"Девочка с лейкой"
Пьер Огюст Ренуар, 1876
> Вашингтон, Национальная галерея
За свой творческий путь Ренуар немало написал картин, где главная роль отводилась девочкам. Однако данная работа поражает своей непосредственностью и отсутствием какой-либо постоновочности, которая бы, безо всяких сомнений, украла бы эту непосредственность и очарование сиюминутности.
Картина напоминает случайно выполненный фотоснимок – девочка даже не смотрит на зрителя, увлечённо разглядывая что-то вдали, держа в руках леечку, которая почти сливается с её ярким нарядом.
Сегодня невозможно с точностью сказать, что это за героиня. Скорее всего, Ренуар и сам имени её не знал, так как в противном случае указал бы его в названии картины, как он это делал в предыдущих работах. Искусствоведами принято считать, что это случайная девочка, выхваченная внимательным взглядом живописца, возможно, его соседка.
Пьер Огюст Ренуар, 1876
> Вашингтон, Национальная галерея
За свой творческий путь Ренуар немало написал картин, где главная роль отводилась девочкам. Однако данная работа поражает своей непосредственностью и отсутствием какой-либо постоновочности, которая бы, безо всяких сомнений, украла бы эту непосредственность и очарование сиюминутности.
Картина напоминает случайно выполненный фотоснимок – девочка даже не смотрит на зрителя, увлечённо разглядывая что-то вдали, держа в руках леечку, которая почти сливается с её ярким нарядом.
Сегодня невозможно с точностью сказать, что это за героиня. Скорее всего, Ренуар и сам имени её не знал, так как в противном случае указал бы его в названии картины, как он это делал в предыдущих работах. Искусствоведами принято считать, что это случайная девочка, выхваченная внимательным взглядом живописца, возможно, его соседка.
"Вечная память"
Ганс Гофман, 1962
> Нью-Йорк, Метрополитен-музей
Гофман – американский художник немецкого происхождения, представитель абстрактного экспрессионизма.
В картине «Вечная память» Гофман вспоминает о пяти американских художниках, которые умерли в расцвете сил: Артур Карлес, ранний американский кубист, и четыре художника-абстракциониста: Аршил Горки, Франц Клайн, Джексон Поллок и Брэдли Уокер Томлин.
Работы Гофмана, написанные ближе к концу его жизни, являются данью предшествующим десятилетиям абстрактного искусства и включают в себя широкий спектр техник, которые вызывают дух умерших: пятна, капли, затяжные мазки и геометрические формы с плавными краями.
Ганс Гофман, 1962
> Нью-Йорк, Метрополитен-музей
Гофман – американский художник немецкого происхождения, представитель абстрактного экспрессионизма.
В картине «Вечная память» Гофман вспоминает о пяти американских художниках, которые умерли в расцвете сил: Артур Карлес, ранний американский кубист, и четыре художника-абстракциониста: Аршил Горки, Франц Клайн, Джексон Поллок и Брэдли Уокер Томлин.
Работы Гофмана, написанные ближе к концу его жизни, являются данью предшествующим десятилетиям абстрактного искусства и включают в себя широкий спектр техник, которые вызывают дух умерших: пятна, капли, затяжные мазки и геометрические формы с плавными краями.
"Коляска на скачках"
Эдгара Дега, 1872
> Бостон, Музей изящных искусств
Картина Эдгара Дега «Коляска на скачках» была представлена на первой выставке импрессионистов в 1874 году в Париже. Несмотря на относительно небольшие размеры картина достаточно сложная. Пейзажная и жанровая живопись, а также семейный портрет слились в одну композицию.
На фоне небесной лазури и зелени нормандских лугов Дега изобразил сцену досуга высшего общества. Семья близкого друга художника Вальпинсона прибыла на скачки в полном составе. Сидящий на козлах кареты, безупречно одетый глава семейства, кажется, совсем позабыл о забеге и ставках. С нежностью он наклонил голову в сторону своей супруги и младенца, спящего на руках у кормилицы. Заботливая мать бережно укрывает свое дитя кружевным зонтиком от яркого солнца.
Эдгар Дега, как яркий представитель импрессионизма, соединяя цвет и форму, играя на перспективе, отсылает зрителя к мимолетному впечатлению о неповторимом жизненном моменте.
