разговор пойдет о том, насколько каталоги помогают понять художника или, наоборот, путают».
Первый, самый фундаментальный вопрос от издателя — художнику, вопрос — Виталию: «Доволен ли ты каталогом?». Виталий: «Мне не нравится ни одна книга, которую я издал. В моей системе координат есть два состояния: либо хороший, либо незаконченный». На что Сергей своевременно заметил — «сгорбленный мальчик Микеланджело — это хороший или незаконченный?». У Пушницкого почти параллельно вышло два издания — «Бритва Оккама» в издательском проекте Дениса Химиляйне (Жар-Книга 2025!) и каталог к выставке в МУАРе. При этом художник замечает: «Жанр альбома морально устарел, раньше — это предмет коллекционирования, сейчас — устоявшийся формат. Книга нужна, чтобы доказать, что мы существуем, она обращена к фиксации прошлого. Как слова на камне».
Тему актуальности продолжила Ксения Смирнова со стороны музейного сотрудника: «С первого дня работы посетители спускались в книжный магазин и требовали каталог конкретно этой выставки. Гостям важно обладать частичкой проекта, который их зацепил. Для нас, как для музея, который проводит огромное количество временных выставок, каталог важен как фиксация, как результат выполненной работы. Вы не представляете, что мы чувствуем, когда выставку разбирают. Единственное, что у нас остается, — это книга отзывов». Среди любимых музейных изданий Смирнова отмечает «Допожарную Москву» — весь тираж, к слову, в своё время был раскуплен.
Мнения представителя музея Ксении Смирновой и куратора проекта Ксении Малич разделились на вопросе Сергея «выставка Пушницкого архитектурная или живописная». Смирнова, хоть и заметила, как органично холсты встроились в Анфиладу, которая и проектировалась для показа живописи, считает, что и такая, и такая: «Когда впервые смотрели с коллегами работы, сразу почувствовали, что перед нами архитектурное пространство на холсте». А по мнению Ксении Малич: «Это живописная выставка, которая позволила посмотреть на архитектуру Анфилады, которая обычно застроена значительнее».
Презентация каталога Виталия Пушницкого к выставке «Студии. Ожидание». Часть 1:
Вчера в Музее архитектуры им. А. В. Щусева прошла презентация каталога к выставке Виталия Пушницкого «Студии. Ожидание» — вернее, правда, будет назвать ее дискуссией. Она была посвящена обсуждению выставочного каталога как жанра, с разных граней и позиций спикеры разобрали феноменологию текстов вокруг выставок и поговорили о том, как писать о визуальности.
Чтобы было понятно, насколько «разных», вот список спикеров: Виталий Пушницкий – художник, писатель, Ксения Малич – куратор, историк архитектуры, кандидат искусствоведения, Анзор Канкулов – журналист, главный редактор журнала BLACK SQUARE, Ксения Смирнова – заместитель директора Музея архитектуры по просветительской деятельности, а модерировал встречу — Сергей Попов – искусствовед, основатель галереи pop/off/art, издательства «Попов Арт». Довольно стремительно на сайте музея разобрали регистрации, поэтому мы законспектировали дискуссию для вас и делимся своим изложением:
Задал тон ходу беседы Сергей Попов: «Жанр каталога появился в 17 веке, в качестве привязки к выставкам, его не мыслили вне их. Это технический жанр, что накладывает на него определённые ограничения. Каталожные статьи — перемычка между людьми, которые готовы читать, и профессиональным сообществом. Наш разговор пойдет о том, насколько каталоги помогают понять художника или, наоборот, путают».
Первый, самый фундаментальный вопрос от издателя — художнику, вопрос — Виталию: «Доволен ли ты каталогом?». Виталий: «Мне не нравится ни одна книга, которую я издал. В моей системе координат есть два состояния: либо хороший, либо незаконченный». На что Сергей своевременно заметил — «сгорбленный мальчик Микеланджело — это хороший или незаконченный?». У Пушницкого почти параллельно вышло два издания — «Бритва Оккама» в издательском проекте Дениса Химиляйне (Жар-Книга 2025!) и каталог к выставке в МУАРе. При этом художник замечает: «Жанр альбома морально устарел, раньше — это предмет коллекционирования, сейчас — устоявшийся формат. Книга нужна, чтобы доказать, что мы существуем, она обращена к фиксации прошлого. Как слова на камне».
