BAUHAUS
1919 - 1933
Staatliches Bauhaus, comúnmente conocida como Bauhaus, era una escuela de arte en Alemania que combinaba artesanía y bellas artes; era famosa por el enfoque del diseño que daba a conocer y enseñaba. Funcionó de 1919 a 1933. En esa época, el término alemán acerca de este sonido "bauhaus" -literalmente "casa de construcción"- se entendía como "Escuela de construcción".
La Bauhaus fue fundada por Walter Gropius en Weimar. A pesar de su nombre y de que su fundador era arquitecto, la Bauhaus, durante los primeros años de existencia no contaba con un departamento de arquitectura. Sin embargo, fue fundada con la idea de crear una obra de arte "total" (Gesamtkunstwerk) en la que todas las artes, incluyendo la arquitectura, se reunieran. El estilo de la Bauhaus se convirtió más tarde en una de las corrientes más influyentes en el diseño moderno, la arquitectura modernista y el arte, el diseño y la educación arquitectónica. La Bauhaus tuvo una profunda influencia en los desarrollos posteriores en arte, arquitectura, diseño gráfico, diseño de interiores, diseño industrial y tipografía.
La escuela existía en tres ciudades alemanas: Weimar de 1919 a 1925, Dessau de 1925 a 1932 y Berlín de 1932 a 1933, bajo la dirección de tres arquitectos diferentes: Walter Gropius de 1919 a 1928, Hannes Meyer de 1928 a 1930 y Ludwig Mies van der Rohe de 1930 a 1933, cuando la escuela fue cerrada por su propia dirección bajo la presión del régimen nazi, habiendo sido pintada como centro del intelectualismo comunista. Aunque la escuela estaba cerrada, el personal continuó difundiendo sus preceptos idealistas al salir de Alemania y emigrar por todo el mundo.
Los cambios de lugar y liderazgo resultaron en un cambio constante de enfoque, técnica, instructores y política. Por ejemplo, el taller de cerámica se interrumpió cuando la escuela se trasladó de Weimar a Dessau a pesar de que había sido una importante fuente de ingresos; cuando Mies van der Rohe se hizo cargo de la escuela en 1930, la transformó en una escuela privada, y no permitió que ningún partidario de Hannes Meyer asistiera a ella.
1919 - 1933
Staatliches Bauhaus, comúnmente conocida como Bauhaus, era una escuela de arte en Alemania que combinaba artesanía y bellas artes; era famosa por el enfoque del diseño que daba a conocer y enseñaba. Funcionó de 1919 a 1933. En esa época, el término alemán acerca de este sonido "bauhaus" -literalmente "casa de construcción"- se entendía como "Escuela de construcción".
La Bauhaus fue fundada por Walter Gropius en Weimar. A pesar de su nombre y de que su fundador era arquitecto, la Bauhaus, durante los primeros años de existencia no contaba con un departamento de arquitectura. Sin embargo, fue fundada con la idea de crear una obra de arte "total" (Gesamtkunstwerk) en la que todas las artes, incluyendo la arquitectura, se reunieran. El estilo de la Bauhaus se convirtió más tarde en una de las corrientes más influyentes en el diseño moderno, la arquitectura modernista y el arte, el diseño y la educación arquitectónica. La Bauhaus tuvo una profunda influencia en los desarrollos posteriores en arte, arquitectura, diseño gráfico, diseño de interiores, diseño industrial y tipografía.
La escuela existía en tres ciudades alemanas: Weimar de 1919 a 1925, Dessau de 1925 a 1932 y Berlín de 1932 a 1933, bajo la dirección de tres arquitectos diferentes: Walter Gropius de 1919 a 1928, Hannes Meyer de 1928 a 1930 y Ludwig Mies van der Rohe de 1930 a 1933, cuando la escuela fue cerrada por su propia dirección bajo la presión del régimen nazi, habiendo sido pintada como centro del intelectualismo comunista. Aunque la escuela estaba cerrada, el personal continuó difundiendo sus preceptos idealistas al salir de Alemania y emigrar por todo el mundo.
Los cambios de lugar y liderazgo resultaron en un cambio constante de enfoque, técnica, instructores y política. Por ejemplo, el taller de cerámica se interrumpió cuando la escuela se trasladó de Weimar a Dessau a pesar de que había sido una importante fuente de ingresos; cuando Mies van der Rohe se hizo cargo de la escuela en 1930, la transformó en una escuela privada, y no permitió que ningún partidario de Hannes Meyer asistiera a ella.
SURREALISMO
Primera mitad del siglo XX
El surrealismo es un movimiento cultural que comenzó a principios de la década de 1920 y es más conocido por sus obras de arte visual y sus escritos. El objetivo era "resolver las condiciones previamente contradictorias del sueño y la realidad". Los artistas pintaban escenas desconcertantes e ilógicas con precisión fotográfica, creaban extrañas criaturas a partir de objetos cotidianos y desarrollaban técnicas de pintura que permitían que el inconsciente se expresara.
Las obras surrealistas presentan el elemento sorpresa, yuxtaposiciones inesperadas y non sequitur; sin embargo, muchos artistas y escritores surrealistas consideran su obra como una expresión del movimiento filosófico en primer lugar, siendo las obras un artefacto. El líder André Breton fue explícito en su afirmación de que el surrealismo era ante todo, un movimiento revolucionario.
El surrealismo se desarrolló a partir de las actividades del Dadaísmo durante la Primera Guerra Mundial; el centro más importante del movimiento fue París. A partir de la década de 1920, el movimiento se extendió por todo el mundo, afectando finalmente las artes visuales, la literatura, el cine y la música de muchos países e idiomas, así como el pensamiento y la práctica política, la filosofía y la teoría social.
Primera mitad del siglo XX
El surrealismo es un movimiento cultural que comenzó a principios de la década de 1920 y es más conocido por sus obras de arte visual y sus escritos. El objetivo era "resolver las condiciones previamente contradictorias del sueño y la realidad". Los artistas pintaban escenas desconcertantes e ilógicas con precisión fotográfica, creaban extrañas criaturas a partir de objetos cotidianos y desarrollaban técnicas de pintura que permitían que el inconsciente se expresara.