Эдгара Дега, 1872
> Бостон, Музей изящных искусств
Картина Эдгара Дега «Коляска на скачках» была представлена на первой выставке импрессионистов в 1874 году в Париже. Несмотря на относительно небольшие размеры картина достаточно сложная. Пейзажная и жанровая живопись, а также семейный портрет слились в одну композицию.
На фоне небесной лазури и зелени нормандских лугов Дега изобразил сцену досуга высшего общества. Семья близкого друга художника Вальпинсона прибыла на скачки в полном составе. Сидящий на козлах кареты, безупречно одетый глава семейства, кажется, совсем позабыл о забеге и ставках. С нежностью он наклонил голову в сторону своей супруги и младенца, спящего на руках у кормилицы. Заботливая мать бережно укрывает свое дитя кружевным зонтиком от яркого солнца.
Эдгар Дега, как яркий представитель импрессионизма, соединяя цвет и форму, играя на перспективе, отсылает зрителя к мимолетному впечатлению о неповторимом жизненном моменте.
"Сена в Шату"
Пьер Огюст Ренуар, 1871
> Торонто, Художественная галерея Онтарио
Однажды прекрасным апрельским днем знаменитый французский художник Пьер Огюст Ренуар установил мольберт на берегу реки Сены и принялся рисовать одну из своих новых картин. Сделал живописец это, как оказалось, не в самое удачное время: оказавшиеся рядом коммунары приняли Ренуара за вражеского шпиона.
Это событие едва не стало для художника последним: живописца поймали и даже чуть было не утопили в реке. Спас Ренуара его друг – важный чиновник, который признал в нем художника и тем самым дал возможность появиться на свет одному из мировых шедевров.
Пьер Огюст Ренуар, 1871
> Торонто, Художественная галерея Онтарио
Однажды прекрасным апрельским днем знаменитый французский художник Пьер Огюст Ренуар установил мольберт на берегу реки Сены и принялся рисовать одну из своих новых картин. Сделал живописец это, как оказалось, не в самое удачное время: оказавшиеся рядом коммунары приняли Ренуара за вражеского шпиона.
Это событие едва не стало для художника последним: живописца поймали и даже чуть было не утопили в реке. Спас Ренуара его друг – важный чиновник, который признал в нем художника и тем самым дал возможность появиться на свет одному из мировых шедевров.
"Портрет Е.Н.Хрущовой и Е.Н.Хованской"
Дмитрий Левицкий, 1773
> Санкт-Петербург, Русский музей
Галантный век, две воспитанницы Смольного института разыгрывают сценку из комической оперы – скорее всего, из произведения Шарля Симона Фавара «Капризы любви, или Нинетта при дворе» (по документам, княжны были партнершами в этом спектакле).
Одна девочка (Екатерина Хрущова), наряженная в мужскую одежду, изображает влюбленного пастушка по имени Кола. Другая (Екатерина Хованская) одета в обычный наряд пастушки Нинетты, как его понимали тогда на придворной сцене – с парчой и кружевами.
История, как всегда в пьесах подобного жанра, закончится хорошо: герцог не сможет соблазнить невинную девушку, и она найдет любовь со своим пастушком.
Дмитрий Левицкий, 1773
> Санкт-Петербург, Русский музей
Галантный век, две воспитанницы Смольного института разыгрывают сценку из комической оперы – скорее всего, из произведения Шарля Симона Фавара «Капризы любви, или Нинетта при дворе» (по документам, княжны были партнершами в этом спектакле).
Одна девочка (Екатерина Хрущова), наряженная в мужскую одежду, изображает влюбленного пастушка по имени Кола. Другая (Екатерина Хованская) одета в обычный наряд пастушки Нинетты, как его понимали тогда на придворной сцене – с парчой и кружевами.
История, как всегда в пьесах подобного жанра, закончится хорошо: герцог не сможет соблазнить невинную девушку, и она найдет любовь со своим пастушком.
"Смерть тореадора"
Пабло Пикассо, 1933
> Париж, музей Пикассо
Пабло Пикассо часто посещал корриду с самого детства. Ему доводилось наблюдать не только победы, но и полнейшие поражение тореадоров. Художник много раз изображал бои быков в своих работах, но самой популярной стала «Смерть тореадора».
Бык служил для автора олицетворение мужского начала, а лошадь — женского. В этих образах постоянно присутствует вечное столкновение полов, так вещает нам автор.