Тему актуальности продолжила Ксения Смирнова со стороны музейного сотрудника: «С первого дня работы посетители спускались в книжный магазин и требовали каталог конкретно этой выставки. Гостям важно обладать частичкой проекта, который их зацепил. Для нас, как для музея, который проводит огромное количество временных выставок, каталог важен как фиксация, как результат выполненной работы. Вы не представляете, что мы чувствуем, когда выставку разбирают. Единственное, что у нас остается, — это книга отзывов». Среди любимых музейных изданий Смирнова отмечает «Допожарную Москву» — весь тираж, к слову, в своё время был раскуплен.
Мнения представителя музея Ксении Смирновой и куратора проекта Ксении Малич разделились на вопросе Сергея «выставка Пушницкого архитектурная или живописная». Смирнова, хоть и заметила, как органично холсты встроились в Анфиладу, которая и проектировалась для показа живописи, считает, что и такая, и такая: «Когда впервые смотрели с коллегами работы, сразу почувствовали, что перед нами архитектурное пространство на холсте». А по мнению Ксении Малич: «Это живописная выставка, которая позволила посмотреть на архитектуру Анфилады, которая обычно застроена значительнее».
❤11🔥3👍2👀1
#чтогдекогда
Презентация каталога Виталия Пушницкого к выставке «Студии. Ожидание». Часть 2:
От проекта переместились к изданию, а точнее — к опыту работы над монографиями и каталогами Малич. Ее статья к проекту Виталия совсем не рассказывает о выставке, она рассказывает о том, как художники изображали свои мастерские. Для неё, как для исследователя архитектуры, этот проект стал работой мечты, ведь зачастую в Эрмитаже подобные материалы требовали долгих копаний в архивах, а не диалог с художником-современником. В проекте «Студии. Ожидание» кураторская работа Малич проявлялась не в художественном жесте, а в проявлении чуткости к музейной архитектуре, к работам, которым она помогала прозвучать. Работа куратора здесь — помочь зрителю увидеть произведение, помочь сделать это усилие. Что отразилось и в каталожном облике выставки.
Важный взгляд на тексты о визуальном отразил Анзор Канкулов: «Писать можно не просто на разных языках, но и в разных жанрах. Наша задача, как журнал об искусстве — понять, что такое художник и как он работает, прийти в его мир». Как один из первых читателей каталога он, в свою очередь, отметил, что подобное издание — это другое качество восприятия выставки, которое может существовать и вне её.
Мысль продолжилась вопросом «как BKSQ отбирает художников, о которых пишет?». Анзор продолжил тезис о важности контекстуализации: «Если говорить от лица медийной сферы — многое диктуется периодичностью происходящего». Важно зацепить читателя моментальным впечатлением, побудить отклик без необходимости в текстовом осмыслении — «ты смотришь и действуешь». Особенно важно помнить об этом «на бумаге». Хотя, как справедливо заметил Канкулов: «Нам сначала говорили делать сайты, уходить в интернет, который по своей сути является большой базой данных. И сначала это большое хранилище выполняло свои задачи, но где-то года три назад оказалось, что никто не хочет ничего хранить, похоронить бы скорее».
Завершил дискуссию вопрос Сергея ко всем спикерам: «Чего бы вы хотели от своего читателя/зрителя?».
Виталий Пушницкий в своей жизни сталкивается со зрителем редко: «Я живу в зеркальной комнате, где смотрю на себя. Зритель для меня гость редкий, только по праздникам». На вопрос «А как же тогда быть с тем, что искусство существует лишь, когда оно сталкивается со зрителем?», Пушницкий ответил не менее философски: «Художник — это охотник, который идёт за оленем — за тем, что мы понимаем под словом “искусство”. Он знает, что олень есть, но видит только его следы. А если и настигает — то только его труп».
Ксения Малич от читателя ждёт снисхождения, Ксения Смирнова желает, чтобы и этот каталог невозможно было найти в магазинах, а Анзор Канкулов обращается к себе: «Я всегда себя считал зрителем. Даже журнал для меня — официальная платформа зрителя. Поэтому мне всегда хочется обмена мыслями, коммуникации».
На том и завершили!