Las obras surrealistas presentan el elemento sorpresa, yuxtaposiciones inesperadas y non sequitur; sin embargo, muchos artistas y escritores surrealistas consideran su obra como una expresión del movimiento filosófico en primer lugar, siendo las obras un artefacto. El líder André Breton fue explícito en su afirmación de que el surrealismo era ante todo, un movimiento revolucionario.
El surrealismo se desarrolló a partir de las actividades del Dadaísmo durante la Primera Guerra Mundial; el centro más importante del movimiento fue París. A partir de la década de 1920, el movimiento se extendió por todo el mundo, afectando finalmente las artes visuales, la literatura, el cine y la música de muchos países e idiomas, así como el pensamiento y la práctica política, la filosofía y la teoría social.
PINTURA METAFISICA
1911 - 1920
El arte metafísico (del italiano: Pittura metafisica) fue un estilo de pintura que floreció principalmente entre 1911 y 1920 en las obras de los artistas italianos Giorgio de Chirico y Carlo Carrà. El movimiento comenzó con de Chirico, cuyas obras oníricas, con agudos contrastes de luz y sombra, tenían a menudo una cualidad vagamente amenazadora y misteriosa: "pintar lo que no se puede ver". De Chirico, su hermano menor Alberto Savinio y Carrà fundaron formalmente la escuela y sus principios en 1917.
1911 - 1920
El arte metafísico (del italiano: Pittura metafisica) fue un estilo de pintura que floreció principalmente entre 1911 y 1920 en las obras de los artistas italianos Giorgio de Chirico y Carlo Carrà. El movimiento comenzó con de Chirico, cuyas obras oníricas, con agudos contrastes de luz y sombra, tenían a menudo una cualidad vagamente amenazadora y misteriosa: "pintar lo que no se puede ver". De Chirico, su hermano menor Alberto Savinio y Carrà fundaron formalmente la escuela y sus principios en 1917.
ART DECO
1925 - 1939
El Art Deco, también conocido como art deco, es un estilo de artes visuales, arquitectura y diseño que apareció por primera vez en Francia justo antes de la Primera Guerra Mundial. El Art Deco influyó en el diseño de edificios, muebles, joyas, moda, autos, cines, trenes, transatlánticos y objetos cotidianos como radios y aspiradoras. Su nombre, abreviatura de Arts Décoratifs, proviene de la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas celebrada en París en 1925. Combinaba estilos modernistas con una fina artesanía y ricos materiales. Durante su apogeo, el Art Deco representó lujo, glamour, exuberancia y fe en el progreso social y tecnológico.
El Art Deco fue un pastiche de muchos estilos diferentes a veces contradictorios, unidos por el deseo de ser moderno. Desde el principio, el Art Deco estuvo influenciado por las formas geométricas audaces del cubismo; los colores brillantes del fauvismo y de los ballets rusos; la artesanía actualizada de los muebles de las eras de Luis Felipe y Luis XVI; y los estilos exóticos de China y Japón, India, Persia, el antiguo Egipto y el arte maya. Presentaba materiales extraños y costosos como el ébano y el marfil, y una exquisita artesanía. El edificio Chrysler y otros rascacielos de Nueva York construidos durante las décadas de 1920 y 1930 son monumentos del estilo Art Deco.
En la década de 1930, durante la Gran Depresión, el estilo Art Decó se volvió más tenue. Llegaron nuevos materiales como el cromado, el acero inoxidable y el plástico. Una forma más elegante del estilo, llamada Streamline Moderne, apareció en la década de 1930; presentaba formas curvas y superficies lisas y pulidas. El Art Deco es uno de los primeros estilos verdaderamente internacionales, pero su dominio terminó con el comienzo de la Segunda Guerra Mundial y el surgimiento de los estilos estrictamente funcionales y sin adornos del modernismo y el estilo internacional de la arquitectura que le siguió.
1925 - 1939
El Art Deco, también conocido como art deco, es un estilo de artes visuales, arquitectura y diseño que apareció por primera vez en Francia justo antes de la Primera Guerra Mundial. El Art Deco influyó en el diseño de edificios, muebles, joyas, moda, autos, cines, trenes, transatlánticos y objetos cotidianos como radios y aspiradoras. Su nombre, abreviatura de Arts Décoratifs, proviene de la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas celebrada en París en 1925. Combinaba estilos modernistas con una fina artesanía y ricos materiales. Durante su apogeo, el Art Deco representó lujo, glamour, exuberancia y fe en el progreso social y tecnológico.
El Art Deco fue un pastiche de muchos estilos diferentes a veces contradictorios, unidos por el deseo de ser moderno. Desde el principio, el Art Deco estuvo influenciado por las formas geométricas audaces del cubismo; los colores brillantes del fauvismo y de los ballets rusos; la artesanía actualizada de los muebles de las eras de Luis Felipe y Luis XVI; y los estilos exóticos de China y Japón, India, Persia, el antiguo Egipto y el arte maya. Presentaba materiales extraños y costosos como el ébano y el marfil, y una exquisita artesanía. El edificio Chrysler y otros rascacielos de Nueva York construidos durante las décadas de 1920 y 1930 son monumentos del estilo Art Deco.
En la década de 1930, durante la Gran Depresión, el estilo Art Decó se volvió más tenue. Llegaron nuevos materiales como el cromado, el acero inoxidable y el plástico. Una forma más elegante del estilo, llamada Streamline Moderne, apareció en la década de 1930; presentaba formas curvas y superficies lisas y pulidas. El Art Deco es uno de los primeros estilos verdaderamente internacionales, pero su dominio terminó con el comienzo de la Segunda Guerra Mundial y el surgimiento de los estilos estrictamente funcionales y sin adornos del modernismo y el estilo internacional de la arquitectura que le siguió.