Тореадор не удачно расположился на рогах огромного быка. Он явно предчувствует свою погибель. Пикассо оставил нам некую загадку — мы видим кусок красной ткани под лицом тореадора, которая растекается по полотну. Если наездник одержит победу, то это будет его победной праздной накидкой. Если же судьба сложится по другому, то мы наблюдаем кровь, покидающую тело тореадора. Исходя из названия картины, более вероятен второй вариант.
Пабло Пикассо, 1933
> Париж, музей Пикассо
Пабло Пикассо часто посещал корриду с самого детства. Ему доводилось наблюдать не только победы, но и полнейшие поражение тореадоров. Художник много раз изображал бои быков в своих работах, но самой популярной стала «Смерть тореадора».
Бык служил для автора олицетворение мужского начала, а лошадь — женского. В этих образах постоянно присутствует вечное столкновение полов, так вещает нам автор.
Тореадор не удачно расположился на рогах огромного быка. Он явно предчувствует свою погибель. Пикассо оставил нам некую загадку — мы видим кусок красной ткани под лицом тореадора, которая растекается по полотну. Если наездник одержит победу, то это будет его победной праздной накидкой. Если же судьба сложится по другому, то мы наблюдаем кровь, покидающую тело тореадора. Исходя из названия картины, более вероятен второй вариант.
"Журавли"
Чжао Цзи, 1082-1135
Чжао Цзи — псевдоним восьмого императора. Как художник он имеет важное значение для истории Китая, а вот как правитель он не особо стал знаменит, так как всё время посвящал изучению различных искусств. Чжао начал рисовать ещё будучи ребёнком и к семнадцати годам стал достаточно известным в сфере искусства. Он был отменным каллиграфистом, живописцем и поэтом.
Линии являются основными в искусстве Цзи, с помощью них он составлял высокохудожественные произведения. Твёрдые, плавные, строгие линии, которые меняются для передачи мельчайших деталей являются фундаментом картины «Журавли».
Журавль — эта птица с давних времен восхищала человека свей выносливостью, красотой и изящностью, а в Китае он является символом долголетия, преданности, чести и бдительности. Более того, считается королём всех существующих птиц на земле. А по китайским мифам журавль сопровождает богов, мудрецов и бессмертных.
Чжао Цзи, 1082-1135
Чжао Цзи — псевдоним восьмого императора. Как художник он имеет важное значение для истории Китая, а вот как правитель он не особо стал знаменит, так как всё время посвящал изучению различных искусств. Чжао начал рисовать ещё будучи ребёнком и к семнадцати годам стал достаточно известным в сфере искусства. Он был отменным каллиграфистом, живописцем и поэтом.
Линии являются основными в искусстве Цзи, с помощью них он составлял высокохудожественные произведения. Твёрдые, плавные, строгие линии, которые меняются для передачи мельчайших деталей являются фундаментом картины «Журавли».
Журавль — эта птица с давних времен восхищала человека свей выносливостью, красотой и изящностью, а в Китае он является символом долголетия, преданности, чести и бдительности. Более того, считается королём всех существующих птиц на земле. А по китайским мифам журавль сопровождает богов, мудрецов и бессмертных.
"Портрет Карла I, короля Англии, в трёх ракурсах"
Антонис ван Дейк, 1635
Среди картин Ван Дейка традиционно обращает на себя внимание «Тройной портрет Карла I». Идея произведения была взята у Лоренцо Лотто, который написал «Портрет мужчины в трех ракурсах».
Но Ван Дейк, конечно, не был плагиатором и не утратил вдохновения: заимствование идеи имело практическое значение, так как по картине Ван Дейка должны были сделать бюст монарха, который не мог находиться при этом лично.
Для изготовления бюста нужен был качественный портрет в нескольких ракурсах. Основная цель художника состояла в наиболее точном изображении головы короля.
На холсте Ван Дейка он изображен утонченным мужчиной с задумчивыми, печальными глазами. С правой стороны можно видеть жемчужную сережку — обычное украшение для знатного мужчины той эпохи. По центру монарх облачен в красное, он придерживает рукой голубую ленту из атласа, на ней висит орден, Малый Георгий. С левого ракурса выделяется палец короля, продетый сквозь ту же ленту.