Презентация каталога Виталия Пушницкого к выставке «Студии. Ожидание». Часть 2:
От проекта переместились к изданию, а точнее — к опыту работы над монографиями и каталогами Малич. Ее статья к проекту Виталия совсем не рассказывает о выставке, она рассказывает о том, как художники изображали свои мастерские. Для неё, как для исследователя архитектуры, этот проект стал работой мечты, ведь зачастую в Эрмитаже подобные материалы требовали долгих копаний в архивах, а не диалог с художником-современником. В проекте «Студии. Ожидание» кураторская работа Малич проявлялась не в художественном жесте, а в проявлении чуткости к музейной архитектуре, к работам, которым она помогала прозвучать. Работа куратора здесь — помочь зрителю увидеть произведение, помочь сделать это усилие. Что отразилось и в каталожном облике выставки.
Важный взгляд на тексты о визуальном отразил Анзор Канкулов: «Писать можно не просто на разных языках, но и в разных жанрах. Наша задача, как журнал об искусстве — понять, что такое художник и как он работает, прийти в его мир». Как один из первых читателей каталога он, в свою очередь, отметил, что подобное издание — это другое качество восприятия выставки, которое может существовать и вне её.
Мысль продолжилась вопросом «как BKSQ отбирает художников, о которых пишет?». Анзор продолжил тезис о важности контекстуализации: «Если говорить от лица медийной сферы — многое диктуется периодичностью происходящего». Важно зацепить читателя моментальным впечатлением, побудить отклик без необходимости в текстовом осмыслении — «ты смотришь и действуешь». Особенно важно помнить об этом «на бумаге». Хотя, как справедливо заметил Канкулов: «Нам сначала говорили делать сайты, уходить в интернет, который по своей сути является большой базой данных. И сначала это большое хранилище выполняло свои задачи, но где-то года три назад оказалось, что никто не хочет ничего хранить, похоронить бы скорее».
Завершил дискуссию вопрос Сергея ко всем спикерам: «Чего бы вы хотели от своего читателя/зрителя?».
Виталий Пушницкий в своей жизни сталкивается со зрителем редко: «Я живу в зеркальной комнате, где смотрю на себя. Зритель для меня гость редкий, только по праздникам». На вопрос «А как же тогда быть с тем, что искусство существует лишь, когда оно сталкивается со зрителем?», Пушницкий ответил не менее философски: «Художник — это охотник, который идёт за оленем — за тем, что мы понимаем под словом “искусство”. Он знает, что олень есть, но видит только его следы. А если и настигает — то только его труп».
Ксения Малич от читателя ждёт снисхождения, Ксения Смирнова желает, чтобы и этот каталог невозможно было найти в магазинах, а Анзор Канкулов обращается к себе: «Я всегда себя считал зрителем. Даже журнал для меня — официальная платформа зрителя. Поэтому мне всегда хочется обмена мыслями, коммуникации».
На том и завершили!
❤12👍3🔥3
#избачитальня
Подборка книг об искусстве с ярмарки Rassvet Book Fair:
На этих выходных в ДК Рассвет книжная ярмарка — а это значит, что мы уже обошли все стенды и собрали выборку новинок об искусстве и вокруг него. Она проходит в юбилейный 10 раз и будет открыта в эти выходные с 12:00 до 20:00. Издательские цены, зины, букинистика и 75 стендов, смотрим:
• История искусства в экспозиции. Музеи РСФСР в 1920-1930-е годы — Мария Силина, V-A-C
Указанный автором в названии период рассматривается, с одной стороны, как «время кризиса» музея в РСФСР, а с другой — как этап зарождения авангардных практик: оригинальных образовательных и экскурсионных программ, творческого освоения публичных пространств, смелых экспозиционных решений.
• Ртуть — Лена Скрипкина, V-A-C
«Ртуть» напоминает загадочное письмо из другой реальности: здесь встречаются сцены из мифов, фантазии и наблюдения за повседневностью. Блуждая по островкам памяти — льдинам, художница Лена Скрипкина размышляет о хрупкости времени и неминуемом угасании жизни, которые ведут к забвению.
• Меер Айзенштадт: органика, архаика, модернизм — Надежда Плунгян, Александра Селиванова, издательство музея «Гараж»
Книга посвящена наследию скульптора Меера Айзенштадта (1895–1961), выпускника скульптурного факультета ВХУТЕИНа и автора оригинальных скульптурно-архитектурных монументальных проектов.
• История искусства после модернизма — Ханс Бельтинг, издательство музея «Гараж»
Эта книга составлена из двух изданий: немецкоязычного — «Конец истории искусства» (1995) и его англоязычной версии — «Истории искусства после модернизма» (2003), в которой автор актуализировал ряд своих размышлений. Несмотря на несколько громкое оригинальное название, в своей книге Бельтинг не пишет ни об апокалиптических видениях конца времен, ни о конце исторического процесса.