ORFISMO
1912-1913
El Orfismo o cubismo órfico es el nombre dado en 1912 por el poeta Guillaume Apollinaire, fue una rama del cubismo que se centró en la abstracción pura y los colores brillantes, influenciados por el fauvismo, los escritos teóricos de Paul Signac, Charles Henry y el químico de tintes Eugène Chevreul. Este movimiento, percibido como clave en la transición del Cubismo al Arte Abstracto, fue pionero de Franti?ek Kupka, Robert Delaunay y Sonia Delaunay, quienes relanzaron el uso del color durante la fase monocromática del Cubismo. El significado del término Orfismo fue difícil de entender cuando apareció por primera vez y hasta cierto punto sigue siendo vago.
Los orfistas estaban arraigados en el cubismo pero se movieron hacia una abstracción lírica pura, viendo la pintura como la unión de una sensación de colores puros. Más centrado por la expresión y el significado de la sensación, este movimiento comenzó con temas reconocibles pero fue rápidamente absorbido por estructuras cada vez más abstractas. El orfismo tenía como objetivo prescindir de temas reconocibles y confiar en la forma y el color para comunicar el significado. El movimiento también pretendía expresar los ideales del Simultaneísmo: la existencia de una infinitud de estados de ser interrelacionados.
1912-1913
El Orfismo o cubismo órfico es el nombre dado en 1912 por el poeta Guillaume Apollinaire, fue una rama del cubismo que se centró en la abstracción pura y los colores brillantes, influenciados por el fauvismo, los escritos teóricos de Paul Signac, Charles Henry y el químico de tintes Eugène Chevreul. Este movimiento, percibido como clave en la transición del Cubismo al Arte Abstracto, fue pionero de Franti?ek Kupka, Robert Delaunay y Sonia Delaunay, quienes relanzaron el uso del color durante la fase monocromática del Cubismo. El significado del término Orfismo fue difícil de entender cuando apareció por primera vez y hasta cierto punto sigue siendo vago.
Los orfistas estaban arraigados en el cubismo pero se movieron hacia una abstracción lírica pura, viendo la pintura como la unión de una sensación de colores puros. Más centrado por la expresión y el significado de la sensación, este movimiento comenzó con temas reconocibles pero fue rápidamente absorbido por estructuras cada vez más abstractas. El orfismo tenía como objetivo prescindir de temas reconocibles y confiar en la forma y el color para comunicar el significado. El movimiento también pretendía expresar los ideales del Simultaneísmo: la existencia de una infinitud de estados de ser interrelacionados.
FAUVISMO
Principios del siglo XX
El fauvismo es el estilo de les Fauves (en francés, "las bestias salvajes"), un grupo de artistas modernos de principios del siglo XX cuyas obras enfatizan las cualidades pictóricas y el color fuerte por encima de los valores representacionales o realistas conservados por el impresionismo. Mientras que el fauvismo como estilo comenzó alrededor de 1900 y continuó más allá de 1910, el movimiento como tal duró sólo unos pocos años (1904-1908) y tuvo tres exposiciones. Los líderes del movimiento fueron Henri Matisse y André Derain.
Además de Matisse y Derain, otros artistas fueron Albert Marquet, Charles Camoin, Louis Valtat, el pintor belga Henri Evenepoel, Maurice Marinot, Karl Pärsimägi, Jean Puy, Maurice de Vlaminck, Henri Manguin, Raoul Dufy, Othon Friesz, Georges Rouault, Jean Metzinger, el pintor holandés Kees van Dongen y Georges Braque (posteriormente socio de Picasso en el Cubismo).
Las pinturas de los Fauves se caracterizaban por un trabajo de pincelada aparentemente salvaje y colores estridentes, mientras que su temática se caracterizaba por un alto grado de simplificación y abstracción. El fauvismo puede clasificarse como un desarrollo extremo del Postimpresionismo de Van Gogh fusionado con el puntillismo de Seurat y otros pintores neoimpresionistas, en particular Paul Signac. Otras influencias clave fueron Paul Cézanne y Paul Gauguin, cuyo empleo de áreas de color saturado (sobre todo en pinturas de Tahití) influyó fuertemente en la obra de Derain en Collioure en 1905. En 1888 Gauguin le había dicho a Paul Sérusier: "¿Cómo ves estos árboles? Son amarillos. Entonces, ponlos en amarillo; esta sombra, preferiblemente azul, píntala con ultramarino puro; ¿estas hojas rojas? Ponlas en bermellón".
El fauvismo también puede ser visto como una forma de expresionismo.
Principios del siglo XX
El fauvismo es el estilo de les Fauves (en francés, "las bestias salvajes"), un grupo de artistas modernos de principios del siglo XX cuyas obras enfatizan las cualidades pictóricas y el color fuerte por encima de los valores representacionales o realistas conservados por el impresionismo. Mientras que el fauvismo como estilo comenzó alrededor de 1900 y continuó más allá de 1910, el movimiento como tal duró sólo unos pocos años (1904-1908) y tuvo tres exposiciones. Los líderes del movimiento fueron Henri Matisse y André Derain.
Además de Matisse y Derain, otros artistas fueron Albert Marquet, Charles Camoin, Louis Valtat, el pintor belga Henri Evenepoel, Maurice Marinot, Karl Pärsimägi, Jean Puy, Maurice de Vlaminck, Henri Manguin, Raoul Dufy, Othon Friesz, Georges Rouault, Jean Metzinger, el pintor holandés Kees van Dongen y Georges Braque (posteriormente socio de Picasso en el Cubismo).
Las pinturas de los Fauves se caracterizaban por un trabajo de pincelada aparentemente salvaje y colores estridentes, mientras que su temática se caracterizaba por un alto grado de simplificación y abstracción. El fauvismo puede clasificarse como un desarrollo extremo del Postimpresionismo de Van Gogh fusionado con el puntillismo de Seurat y otros pintores neoimpresionistas, en particular Paul Signac. Otras influencias clave fueron Paul Cézanne y Paul Gauguin, cuyo empleo de áreas de color saturado (sobre todo en pinturas de Tahití) influyó fuertemente en la obra de Derain en Collioure en 1905. En 1888 Gauguin le había dicho a Paul Sérusier: "¿Cómo ves estos árboles? Son amarillos. Entonces, ponlos en amarillo; esta sombra, preferiblemente azul, píntala con ultramarino puro; ¿estas hojas rojas? Ponlas en bermellón".