Антонис ван Дейк, 1635
Среди картин Ван Дейка традиционно обращает на себя внимание «Тройной портрет Карла I». Идея произведения была взята у Лоренцо Лотто, который написал «Портрет мужчины в трех ракурсах».
Но Ван Дейк, конечно, не был плагиатором и не утратил вдохновения: заимствование идеи имело практическое значение, так как по картине Ван Дейка должны были сделать бюст монарха, который не мог находиться при этом лично.
Для изготовления бюста нужен был качественный портрет в нескольких ракурсах. Основная цель художника состояла в наиболее точном изображении головы короля.
На холсте Ван Дейка он изображен утонченным мужчиной с задумчивыми, печальными глазами. С правой стороны можно видеть жемчужную сережку — обычное украшение для знатного мужчины той эпохи. По центру монарх облачен в красное, он придерживает рукой голубую ленту из атласа, на ней висит орден, Малый Георгий. С левого ракурса выделяется палец короля, продетый сквозь ту же ленту.
"Заклинатели змей"
Мариано Фортуни, 1869
> Балтимор, Музей Уолтерса
Работы Мариано Фортуни с восточными мотивами заслуживают особого внимания, так как он очень искусно передавал красками всю красоту и совершенство восточной культуры. Картина «Заклинатели змей», написанная в жанре реализма, отражает жанровую сцену арабской жизнина. После создания этой уникальной работы Мариано Фортуни получил широкую известность.
На ковре изображены фигуры людей, змеи и птица. Мужчины приручают марабу, дрессируют змею. Это древняя профессия пришла из Индии. Змеи их слушаются, а они умело работают с ними, играя на флейте. Вслушиваясь в мелодии, змея качается в такт и засыпает, а заклинатели проделывают с ней разные фокусы.
На картине люди смотрят на змею и дикую птицу, мысленно с ними разговаривая. Мариано Фортуни непревзойдённо передал всю восточную экзотику в её полном совершенстве. Это сделало его знатоком восточной культуры и гениальным живописцем.
Мариано Фортуни, 1869
> Балтимор, Музей Уолтерса
Работы Мариано Фортуни с восточными мотивами заслуживают особого внимания, так как он очень искусно передавал красками всю красоту и совершенство восточной культуры. Картина «Заклинатели змей», написанная в жанре реализма, отражает жанровую сцену арабской жизнина. После создания этой уникальной работы Мариано Фортуни получил широкую известность.
На ковре изображены фигуры людей, змеи и птица. Мужчины приручают марабу, дрессируют змею. Это древняя профессия пришла из Индии. Змеи их слушаются, а они умело работают с ними, играя на флейте. Вслушиваясь в мелодии, змея качается в такт и засыпает, а заклинатели проделывают с ней разные фокусы.
На картине люди смотрят на змею и дикую птицу, мысленно с ними разговаривая. Мариано Фортуни непревзойдённо передал всю восточную экзотику в её полном совершенстве. Это сделало его знатоком восточной культуры и гениальным живописцем.
"Портрет Генриха VIII"
Ганс Гольбейн Младший, 1536-1537
> Мадрид, Музей Тиссен-Борнемисы
Благодаря творчеству замечательного художника мы можем представить себе облик одного из самых одиозных королей Англии. Генрих VIII хорошо известен по своим поступкам как человек, навсегда изменивший вероисповедание в Великобритании из-за своего желания создать династию. Для этого ему требовался сын – наследник престола. Эпопея с многочисленными женитьбами и казнями неугодных жен создали ему репутацию жестокого и непостоянного человека.
На портрете предстает мужчина средних лет с явно избыточным весом. По его внешнему виду можно понять, что когда-то этот рослый и сильный принц считался первым красавцем королевства, но образ жизни сказался на его облике. К тому же травма, полученная во время рыцарского турнира, каким-то образом негативно повлияла на его психику. Придворные говорили, что их короля словно подменили. Он стал нервным, подозрительным, настоящим тираном.
Ганс Гольбейн Младший, 1536-1537
> Мадрид, Музей Тиссен-Борнемисы
Благодаря творчеству замечательного художника мы можем представить себе облик одного из самых одиозных королей Англии. Генрих VIII хорошо известен по своим поступкам как человек, навсегда изменивший вероисповедание в Великобритании из-за своего желания создать династию. Для этого ему требовался сын – наследник престола. Эпопея с многочисленными женитьбами и казнями неугодных жен создали ему репутацию жестокого и непостоянного человека.