• Каталог к выставке Виталия Пушницкого «Студии. Ожидание», Попов Арт
Презентованный позавчера каталог одноименной выставки уже можно найти на корнере издательства от галереи pop/off/art. Отвечая на вопрос из вчерашних комментариев — книга только-только вышла, поэтому еще до медиарелизов ее можно приобрести в Рассвете.
Кроме нашей подборки узнали, что в свою домашнюю библиотеку с ярмарки унесли работники стенда «Попов Арт», выборка получилась такая:
• Арт-рынок в XXI веке. Пространство художественного эксперимента — Анна Арутюнова, Издательский дом ВШЭ;
• Михаил Матюшин. Баяч будущего — Сергей Уваров, Издательство Европейского университета в Санкт-Петербурге;
• Пост-Европа — Юк Хуэй, Ad Marginem;
• Он увидел солнце. Егор Летов и его время — Александр Горбачев (признан иноагентом), Выргород
• Мумификация в горах Кавказа — И. М. Иосифов, Общество распространения полезных книг х Фламмеманн
Подборка книг об искусстве с ярмарки Rassvet Book Fair:
На этих выходных в ДК Рассвет книжная ярмарка — а это значит, что мы уже обошли все стенды и собрали выборку новинок об искусстве и вокруг него. Она проходит в юбилейный 10 раз и будет открыта в эти выходные с 12:00 до 20:00. Издательские цены, зины, букинистика и 75 стендов, смотрим:
• История искусства в экспозиции. Музеи РСФСР в 1920-1930-е годы — Мария Силина, V-A-C
Указанный автором в названии период рассматривается, с одной стороны, как «время кризиса» музея в РСФСР, а с другой — как этап зарождения авангардных практик: оригинальных образовательных и экскурсионных программ, творческого освоения публичных пространств, смелых экспозиционных решений.
• Ртуть — Лена Скрипкина, V-A-C
«Ртуть» напоминает загадочное письмо из другой реальности: здесь встречаются сцены из мифов, фантазии и наблюдения за повседневностью. Блуждая по островкам памяти — льдинам, художница Лена Скрипкина размышляет о хрупкости времени и неминуемом угасании жизни, которые ведут к забвению.
• Меер Айзенштадт: органика, архаика, модернизм — Надежда Плунгян, Александра Селиванова, издательство музея «Гараж»
Книга посвящена наследию скульптора Меера Айзенштадта (1895–1961), выпускника скульптурного факультета ВХУТЕИНа и автора оригинальных скульптурно-архитектурных монументальных проектов.
• История искусства после модернизма — Ханс Бельтинг, издательство музея «Гараж»
Эта книга составлена из двух изданий: немецкоязычного — «Конец истории искусства» (1995) и его англоязычной версии — «Истории искусства после модернизма» (2003), в которой автор актуализировал ряд своих размышлений. Несмотря на несколько громкое оригинальное название, в своей книге Бельтинг не пишет ни об апокалиптических видениях конца времен, ни о конце исторического процесса.
• Каталог к выставке Виталия Пушницкого «Студии. Ожидание», Попов Арт
Презентованный позавчера каталог одноименной выставки уже можно найти на корнере издательства от галереи pop/off/art. Отвечая на вопрос из вчерашних комментариев — книга только-только вышла, поэтому еще до медиарелизов ее можно приобрести в Рассвете.
Кроме нашей подборки узнали, что в свою домашнюю библиотеку с ярмарки унесли работники стенда «Попов Арт», выборка получилась такая:
• Арт-рынок в XXI веке. Пространство художественного эксперимента — Анна Арутюнова, Издательский дом ВШЭ;
• Михаил Матюшин. Баяч будущего — Сергей Уваров, Издательство Европейского университета в Санкт-Петербурге;
• Пост-Европа — Юк Хуэй, Ad Marginem;
• Он увидел солнце. Егор Летов и его время — Александр Горбачев (признан иноагентом), Выргород
• Мумификация в горах Кавказа — И. М. Иосифов, Общество распространения полезных книг х Фламмеманн
❤12🔥3👍2🕊2
#запомнитеэтотдень
Илья Крончев-Иванов о хэппенинге арт-группы NONSNS «современное искусство полюбила я» в честь 20-летия галереи Anna Nova. Часть 1:
Одной из ведущих галерей современного искусства в России — Anna Nova — в этом году исполнилось двадцать лет. Команда галереи подошла к вопросу праздневства с невероятной ответственностью и энтузиазмом. Вместо того чтобы, как это обычно бывает, пригласить «звёздного куратора» (список таких имён давно исчерпывающ), и сделать выставку с работами собственных художников — тех, кого галерея уже не раз показывала, — Anna Nova, верная своему имени, решилась на смелый и рискованный шаг, инициаторами которого стали художники Мария Челоянц и Гоша Голицын из арт-группы NONSNS, известные своими яркими, ироничными и концептуальными проектами.