El fauvismo también puede ser visto como una forma de expresionismo.
PRERRENACIMIENTO
1300 - 1400
Primer Renacimiento, Renacimiento primitivo, Protorrenacimiento, Prerrenacimiento, Renacimiento temprano o Renacimiento inicial son términos equívocos, aunque muy utilizados en la historiografía del arte y otros ámbitos de la historia de la cultura;1? y pueden designar tanto al primer periodo del Renacimiento o Quattrocento (años mil cuatrocientos en idioma italiano, es decir, al siglo XV), como a otros periodos que pueden calificarse de precursores del Renacimiento o Prerrenacimiento, tanto en Italia como en otros lugares, y tanto en siglos cercanos (el siglo XIII -Duecento- o el siglo XIV -Trecento-) como en momentos más alejados, particularmente el Renacimiento carolingio (siglo VIII - siglo IX) o el denominado Renacimiento del siglo XII.
La utilización del término primer Renacimiento no suele hacerse en oposición a un segundo Renacimiento, sino a otros términos como Alto Renacimiento (periodo de finales del siglo XV y comienzos del siglo XVI -Cinquecento-) o Renacimiento tardío (mediados y finales del siglo XVI). El uso del término Bajo Renacimiento es más equívoco.
1300 - 1400
Primer Renacimiento, Renacimiento primitivo, Protorrenacimiento, Prerrenacimiento, Renacimiento temprano o Renacimiento inicial son términos equívocos, aunque muy utilizados en la historiografía del arte y otros ámbitos de la historia de la cultura;1? y pueden designar tanto al primer periodo del Renacimiento o Quattrocento (años mil cuatrocientos en idioma italiano, es decir, al siglo XV), como a otros periodos que pueden calificarse de precursores del Renacimiento o Prerrenacimiento, tanto en Italia como en otros lugares, y tanto en siglos cercanos (el siglo XIII -Duecento- o el siglo XIV -Trecento-) como en momentos más alejados, particularmente el Renacimiento carolingio (siglo VIII - siglo IX) o el denominado Renacimiento del siglo XII.
La utilización del término primer Renacimiento no suele hacerse en oposición a un segundo Renacimiento, sino a otros términos como Alto Renacimiento (periodo de finales del siglo XV y comienzos del siglo XVI -Cinquecento-) o Renacimiento tardío (mediados y finales del siglo XVI). El uso del término Bajo Renacimiento es más equívoco.
DADAISMO
1916 - 1923
El Dadaísmo o Dada , fue un movimiento artístico de la vanguardia europea de principios del siglo XX. Dada en Zurich, Suiza, comenzó en 1916 en el Cabaret Voltaire, extendiéndose a Berlín poco después, pero el apogeo del dadaísmo en Nueva York fue el año anterior, en 1915. El término antiarte, precursor del Dada, fue acuñado por Marcel Duchamp hacia 1913 cuando creó sus primeros arte encontrado o ready-made. Dada, además de ser antibélico, tenía afinidades políticas con la izquierda radical y también era antiburguesa.
Las actividades de Dada incluían reuniones públicas, demostraciones y la publicación de revistas de arte/literarias; la cobertura apasionada del arte, la política y la cultura eran temas que a menudo se discutían en una variedad de medios de comunicación. Entre las figuras clave del movimiento se encuentran Hugo Ball, Emmy Hennings, Hans Arp, Raoul Hausmann, Hannah Höch, Johannes Baader, Tristan Tzara, Francis Picabia, Richard Huelsenbeck, George Grosz, John Heartfield, Marcel Duchamp, Man Ray, Beatrice Wood, Kurt Schwitters, Hans Richter y Max Ernst, entre otros. El movimiento influyó en estilos posteriores como las vanguardias y los movimientos musicales del centro de la ciudad, y en grupos como el surrealismo, el Nouveau Réalisme, el pop art y Fluxus.
1916 - 1923
El Dadaísmo o Dada , fue un movimiento artístico de la vanguardia europea de principios del siglo XX. Dada en Zurich, Suiza, comenzó en 1916 en el Cabaret Voltaire, extendiéndose a Berlín poco después, pero el apogeo del dadaísmo en Nueva York fue el año anterior, en 1915. El término antiarte, precursor del Dada, fue acuñado por Marcel Duchamp hacia 1913 cuando creó sus primeros arte encontrado o ready-made. Dada, además de ser antibélico, tenía afinidades políticas con la izquierda radical y también era antiburguesa.
Las actividades de Dada incluían reuniones públicas, demostraciones y la publicación de revistas de arte/literarias; la cobertura apasionada del arte, la política y la cultura eran temas que a menudo se discutían en una variedad de medios de comunicación. Entre las figuras clave del movimiento se encuentran Hugo Ball, Emmy Hennings, Hans Arp, Raoul Hausmann, Hannah Höch, Johannes Baader, Tristan Tzara, Francis Picabia, Richard Huelsenbeck, George Grosz, John Heartfield, Marcel Duchamp, Man Ray, Beatrice Wood, Kurt Schwitters, Hans Richter y Max Ernst, entre otros. El movimiento influyó en estilos posteriores como las vanguardias y los movimientos musicales del centro de la ciudad, y en grupos como el surrealismo, el Nouveau Réalisme, el pop art y Fluxus.
ARTE POP
1950 - 1960
El arte pop es un movimiento artístico que surgió a mediados de la década de 1950 en Gran Bretaña y a finales de la década de 1950 en Estados Unidos. Entre los primeros artistas que dieron forma al movimiento de arte pop se encontraban Eduardo Paolozzi y Richard Hamilton en Gran Bretaña,y Robert Rauschenberg y Jasper Johns en Estados Unidos. El arte pop presentó un desafío a las tradiciones del arte al incluir imágenes de la cultura popular como la publicidad y las noticias. En el arte pop, el material es a veces visualmente removido de su contexto conocido, aislado, y/o combinado con material no relacionado.