На портрете предстает мужчина средних лет с явно избыточным весом. По его внешнему виду можно понять, что когда-то этот рослый и сильный принц считался первым красавцем королевства, но образ жизни сказался на его облике. К тому же травма, полученная во время рыцарского турнира, каким-то образом негативно повлияла на его психику. Придворные говорили, что их короля словно подменили. Он стал нервным, подозрительным, настоящим тираном.
"Бассейн в гареме"
Жан-Леон Жером, 1876
> Санкт-Петербург, Эрмитаж
На картине изображена турецкая баня в гареме. Сквозь маленькие щелочки в потолке проникает солнечный свет. Взоры двух женщин обращены к служке, подающей им кальяны. Одна из них сидит на разноцветном национальном ковре, другая полулежит на ступеньке хамама. На заднем плане возле бассейна виднеется еще несколько женских фигур.
Излюбленная Жеромом тема наготы женских тел противоречила мусульманским традициям. Художник с такой точностью изобразил все составляющие турецкой бани, что невольно возникает мысль, будто он видел это собственными глазами.
Но этого быть никак не могло, потому что гарем ревностно охранялся от посторонних взглядов, тем более европейских мужчин. Гарем был гордостью султана. Он постоянно пополнялся новыми наложницами со всех концов света. И даже при всём уважении к творчеству Жерома ему вряд ли позволили бы писать с натуры в женской бане. Неординарная фантазия художника в очередной раз воссоздала реальный мотив.
Жан-Леон Жером, 1876
> Санкт-Петербург, Эрмитаж
На картине изображена турецкая баня в гареме. Сквозь маленькие щелочки в потолке проникает солнечный свет. Взоры двух женщин обращены к служке, подающей им кальяны. Одна из них сидит на разноцветном национальном ковре, другая полулежит на ступеньке хамама. На заднем плане возле бассейна виднеется еще несколько женских фигур.
Излюбленная Жеромом тема наготы женских тел противоречила мусульманским традициям. Художник с такой точностью изобразил все составляющие турецкой бани, что невольно возникает мысль, будто он видел это собственными глазами.
Но этого быть никак не могло, потому что гарем ревностно охранялся от посторонних взглядов, тем более европейских мужчин. Гарем был гордостью султана. Он постоянно пополнялся новыми наложницами со всех концов света. И даже при всём уважении к творчеству Жерома ему вряд ли позволили бы писать с натуры в женской бане. Неординарная фантазия художника в очередной раз воссоздала реальный мотив.
"Гротесковый портрет старухи (Безобразная герцогиня)"
Квентин Массейс, ок. 1513
> Лондон, Национальная галерея
Массейс – один из крупнейших представителей антверпенской школы живописи. С него обычно начинают историю нидерландского Возрождения. «Гротесковый портрет старухи» всегда привлекал внимание, по-разному интерпретировался. Долгое время картина воспринималась как сатира на старость. В пользу такой трактовки говорит цветок в руке «герцогини», традиционный символ бренности в европейской живописи.
Но возможно и другое объяснение появления этого произведения. Как установили медики, на нем изображена женщина, страдающая болезнью Педжета – редким недугом, характеризующимся аномалией строения костей. Если так, то работа – не карикатура, а раннее свидетельство заболевания, которое было изучено и описано сэром Джеймсом Педжетом лишь в 1877. Картина в данном случае оказывается одновременно и «монументом» (творением искусства), и «документом» (историческим свидетельством в той или иной области).
Квентин Массейс, ок. 1513
> Лондон, Национальная галерея
Массейс – один из крупнейших представителей антверпенской школы живописи. С него обычно начинают историю нидерландского Возрождения. «Гротесковый портрет старухи» всегда привлекал внимание, по-разному интерпретировался. Долгое время картина воспринималась как сатира на старость. В пользу такой трактовки говорит цветок в руке «герцогини», традиционный символ бренности в европейской живописи.
Но возможно и другое объяснение появления этого произведения. Как установили медики, на нем изображена женщина, страдающая болезнью Педжета – редким недугом, характеризующимся аномалией строения костей. Если так, то работа – не карикатура, а раннее свидетельство заболевания, которое было изучено и описано сэром Джеймсом Педжетом лишь в 1877. Картина в данном случае оказывается одновременно и «монументом» (творением искусства), и «документом» (историческим свидетельством в той или иной области).