На несколько дней пространство галереи превратилось в съёмочную площадку музыкального клипа — и одновременно в большое праздничное действо, в котором мог принять участие каждый. Любой желающий, пришедший в эти дни в галерею, мог буквально «занять своё место в искусстве». Так форма юбилейного торжества стала художественной: переходя порог галереи, гости автоматически становились соучастниками и соавторами произведения искусства под названием «Современное искусство полюбила я», которое настойчиво заявляло:
Внимание! Это не юбилей — это хэппенинг!
Внимание! Это не музыкальный клип — это видеоарт!
Внимание! Это не плейлист — это саунд-арт!
Внимание! Это не диджеи — это перформеры!
Хэппенинг устроен как многоступенчатый процесс, напоминающий прохождение какой-либо бюрократической процедуры в МФЦ. В первом зале зрителей встречает приветственный текст, написанный в нарочито рекламном тоне — как «уникальный шанс принять участие в художественном процессе, задокументировать свою любовь к искусству и занять своё место в искусстве». Это характерный для группы NONSNS приём — работа с языками массовой культуры, их пародирование и переосмысление. Художники мимикрируют под язык рекламы и культурной индустрии, чтобы перекодировать его собственными смыслами. В этом же зале показана видеоинструкция, где сами художники в роли крайне высококультурных конферансье объясняют, как устроен хэппенинг, представляющий собой череду репетиций и съёмок музыкального клипа. Здесь же в первом зале — стол с «сотрудником» (на самом деле — перформером), предлагающим заполнить согласие на участие и использование изображения в видеоработе. На стене — небольшое, но ключевое, на мой взгляд, стихотворение, требующее особого внимания.
В 1960 году вышла книга советского театрального и кинокритика Якова Варшавского «Что ты ищешь в искусстве?». Я не держал её в своих в руках и не знаю, о чём именно размышляет автор на восьмидесяти страницах, но одно только название погрузило меня в долгие раздумья о природе отношений между человеком и искусством. С этого вопроса я начинаю свои занятия со студентами. И именно с него начинается художественный стишок группы NONSNS, предлагающий варианты ответа — почти как тест, обращённый ко всем нам: «что в искусстве ищешь ты? ощущенья красоты? наслажденья? развлеченья? раздраженья? отвращенья? умиленья? утешенья? угощенья? потребленья? рисовальные уменья? или мира отраженья? чтоб украсить помещенья?».
Последний вариант — «мира отраженья» — и есть то, чем занимаются сами NONSNS. Во многих своих проектах они оставляют пространство, где зритель остаётся один на один с собой. Так происходит и здесь. Во втором зале галереи вся стена превращена в огромное зеркало, где зритель видит одновременно и отражение текста песни, написанной специально для проекта, и собственное отражение. Это репетиционный зал, в котором можно отработать движения перед записью — ведь вскоре вы сами станете частью клипа. Всё это время звучит песня, написанная арт-группой и исполненная самой основательницей галереи, Анной Бариновой — в прошлом известной поп-певицей под сценическим псевдонимом Anna Nova, кандидаткой на Евровидение и ведущей программы «Top 10 with Anna Nova» на канале BRIDGE TV. Кстати, песня по признанию сотрудников галереи уже стала их неофициальным гимном.
Илья Крончев-Иванов о хэппенинге арт-группы NONSNS «современное искусство полюбила я» в честь 20-летия галереи Anna Nova. Часть 1:
Одной из ведущих галерей современного искусства в России — Anna Nova — в этом году исполнилось двадцать лет. Команда галереи подошла к вопросу праздневства с невероятной ответственностью и энтузиазмом. Вместо того чтобы, как это обычно бывает, пригласить «звёздного куратора» (список таких имён давно исчерпывающ), и сделать выставку с работами собственных художников — тех, кого галерея уже не раз показывала, — Anna Nova, верная своему имени, решилась на смелый и рискованный шаг, инициаторами которого стали художники Мария Челоянц и Гоша Голицын из арт-группы NONSNS, известные своими яркими, ироничными и концептуальными проектами.