El arte pop emplea aspectos de la cultura de masas, como la publicidad, los cómics y los objetos culturales mundanos. Uno de sus objetivos es utilizar imágenes de la cultura popular (en contraposición a la elitista) en el arte, enfatizando los elementos banales o kitsch de cualquier cultura, más a menudo a través del uso de la ironía. También se asocia con el uso por parte de los artistas de medios mecánicos de reproducción o técnicas de representación.
El arte pop se interpreta ampliamente como una reacción a las entonces dominantes ideas del expresionismo abstracto, así como una expansión de esas ideas. Debido a su utilización de objetos e imágenes encontradas, es similar al Dadaísmo. El arte pop y el minimalismo son considerados como movimientos artísticos que preceden al arte postmoderno, o como algunos de los primeros ejemplos del arte postmoderno en sí mismo.
El arte pop a menudo toma imágenes que se utilizan actualmente en la publicidad. El etiquetado y los logotipos de los productos ocupan un lugar destacado en las imágenes elegidas por los artistas del pop, vistas en las etiquetas de Latas de sopa Campbell, de Andy Warhol. Incluso el etiquetado en el exterior de una caja de envío que contiene alimentos para la venta al por menor se ha utilizado como tema en el arte pop, como lo demuestra La Caja de Zumo de Tomate Campbell's de Warhol, 1964.
1950 - 1960
El arte pop es un movimiento artístico que surgió a mediados de la década de 1950 en Gran Bretaña y a finales de la década de 1950 en Estados Unidos. Entre los primeros artistas que dieron forma al movimiento de arte pop se encontraban Eduardo Paolozzi y Richard Hamilton en Gran Bretaña,y Robert Rauschenberg y Jasper Johns en Estados Unidos. El arte pop presentó un desafío a las tradiciones del arte al incluir imágenes de la cultura popular como la publicidad y las noticias. En el arte pop, el material es a veces visualmente removido de su contexto conocido, aislado, y/o combinado con material no relacionado.
El arte pop emplea aspectos de la cultura de masas, como la publicidad, los cómics y los objetos culturales mundanos. Uno de sus objetivos es utilizar imágenes de la cultura popular (en contraposición a la elitista) en el arte, enfatizando los elementos banales o kitsch de cualquier cultura, más a menudo a través del uso de la ironía. También se asocia con el uso por parte de los artistas de medios mecánicos de reproducción o técnicas de representación.
El arte pop se interpreta ampliamente como una reacción a las entonces dominantes ideas del expresionismo abstracto, así como una expansión de esas ideas. Debido a su utilización de objetos e imágenes encontradas, es similar al Dadaísmo. El arte pop y el minimalismo son considerados como movimientos artísticos que preceden al arte postmoderno, o como algunos de los primeros ejemplos del arte postmoderno en sí mismo.
El arte pop a menudo toma imágenes que se utilizan actualmente en la publicidad. El etiquetado y los logotipos de los productos ocupan un lugar destacado en las imágenes elegidas por los artistas del pop, vistas en las etiquetas de Latas de sopa Campbell, de Andy Warhol. Incluso el etiquetado en el exterior de una caja de envío que contiene alimentos para la venta al por menor se ha utilizado como tema en el arte pop, como lo demuestra La Caja de Zumo de Tomate Campbell's de Warhol, 1964.
SUPREMATISMO
El suprematismo, que comienza hacia 1915, fue una vanguardia artística desarrollada en Rusia y que tuvo como telón de fondo las turbulencias de la Primera Guerra Mundial y la revolución de ese país ante el régimen zarista, que concluye tiempo después con la instalación de la Unión Soviética. Este movimiento artístico fue acelerado por la revolución, ya que se concedió al arte un rol social importante, los artistas revolucionarios opuestos al viejo régimen propusieron un nuevo arte vinculador con las nuevas ideas revolucionarias. Las vanguardias rusas alcanzaron su mayor momento creativo y de popularidad durante esta época y marcaron el nacimiento de un nuevo país con una ideología propia que se reflejó en sus artes y a raíz del nuevo estado que patrocinaba: el realismo socialista.
Este movimiento artístico acontece paralelamente al constructivismo, ambas vanguardias tuvieron como motivo central un arte abstracto geométrico. En el caso del Suprematismo, se gesta gracias a las ideas de Kazimir Malévich, quien proponía una nueva visión del arte, no figurativo y compuesto por formas geométricas y colores puros, otorgando así una representación del universo formal sin objetos. Malévich y Vladimir Maiakovski escriben en 1915 el manifiesto de este nuevo estilo, en donde definen que el arte ya no depende de la imitación de la realidad, sino que es “un fin en sí”, “sin contenido alguno”, será por ello que el contenido formal de esta vanguardia se apoya en una realidad totalmente original, en donde forma y color son protagonistas de las obras.
El suprematismo tuvo en sus comienzos la influencia del cubismo y futurismo, desde donde se fueron rescatando aspectos esenciales de cada movimiento para dar el paso al rechazo del arte convencional y el comienzo de una búsqueda sobre la pura sensibilidad en la geometría hasta llegar a una abstracción de formas y colores totalmente simples. Para los suprematistas fue fundamental la supresión de todo aquello anecdótico y expresivo subyacente en el arte abstracto. Por ello, sus obras se centraron en la predominancia de las formas básicas de la geometría, el uso de colores como el amarillo, rojo, azul y verde acompañados de negro, blanco y gris; una evidente simplicidad en la composición y organización formal; predominio del color plano y sensaciones de movimiento.
El suprematismo, que comienza hacia 1915, fue una vanguardia artística desarrollada en Rusia y que tuvo como telón de fondo las turbulencias de la Primera Guerra Mundial y la revolución de ese país ante el régimen zarista, que concluye tiempo después con la instalación de la Unión Soviética. Este movimiento artístico fue acelerado por la revolución, ya que se concedió al arte un rol social importante, los artistas revolucionarios opuestos al viejo régimen propusieron un nuevo arte vinculador con las nuevas ideas revolucionarias. Las vanguardias rusas alcanzaron su mayor momento creativo y de popularidad durante esta época y marcaron el nacimiento de un nuevo país con una ideología propia que se reflejó en sus artes y a raíz del nuevo estado que patrocinaba: el realismo socialista.