«Тайная вечеря»
Сальвадор Дали, 1955
> Вашингтон, Национальная галерея
Некоторые из критиков отвергали картину, в то время как другие считали, что художнику удалось на новой основе воссоздать традиционный молитвенный образ. Споры усугублялись тем, что публика знала Дали как человека, склонного скорее к игре понятиями и эмоциями, чем к искреннему выражению своих убеждений.
Иисус и двенадцать его учеников помещены в модернистский интерьер со стеклянными стенами. Апостолы, склонив головы, стоят на коленях вокруг большого каменного стола; их осязаемые фигуры контрастируют с прозрачностью тела Христа. Две половины хлеба и полстакана вина представляют священную трапезу.
Дали создавал эту картину по математическим принципам, основанным на изучении искусства Возрождения, и влияние Леонардо да Винчи. Взятым с фрески Леонардо жестом Иисус указывает на небеса и на фигуру (возможно, Святого Духа), распростертые руки которой как бы обнимают всех присутствующих.
Сальвадор Дали, 1955
> Вашингтон, Национальная галерея
Некоторые из критиков отвергали картину, в то время как другие считали, что художнику удалось на новой основе воссоздать традиционный молитвенный образ. Споры усугублялись тем, что публика знала Дали как человека, склонного скорее к игре понятиями и эмоциями, чем к искреннему выражению своих убеждений.
Иисус и двенадцать его учеников помещены в модернистский интерьер со стеклянными стенами. Апостолы, склонив головы, стоят на коленях вокруг большого каменного стола; их осязаемые фигуры контрастируют с прозрачностью тела Христа. Две половины хлеба и полстакана вина представляют священную трапезу.
Дали создавал эту картину по математическим принципам, основанным на изучении искусства Возрождения, и влияние Леонардо да Винчи. Взятым с фрески Леонардо жестом Иисус указывает на небеса и на фигуру (возможно, Святого Духа), распростертые руки которой как бы обнимают всех присутствующих.
"Окно на даче"
Марк Шагал, 1915
> Москва, Третьяковская галерея
Имя Шагала становится известным после выставки «1915 год» в Москве, где он показал 25 произведений из «Витебской серии». Этот год был знаменателен для судьбы художника.
В июле Белла Розенфельд стала женой Марка Шагала. Молодожены уезжают на дачу Розенфельдов в деревню Заольшье недалеко от родного Витебска. В это счастливое время была написана картина «Окно на даче».
Художник изображает себя и Беллу перед окном, за которым открывается вид на опушку березового леса. Откинутая занавеска как будто приглашает зрителя полюбоваться пейзажем.
Лица Шагала и Беллы, натюрморт у окна расположены так, словно они обрамляют этот пейзаж. Но именно два профиля привлекают взгляд в первую очередь; они расположены между пространством мира, открывающимся за окном, и пространством зрителя.
Художнику удается создать особое пространство двух любящих людей, где царят гармония и покой.
Марк Шагал, 1915
> Москва, Третьяковская галерея
Имя Шагала становится известным после выставки «1915 год» в Москве, где он показал 25 произведений из «Витебской серии». Этот год был знаменателен для судьбы художника.
В июле Белла Розенфельд стала женой Марка Шагала. Молодожены уезжают на дачу Розенфельдов в деревню Заольшье недалеко от родного Витебска. В это счастливое время была написана картина «Окно на даче».
Художник изображает себя и Беллу перед окном, за которым открывается вид на опушку березового леса. Откинутая занавеска как будто приглашает зрителя полюбоваться пейзажем.
Лица Шагала и Беллы, натюрморт у окна расположены так, словно они обрамляют этот пейзаж. Но именно два профиля привлекают взгляд в первую очередь; они расположены между пространством мира, открывающимся за окном, и пространством зрителя.
Художнику удается создать особое пространство двух любящих людей, где царят гармония и покой.
"Композиция VII"
Василий Кандинский, 1913
> Москва, Третьяковская галерея
"Композиция VII" является одним из центральных произведений первой половины 1910-х годов.
Существует более трех десятков эскизов этюдов и эскизов к "Композиции VII". Тщательная проработка пластического решения картины в эскизах и этюдах способствовала тому, что процесс написания большого полотна занял буквально несколько дней - с 25 по 28 ноября 1913 года.