На несколько дней пространство галереи превратилось в съёмочную площадку музыкального клипа — и одновременно в большое праздничное действо, в котором мог принять участие каждый. Любой желающий, пришедший в эти дни в галерею, мог буквально «занять своё место в искусстве». Так форма юбилейного торжества стала художественной: переходя порог галереи, гости автоматически становились соучастниками и соавторами произведения искусства под названием «Современное искусство полюбила я», которое настойчиво заявляло:
Внимание! Это не юбилей — это хэппенинг!
Внимание! Это не музыкальный клип — это видеоарт!
Внимание! Это не плейлист — это саунд-арт!
Внимание! Это не диджеи — это перформеры!
Хэппенинг устроен как многоступенчатый процесс, напоминающий прохождение какой-либо бюрократической процедуры в МФЦ. В первом зале зрителей встречает приветственный текст, написанный в нарочито рекламном тоне — как «уникальный шанс принять участие в художественном процессе, задокументировать свою любовь к искусству и занять своё место в искусстве». Это характерный для группы NONSNS приём — работа с языками массовой культуры, их пародирование и переосмысление. Художники мимикрируют под язык рекламы и культурной индустрии, чтобы перекодировать его собственными смыслами. В этом же зале показана видеоинструкция, где сами художники в роли крайне высококультурных конферансье объясняют, как устроен хэппенинг, представляющий собой череду репетиций и съёмок музыкального клипа. Здесь же в первом зале — стол с «сотрудником» (на самом деле — перформером), предлагающим заполнить согласие на участие и использование изображения в видеоработе. На стене — небольшое, но ключевое, на мой взгляд, стихотворение, требующее особого внимания.
В 1960 году вышла книга советского театрального и кинокритика Якова Варшавского «Что ты ищешь в искусстве?». Я не держал её в своих в руках и не знаю, о чём именно размышляет автор на восьмидесяти страницах, но одно только название погрузило меня в долгие раздумья о природе отношений между человеком и искусством. С этого вопроса я начинаю свои занятия со студентами. И именно с него начинается художественный стишок группы NONSNS, предлагающий варианты ответа — почти как тест, обращённый ко всем нам: «что в искусстве ищешь ты? ощущенья красоты? наслажденья? развлеченья? раздраженья? отвращенья? умиленья? утешенья? угощенья? потребленья? рисовальные уменья? или мира отраженья? чтоб украсить помещенья?».
Последний вариант — «мира отраженья» — и есть то, чем занимаются сами NONSNS. Во многих своих проектах они оставляют пространство, где зритель остаётся один на один с собой. Так происходит и здесь. Во втором зале галереи вся стена превращена в огромное зеркало, где зритель видит одновременно и отражение текста песни, написанной специально для проекта, и собственное отражение. Это репетиционный зал, в котором можно отработать движения перед записью — ведь вскоре вы сами станете частью клипа. Всё это время звучит песня, написанная арт-группой и исполненная самой основательницей галереи, Анной Бариновой — в прошлом известной поп-певицей под сценическим псевдонимом Anna Nova, кандидаткой на Евровидение и ведущей программы «Top 10 with Anna Nova» на канале BRIDGE TV. Кстати, песня по признанию сотрудников галереи уже стала их неофициальным гимном.
❤10❤🔥5🥱2👍1👏1
#запомнитеэтотдень
Илья Крончев-Иванов о хэппенинге арт-группы NONSNS «современное искусство полюбила я» в честь 20-летия галереи Anna Nova. Часть 2:
Перед съёмкой, на третьем этаже, участников ждёт ещё одна анкета. Здесь предлагается подумать о том, какое искусство вы любите, а какое — нет; что оно вам даёт и какую роль вы сами занимаете в искусстве. Эти анкеты и процедуры на первый взгляд напоминают бюрократическую машинерию — язык МФЦ и государственных форм. Но стоит этому языку оказаться внутри художественного пространства, под звуки песни, которая целиком состоит из бесконечного припева, спетого голосом галеристки, — как всё вдруг меняет смысл.