Este movimiento artístico acontece paralelamente al constructivismo, ambas vanguardias tuvieron como motivo central un arte abstracto geométrico. En el caso del Suprematismo, se gesta gracias a las ideas de Kazimir Malévich, quien proponía una nueva visión del arte, no figurativo y compuesto por formas geométricas y colores puros, otorgando así una representación del universo formal sin objetos. Malévich y Vladimir Maiakovski escriben en 1915 el manifiesto de este nuevo estilo, en donde definen que el arte ya no depende de la imitación de la realidad, sino que es “un fin en sí”, “sin contenido alguno”, será por ello que el contenido formal de esta vanguardia se apoya en una realidad totalmente original, en donde forma y color son protagonistas de las obras.
El suprematismo tuvo en sus comienzos la influencia del cubismo y futurismo, desde donde se fueron rescatando aspectos esenciales de cada movimiento para dar el paso al rechazo del arte convencional y el comienzo de una búsqueda sobre la pura sensibilidad en la geometría hasta llegar a una abstracción de formas y colores totalmente simples. Para los suprematistas fue fundamental la supresión de todo aquello anecdótico y expresivo subyacente en el arte abstracto. Por ello, sus obras se centraron en la predominancia de las formas básicas de la geometría, el uso de colores como el amarillo, rojo, azul y verde acompañados de negro, blanco y gris; una evidente simplicidad en la composición y organización formal; predominio del color plano y sensaciones de movimiento.
CONSTRUCTIVISMO
El constructivismo es un movimiento artístico y arquitectónico que surgió en Rusia en 1914 y se hizo especialmente presente después de la Revolución de Octubre.
El término construction art ("arte para construcción") fue utilizado por primera vez, de manera despectiva, por Kasimir Malévich para describir el trabajo de Aleksandr Ródchenko en 1917.
Además del constructivismo ruso o soviético, que se vincula al suprematismo y al rayonismo o cubismo abstracto; se habla también de un "constructivismo holandés": el neoplasticismo de Piet Mondrian, Theo van Doesburg y el grupo De Stijl.1
Sus obras fueron difusoras de las propagandas Revolucionarias, y realizaban carteles, propagandas, fotografías, ilustraciones, etc. Formalmente, las imágenes tenían un predominio de formas geométricas y lineales.
El constructivismo es un movimiento artístico y arquitectónico que surgió en Rusia en 1914 y se hizo especialmente presente después de la Revolución de Octubre.
El término construction art ("arte para construcción") fue utilizado por primera vez, de manera despectiva, por Kasimir Malévich para describir el trabajo de Aleksandr Ródchenko en 1917.
Además del constructivismo ruso o soviético, que se vincula al suprematismo y al rayonismo o cubismo abstracto; se habla también de un "constructivismo holandés": el neoplasticismo de Piet Mondrian, Theo van Doesburg y el grupo De Stijl.1
Sus obras fueron difusoras de las propagandas Revolucionarias, y realizaban carteles, propagandas, fotografías, ilustraciones, etc. Formalmente, las imágenes tenían un predominio de formas geométricas y lineales.
DE STIJL
De Stijl ” que en holandés significa estilo, era un movimiento artístico cuyo objetivo era la integración de las artes o el arte total, y se manifestaban a través de una revista del mismo nombre que se editó hasta 1931 dedicada a las artes plásticas fundada por Piet Mondrian y Theo van Doesburg . El nombre de Stijl también suele aplicársele al artista y arquitectos que alguna vez contribuyeron con él.
De Stijl ” que en holandés significa estilo, era un movimiento artístico cuyo objetivo era la integración de las artes o el arte total, y se manifestaban a través de una revista del mismo nombre que se editó hasta 1931 dedicada a las artes plásticas fundada por Piet Mondrian y Theo van Doesburg . El nombre de Stijl también suele aplicársele al artista y arquitectos que alguna vez contribuyeron con él.
REALISMO SOCIAL
Realismo social es una expresión asociada a una corriente con el propósito de expandir y hacer énfasis a problemas sociales para sus cuadros, los escritores realistas usaban las problemáticas de la sociedad para realizar sus novelas, designando muy diferentes conceptos en la historia del arte y de la literatura, mediante la asociación de los términos "realismo" y "social", especialmente la denominada "cuestión social" (la situación de los más desfavorecidos).
Realismo social es una expresión asociada a una corriente con el propósito de expandir y hacer énfasis a problemas sociales para sus cuadros, los escritores realistas usaban las problemáticas de la sociedad para realizar sus novelas, designando muy diferentes conceptos en la historia del arte y de la literatura, mediante la asociación de los términos "realismo" y "social", especialmente la denominada "cuestión social" (la situación de los más desfavorecidos).
OP ART
1964
Es arte óptico, es decir, un estilo exclusivamente visual que hace uso del ojo humano para engañarlo. Para conseguir ese objetivo usa a menudo ilusiones óticas o trampantojos.
El espectador de una obra de Op-art debe participar activamente, ya sea moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente.
No existe ningún aspecto emocional en las obras de Op-art. Es pura ciencia (óptica) y con ello consigue efectos estéticos utilizando desde líneas paralelas a contrastes cromáticos.
Es casi siempre un tipo de arte abstracto, casi siempre geométrico, y casi nunca se preocupa por comunicar un sentimiento o tocar la fibra emocional del espectador (¡a no ser que el espectador se emocione con eso, que de todo hay…!). Busca más bien una actitud activa por parte del observador, o más bien sólo de su ojo.
El Op-art se basaba en la percepción del espectador, que es en realidad el único y verdadero creador de la obra.
1964
Es arte óptico, es decir, un estilo exclusivamente visual que hace uso del ojo humano para engañarlo. Para conseguir ese objetivo usa a menudo ilusiones óticas o trampantojos.
El espectador de una obra de Op-art debe participar activamente, ya sea moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente.
No existe ningún aspecto emocional en las obras de Op-art. Es pura ciencia (óptica) y con ello consigue efectos estéticos utilizando desde líneas paralelas a contrastes cromáticos.