Большой размер произведения предполагает своеобразное "погружение" внутрь полотна, некий эффект присутствия и сопричастности происходящему в картине. Художник приглашает не просто созерцать картину, но приобщиться к творческому процессу создания произведения.
Направление движения фиксируется цветовыми акцентами синего ("элемент покоя") и красного ("ощущение силы") цветов, а объединяющим и гармонизирующим началом является белый цвет, разработанный с множеством оттенков, на котором развивается все построение картины.
Василий Кандинский, 1913
> Москва, Третьяковская галерея
"Композиция VII" является одним из центральных произведений первой половины 1910-х годов.
Существует более трех десятков эскизов этюдов и эскизов к "Композиции VII". Тщательная проработка пластического решения картины в эскизах и этюдах способствовала тому, что процесс написания большого полотна занял буквально несколько дней - с 25 по 28 ноября 1913 года.
Большой размер произведения предполагает своеобразное "погружение" внутрь полотна, некий эффект присутствия и сопричастности происходящему в картине. Художник приглашает не просто созерцать картину, но приобщиться к творческому процессу создания произведения.
Направление движения фиксируется цветовыми акцентами синего ("элемент покоя") и красного ("ощущение силы") цветов, а объединяющим и гармонизирующим началом является белый цвет, разработанный с множеством оттенков, на котором развивается все построение картины.
"Заросший пруд"
Василий Поленов, 1879
> Москва, Третьяковская галерея
Полотно не поражает нас буйством и разнообразием красок, будоражащих чувства. Наоборот, картина наполнена светом, покоем и умиротворением.
Перед нами обыкновенный пруд, затерянный в тени вековых деревьев. Таких уголков много на территории нашей страны. Это нечто близкое и родное для каждого русского человека. Поэтому картина Поленова так и притягивает, возле нее отдыхаешь душой.
Картина буквально утопает в зелени. Темно-зеленые кроны деревьев создают густую тень и дарят ощущение прохлады. Эта же зелень отражается в спокойной и неподвижной, словно зеркало, глади пруда.
Василий Поленов, 1879
> Москва, Третьяковская галерея
Полотно не поражает нас буйством и разнообразием красок, будоражащих чувства. Наоборот, картина наполнена светом, покоем и умиротворением.
Перед нами обыкновенный пруд, затерянный в тени вековых деревьев. Таких уголков много на территории нашей страны. Это нечто близкое и родное для каждого русского человека. Поэтому картина Поленова так и притягивает, возле нее отдыхаешь душой.
Картина буквально утопает в зелени. Темно-зеленые кроны деревьев создают густую тень и дарят ощущение прохлады. Эта же зелень отражается в спокойной и неподвижной, словно зеркало, глади пруда.
"Портрет Сергея Павловича Дягилева с няней"
Лев Бакст, 1905
> Санкт-Петербург, Русский музей
Портрет Дягилева работы Бакста считается одним из лучших изображений знаменитого антрепренера. Но дался он художнику непросто. «…Сегодня отвратительно позировал, ломался и так приставал, чтобы я сделал его красивее и тоньше, что я чуть не пустил в него кистями!», – жаловался на свою «модель» Бакст в письме к жене. Капризного Дягилева Бакст писал два года, что для него исключительный случай. Обычно над портретами он работал стремительно.
Бакст проявил себя тонким физиономистом. Дягилев в его исполнении импозантен, энергичен, самоуверен, артистичен, красив. Бросается в глаза седой клок волос, придающий всему облику дополнительный шарм и аристократизм. По всей вероятности, изначально Бакст не планировал писать Дягилева «на фоне няни». Возможно, ее фигура была добавлена в качестве уравновешивающего противовеса.
Лев Бакст, 1905
> Санкт-Петербург, Русский музей
Портрет Дягилева работы Бакста считается одним из лучших изображений знаменитого антрепренера. Но дался он художнику непросто. «…Сегодня отвратительно позировал, ломался и так приставал, чтобы я сделал его красивее и тоньше, что я чуть не пустил в него кистями!», – жаловался на свою «модель» Бакст в письме к жене. Капризного Дягилева Бакст писал два года, что для него исключительный случай. Обычно над портретами он работал стремительно.