После заполнения формы участники приглашались на съёмочную площадку. Серьёзный оператор задает один вопрос — «Какое место вы занимаете в искусстве?» — а затем снимает вас под фонограмму песни, в которой каждый как бы поёт голосом Анны Бариновой. Когда вы зритель спускается с 2 этаже обратно на 1 он может заметить, что лестницу на 3 этаж, где проходила часть хэппенинга в виде вечеринки для професисонального сообщества и друзей галереи, оформлена серебряными воздушными шарами, в которых отражаются и зрители, и само пространство галереи с её логотипом. Также оттуда доносится бесконечный саунд-арт — плейлист из множества музыкальных произведений разных жанров, но с одной и той же мелодией и одним и тем же текстом. Думаю, вы уже догадались, с каким.
Так частный праздник одной галереи превратился во всеобщее celebration в честь искусства — крайне гуманистичный и человеческий жест — в пространство, где каждый может занять своё место. И это «место в искусстве» оказывается одной из важных и ценных идей: оно означает и положение человека в современной художественной системе, и его участие в конкретном хэппенинге, и саму галерею как буквально — место, где искусство происходит. Переступая порог галереи, зрители становились перформерами, соучастниками, соавторами — часто даже не осознавая этого. В этом простом, но точном жесте рождается подлинный смысл проекта: искусство не требует дистанции, оно предлагает соучастие. И, возможно, именно в этом и есть главный манифест NONSNS — в том, что любовь к искусству можно не только выразить, но и прожить, заняв в нём своё место.
Фото: предоставлено группой NONSNS
Илья Крончев-Иванов о хэппенинге арт-группы NONSNS «современное искусство полюбила я» в честь 20-летия галереи Anna Nova. Часть 2:
Перед съёмкой, на третьем этаже, участников ждёт ещё одна анкета. Здесь предлагается подумать о том, какое искусство вы любите, а какое — нет; что оно вам даёт и какую роль вы сами занимаете в искусстве. Эти анкеты и процедуры на первый взгляд напоминают бюрократическую машинерию — язык МФЦ и государственных форм. Но стоит этому языку оказаться внутри художественного пространства, под звуки песни, которая целиком состоит из бесконечного припева, спетого голосом галеристки, — как всё вдруг меняет смысл.
После заполнения формы участники приглашались на съёмочную площадку. Серьёзный оператор задает один вопрос — «Какое место вы занимаете в искусстве?» — а затем снимает вас под фонограмму песни, в которой каждый как бы поёт голосом Анны Бариновой. Когда вы зритель спускается с 2 этаже обратно на 1 он может заметить, что лестницу на 3 этаж, где проходила часть хэппенинга в виде вечеринки для професисонального сообщества и друзей галереи, оформлена серебряными воздушными шарами, в которых отражаются и зрители, и само пространство галереи с её логотипом. Также оттуда доносится бесконечный саунд-арт — плейлист из множества музыкальных произведений разных жанров, но с одной и той же мелодией и одним и тем же текстом. Думаю, вы уже догадались, с каким.
Так частный праздник одной галереи превратился во всеобщее celebration в честь искусства — крайне гуманистичный и человеческий жест — в пространство, где каждый может занять своё место. И это «место в искусстве» оказывается одной из важных и ценных идей: оно означает и положение человека в современной художественной системе, и его участие в конкретном хэппенинге, и саму галерею как буквально — место, где искусство происходит. Переступая порог галереи, зрители становились перформерами, соучастниками, соавторами — часто даже не осознавая этого. В этом простом, но точном жесте рождается подлинный смысл проекта: искусство не требует дистанции, оно предлагает соучастие. И, возможно, именно в этом и есть главный манифест NONSNS — в том, что любовь к искусству можно не только выразить, но и прожить, заняв в нём своё место.
Фото: предоставлено группой NONSNS
❤11❤🔥5👍3👏3💩2
#чтогдекогда
Анастасия Котельникова о первой биеннале современного искусства в Бухаре «Рецепты для разбитых сердец». Часть 1:
Рецепт успеха первой биеннале современного искусства в Бухаре – это баланс между культурными традициями и актуальной повесткой, национальными художниками, местным населением и звездами мировой художественной сцены. На несколько месяцев исторические здания Бухары, включая ансамбль Ходжа-Гавкушон, караван-сараи (Айозжон, Улугбек Тамокифуруш, Ахмаджон, Фотулладжон) и медресе Рашид, были преобразованы в выставочные зоны для объектов, инсталляций и видео-арта. Это во многом повлияло на общий имидж выставочного проекта, которому нужно было соответствовать уже сформированной архитектуре, не похожей на классический белый куб. Основной принцип, которого придерживались куратор и организаторы проекта – наладить сотрудничество между художниками и ремесленниками, которыми славится Бухара.