Es casi siempre un tipo de arte abstracto, casi siempre geométrico, y casi nunca se preocupa por comunicar un sentimiento o tocar la fibra emocional del espectador (¡a no ser que el espectador se emocione con eso, que de todo hay…!). Busca más bien una actitud activa por parte del observador, o más bien sólo de su ojo.
El Op-art se basaba en la percepción del espectador, que es en realidad el único y verdadero creador de la obra.
MINIMALISMO
1965
El término minimalismo en el arte fue empleado por primera vez en 1965 por Richard Wolheim en un artículo en la revista Art Magazine.
El Minimalismo transformó en los sesenta la concepción de la relación de la obra de arte con el espacio presupuesta por la escultura de la vanguardia clásica. Se producen cambios en los espacios expositivos, en los que ahora predominan paredes blancas desnudas y grandes salas, dado el gran tamaño de los objetos minimal.
Éstos, o bien estaban realizados para un tipo de espacio determinado (esquina, pared), o para intervenir en la percepción del espacio en que se inscriben. Pueden determinar, además de la experiencia visual del espacio, su habitabilidad.
A veces el espacio de la exposición llama la atención sobre sí mismo, por su extrema neutralidad o por el contraste que establece con las obras; otras veces es fondo evidente y buscado de las piezas, como ocurre en los proyectos de Carl Andre. En otras ocasiones, el espacio forma parte de la obra y es traído a la conciencia perceptiva por ella.
Podemos decir que toda obra de arte modifica más o menos la percepción del espacio circundante, pero que las minimal lo hacen intencionadamente como parte de su contenido. La conexión entre obra y espacio es propiciada por el tamaño o la colocación del objeto. En definitiva, el espacio es en el Minimalismo el lugar en el que se produce el encuentro entre sujeto y objeto y la experiencia de la obra.
La mayoría de las obras minimalistas son poliedros regulares, aislados o en serie, de apariencia pobre o industrial, colores brillantes o apagados, materiales opacos o transparentes, o incluso construidas con ladrillos, neones o contrachapado; se trata de objetos geométricos simples en toda clase de materiales que carecen de la llamada “verdad del material” y de la neutralidad de los medios artísticos subordinados a la elaboración del artista.
1965
El término minimalismo en el arte fue empleado por primera vez en 1965 por Richard Wolheim en un artículo en la revista Art Magazine.
El Minimalismo transformó en los sesenta la concepción de la relación de la obra de arte con el espacio presupuesta por la escultura de la vanguardia clásica. Se producen cambios en los espacios expositivos, en los que ahora predominan paredes blancas desnudas y grandes salas, dado el gran tamaño de los objetos minimal.
Éstos, o bien estaban realizados para un tipo de espacio determinado (esquina, pared), o para intervenir en la percepción del espacio en que se inscriben. Pueden determinar, además de la experiencia visual del espacio, su habitabilidad.
A veces el espacio de la exposición llama la atención sobre sí mismo, por su extrema neutralidad o por el contraste que establece con las obras; otras veces es fondo evidente y buscado de las piezas, como ocurre en los proyectos de Carl Andre. En otras ocasiones, el espacio forma parte de la obra y es traído a la conciencia perceptiva por ella.
Podemos decir que toda obra de arte modifica más o menos la percepción del espacio circundante, pero que las minimal lo hacen intencionadamente como parte de su contenido. La conexión entre obra y espacio es propiciada por el tamaño o la colocación del objeto. En definitiva, el espacio es en el Minimalismo el lugar en el que se produce el encuentro entre sujeto y objeto y la experiencia de la obra.
La mayoría de las obras minimalistas son poliedros regulares, aislados o en serie, de apariencia pobre o industrial, colores brillantes o apagados, materiales opacos o transparentes, o incluso construidas con ladrillos, neones o contrachapado; se trata de objetos geométricos simples en toda clase de materiales que carecen de la llamada “verdad del material” y de la neutralidad de los medios artísticos subordinados a la elaboración del artista.
ARTE DEL CARTEL LITOGRAFICO (CARTELISMO)
Aunque la litografía fue inventada en 1798 por Aloys Senefelder, esta técnica era al principio demasiado lenta y costoso para la producción del carteles.
La mayoría de los carteles eran producidos en bloques de madera (xilografía) o grabados del metal con poco color o diseño. El desarrollo del proceso litográfico de tres colores de Cheret abrió una brecha que permitió que los artistas alcanzaran cada color del arco iris con tan sólo tres piedras -generalmente rojas, amarillas y azul – impresas en un registro cuidadoso. Aunque el proceso era difícil, el resultado era de una intensidad notable del color y textura, con sublimación de las transparencias y los matices imposibles en otros medios (incluso hoy día). Esta capacidad de combinar palabra e imagen en un formato tan atractivo y económico, finalmente hizo al cartel litográfico, una innovación de gran alcance. Comenzando en 1870 en París, se convirtió en el medio dominantes de la comunicación de masa en las ciudades de Europa y América. Las calles de París, Milán y Berlín fueron transformadas rápidamente en la «galería de arte de la calle,» entrando de lleno en la edad moderna de la publicidad.
Aunque la litografía fue inventada en 1798 por Aloys Senefelder, esta técnica era al principio demasiado lenta y costoso para la producción del carteles.
La mayoría de los carteles eran producidos en bloques de madera (xilografía) o grabados del metal con poco color o diseño. El desarrollo del proceso litográfico de tres colores de Cheret abrió una brecha que permitió que los artistas alcanzaran cada color del arco iris con tan sólo tres piedras -generalmente rojas, amarillas y azul – impresas en un registro cuidadoso. Aunque el proceso era difícil, el resultado era de una intensidad notable del color y textura, con sublimación de las transparencias y los matices imposibles en otros medios (incluso hoy día). Esta capacidad de combinar palabra e imagen en un formato tan atractivo y económico, finalmente hizo al cartel litográfico, una innovación de gran alcance. Comenzando en 1870 en París, se convirtió en el medio dominantes de la comunicación de masa en las ciudades de Europa y América. Las calles de París, Milán y Berlín fueron transformadas rápidamente en la «galería de arte de la calle,» entrando de lleno en la edad moderna de la publicidad.