Бакст проявил себя тонким физиономистом. Дягилев в его исполнении импозантен, энергичен, самоуверен, артистичен, красив. Бросается в глаза седой клок волос, придающий всему облику дополнительный шарм и аристократизм. По всей вероятности, изначально Бакст не планировал писать Дягилева «на фоне няни». Возможно, ее фигура была добавлена в качестве уравновешивающего противовеса.
"Лунная ночь на Днепре"
Архип Куинджи, 1880
> Санкт-Петербург, Русский музей
В 1880 году в Санкт-Петербурге состоялась выставка одной картины – "Лунная ночь на Днепре". Произведение имело небывалый успех. Сияние лунного света было настолько фантастическим, что художника подозревали в использовании каких-то необычных японских красок, обвиняли в связях с нечистой силой или пытались отыскать с обратной стороны полотна спрятанные лампы.
Конечно, весь секрет заключался в умелом построении композиции и сочетании красок, которое создавало эффект сияния и иллюзию мерцающего света. Куинджи на самом деле много лет работал над созданием новых красочных пигментов и грунтовок.
Художник продал картину Великому князю Константину Константиновичу, который взял ее с собой в кругосветное путешествие. Под действием морского воздуха состав красок изменился, что привело к потемнению пейзажа.
О творчестве знаменитого пейзажиста Архипа Куинджи говорили, что его картины на выставках затмевают все остальное.
Архип Куинджи, 1880
> Санкт-Петербург, Русский музей
В 1880 году в Санкт-Петербурге состоялась выставка одной картины – "Лунная ночь на Днепре". Произведение имело небывалый успех. Сияние лунного света было настолько фантастическим, что художника подозревали в использовании каких-то необычных японских красок, обвиняли в связях с нечистой силой или пытались отыскать с обратной стороны полотна спрятанные лампы.
Конечно, весь секрет заключался в умелом построении композиции и сочетании красок, которое создавало эффект сияния и иллюзию мерцающего света. Куинджи на самом деле много лет работал над созданием новых красочных пигментов и грунтовок.
Художник продал картину Великому князю Константину Константиновичу, который взял ее с собой в кругосветное путешествие. Под действием морского воздуха состав красок изменился, что привело к потемнению пейзажа.
О творчестве знаменитого пейзажиста Архипа Куинджи говорили, что его картины на выставках затмевают все остальное.
#викторина
Выберите название известной работы Пикассо
Выберите название известной работы Пикассо
Anonymous Quiz
18%
Марсельские девицы
17%
Лионские девицы
65%
Авиньонские девицы
"За лесом и озерами"
Отто Хессельбом, 1908
> Стокгольм, Национальный музей
Швед Отто Хессельбом перед тем, как заняться живописью, работал разносчиком книг и переписчиком в музее. В период с 1888 по 1895 он учился в Королевской академии изящных искусств у пейзажиста П. Хольма и в этом жанре дебютировал в 1897. Впоследствии он также создавал портреты.
Хессельбом любил писать виды с озерами, лесистыми холмами, открытыми широкими пространствами. В представленном произведении «За лесом и озерами» художник воплотил все эти мотивы.
Он изобразил огромное пространство с рекой на первом плане и несколькими небольшими озерами, чередой уходящими к горизонту. Но край не безжизнен – на ближнем к зрителю, высоком, берегу реки стоят несколько домиков, а по ее руслу плывут корабли.
Мягкий гармоничный колорит, построенный на сочетании голубого, зеленого и белого цветов, создает атмосферу спокойствия и вдохновения.
Отто Хессельбом, 1908
> Стокгольм, Национальный музей
Швед Отто Хессельбом перед тем, как заняться живописью, работал разносчиком книг и переписчиком в музее. В период с 1888 по 1895 он учился в Королевской академии изящных искусств у пейзажиста П. Хольма и в этом жанре дебютировал в 1897. Впоследствии он также создавал портреты.
Хессельбом любил писать виды с озерами, лесистыми холмами, открытыми широкими пространствами. В представленном произведении «За лесом и озерами» художник воплотил все эти мотивы.
Он изобразил огромное пространство с рекой на первом плане и несколькими небольшими озерами, чередой уходящими к горизонту. Но край не безжизнен – на ближнем к зрителю, высоком, берегу реки стоят несколько домиков, а по ее руслу плывут корабли.
Мягкий гармоничный колорит, построенный на сочетании голубого, зеленого и белого цветов, создает атмосферу спокойствия и вдохновения.