Тематика исцеления, как и само название «Рецепты для разбитых сердец», происходит из средневековой легенды, в которой учёный и врач Абу Али ибн Сина придумал рецепт плова для утешения местного властителя, потерпевшего неудачу в любовном деле. Бухара, в которой прекрасно сохранился исторический центр с его улочками и торговыми куполами, еще с древних времен была одной из главных точек великого Шелкового пути, объединяла в себе путников и товары с разных концов континента. Именно поэтому выбор организаторов пал на Бухару, а не на более модернизированный Самарканд.
Куратором проекта выступила американка Диана Кэмпбелл, арт-директор Samdani Art Foundation (Бангладеш) и специалист по искусству Азии. При участии фонда развития культуры и искусства Узбекистана, руководителем которого является Гаяна Умерова, была проведена реставрация и консервация исторических объектов, выполнена реновация центральной пешеходной зоны, где появились клумбы и деревья. Так же организаторы акцентируют внимание на том, что было привлечено немало местного населения, работа с которым активно началась задолго до самого открытия.
Действительно, интерес к проекту среди местного населения ощутим. Приток иностранцев и делегаций благоприятно влияет на экономическую ситуацию города, живущего за счет туризма. Однако немногим из них понятно содержание и контекст самих арт-объектов, появившихся в городском пространстве. Несмотря на тексты, объясняющие концепцию, и информационные зоны с модераторами, остаются вопросы. Так или иначе первая интервенция современного искусства такого масштаба все-таки была смягчена тем, что многие художники и ремесленники стали главными создателями объектов и инсталляции. В большинстве работ биеннале, подчеркивается идентичность местной культуры, сформированной традициями различных ремесел.
Анастасия Котельникова о первой биеннале современного искусства в Бухаре «Рецепты для разбитых сердец». Часть 1:
Рецепт успеха первой биеннале современного искусства в Бухаре – это баланс между культурными традициями и актуальной повесткой, национальными художниками, местным населением и звездами мировой художественной сцены. На несколько месяцев исторические здания Бухары, включая ансамбль Ходжа-Гавкушон, караван-сараи (Айозжон, Улугбек Тамокифуруш, Ахмаджон, Фотулладжон) и медресе Рашид, были преобразованы в выставочные зоны для объектов, инсталляций и видео-арта. Это во многом повлияло на общий имидж выставочного проекта, которому нужно было соответствовать уже сформированной архитектуре, не похожей на классический белый куб. Основной принцип, которого придерживались куратор и организаторы проекта – наладить сотрудничество между художниками и ремесленниками, которыми славится Бухара.
Тематика исцеления, как и само название «Рецепты для разбитых сердец», происходит из средневековой легенды, в которой учёный и врач Абу Али ибн Сина придумал рецепт плова для утешения местного властителя, потерпевшего неудачу в любовном деле. Бухара, в которой прекрасно сохранился исторический центр с его улочками и торговыми куполами, еще с древних времен была одной из главных точек великого Шелкового пути, объединяла в себе путников и товары с разных концов континента. Именно поэтому выбор организаторов пал на Бухару, а не на более модернизированный Самарканд.
Куратором проекта выступила американка Диана Кэмпбелл, арт-директор Samdani Art Foundation (Бангладеш) и специалист по искусству Азии. При участии фонда развития культуры и искусства Узбекистана, руководителем которого является Гаяна Умерова, была проведена реставрация и консервация исторических объектов, выполнена реновация центральной пешеходной зоны, где появились клумбы и деревья. Так же организаторы акцентируют внимание на том, что было привлечено немало местного населения, работа с которым активно началась задолго до самого открытия.
Действительно, интерес к проекту среди местного населения ощутим. Приток иностранцев и делегаций благоприятно влияет на экономическую ситуацию города, живущего за счет туризма. Однако немногим из них понятно содержание и контекст самих арт-объектов, появившихся в городском пространстве. Несмотря на тексты, объясняющие концепцию, и информационные зоны с модераторами, остаются вопросы. Так или иначе первая интервенция современного искусства такого масштаба все-таки была смягчена тем, что многие художники и ремесленники стали главными создателями объектов и инсталляции. В большинстве работ биеннале, подчеркивается идентичность местной культуры, сформированной традициями различных ремесел.
❤12🔥7👏3