VORTICISMO
Siglo XX
El Vorticismo fue un movimiento artístico desarrollado en Gran Bretaña a principios del siglo XX. Se considera que es el único movimiento británico significativo de aquella época aunque a penas durara unos tres años como corriente enmarcable.
Con un origen claramente influenciados y enmarcados dentro del cubismo y futurismo, el vorticismo intentaba captar la esencia del movimiento en una sola imagen. Con una compleja disposición de líneas marcadas y colores estridentes y discordantes, el espectador se sumerge en esta sensación al contemplar la obra.
El término de Vorticismo fue obra del ensayista, músico y crítico Ezra Pound, quien describió este tipo de arte así dado que el vórtice o remolino es el lugar del que parten todas las emociones.
Siglo XX
El Vorticismo fue un movimiento artístico desarrollado en Gran Bretaña a principios del siglo XX. Se considera que es el único movimiento británico significativo de aquella época aunque a penas durara unos tres años como corriente enmarcable.
Con un origen claramente influenciados y enmarcados dentro del cubismo y futurismo, el vorticismo intentaba captar la esencia del movimiento en una sola imagen. Con una compleja disposición de líneas marcadas y colores estridentes y discordantes, el espectador se sumerge en esta sensación al contemplar la obra.
El término de Vorticismo fue obra del ensayista, músico y crítico Ezra Pound, quien describió este tipo de arte así dado que el vórtice o remolino es el lugar del que parten todas las emociones.
NEOPLASTICISMO
1920
El Neoplasticismo es una corriente artística propuesta por Piet Mondrian en 1920, que surge en la búsqueda de un arte que no tuviera elementos accesorios, sino sólo los más elementales, para llegar a la esencia de un lenguaje plástico objetivo reduciéndola a formas geométricas y colores puros para hacerla universal.
El neoplasticismo, al contrario del expresionismo abstracto, pretende ser trascendental, abstrayéndose de la realidad externa, rigiéndose por reglas matemáticas y una simplificación radical de la geometría, elevando así la concepción de lo abstracto a su máxima expresión.
Este movimiento artístico se desprendió del cubismo, alejándose de la representación del mundo real, para representar formas y colores básicos.
1920
El Neoplasticismo es una corriente artística propuesta por Piet Mondrian en 1920, que surge en la búsqueda de un arte que no tuviera elementos accesorios, sino sólo los más elementales, para llegar a la esencia de un lenguaje plástico objetivo reduciéndola a formas geométricas y colores puros para hacerla universal.
El neoplasticismo, al contrario del expresionismo abstracto, pretende ser trascendental, abstrayéndose de la realidad externa, rigiéndose por reglas matemáticas y una simplificación radical de la geometría, elevando así la concepción de lo abstracto a su máxima expresión.
Este movimiento artístico se desprendió del cubismo, alejándose de la representación del mundo real, para representar formas y colores básicos.
ELEMENTARISMO
Se refiere a una modificación de Neoplasticismo , en sí misma una rama de la De Stijl estilo de arte geométrico. Un tipo de arte y diseño , El elementalismo fue inventado por el artista holandés Theo van Doesburg (1883-1931), quien también fue el fundador del movimiento De Stijl. El neoplasticismo era una forma purista de arte abstracto inventado por Piet Mondrian (1872-1944) hacia el final de la Primera Guerra Mundial.
Se refiere a una modificación de Neoplasticismo , en sí misma una rama de la De Stijl estilo de arte geométrico. Un tipo de arte y diseño , El elementalismo fue inventado por el artista holandés Theo van Doesburg (1883-1931), quien también fue el fundador del movimiento De Stijl. El neoplasticismo era una forma purista de arte abstracto inventado por Piet Mondrian (1872-1944) hacia el final de la Primera Guerra Mundial.
LA POSTERIOR ESCUELA ST IVES
1939 - 1960
En bellas artes, el término "St Ives School" se refiere a un grupo de artistas independientes (principalmente exponentes de arte abstracto ) que floreció en la ciudad costera de St Ives, en Cornualles, en Inglaterra, desde 1939 hasta mediados de la década de 1960. Como la otra gran colonia de artistas en Cornwall: la Escuela Newlyn – fundada durante la década de 1880 por Stanhope Forbes, la ciudad de St. Ives tenía el clima y la luz perfectos para pintura al aire libre . Los primeros artistas importantes en establecerse en la ciudad fueron el escultor / pintor abstracto. Ben Nicholson (1894-1982) y su esposa la escultora Barbara Hepworth (1903-75), quienes llegaron en 1939, seguidos poco después por el famoso escultor constructivista Naum Gabo (1890-1977). Estos tres formaron una especie de avanzada del arte de vanguardia en St. Ives, que fue impulsado significativamente, desde aproximadamente 1950, por la aparición de un grupo de artistas más jóvenes, incluidos Peter Lanyon (1918-1964), Bryan Wynter (1915-1975), Terry Frost (1915-2003) y Patrick Heron (1920-1999), así como la asistencia del influyente crítico de arte modernista Herbert Read (1893-1968). Durante las décadas de 1950 y 1960, St Ives se hizo famoso por su escultura abstracta (ejemplificado por Hepworth), y su pinturas abstractas , que tuvo un gran impacto en el desarrollo del arte moderno en Gran Bretaña. En 1976, se inauguró el Museo y Jardín de Esculturas Barbara Hepworth en la ciudad, seguido en 1993 por la Tate St Ives , que exhibe la colección de arte de la escuela St Ives de la Tate. Otros miembros de la escuela St Ives incluyen: Wilhelmina Barns-Graham (1912-2004), John Wells (1907-2000), Roger Hilton (1911-75), William Scott (1913-89), Christopher Wood (1901-1930), Paul Feiler, Christopher Wood, Karl Weschke, los famosos ceramistas Bernard Leach (1887-1979) y Shoji Hamada (1894-1978), y el pintor naif primitivo Alfred Wallis (1855-1942).
1939 - 1960
En bellas artes, el término "St Ives School" se refiere a un grupo de artistas independientes (principalmente exponentes de arte abstracto ) que floreció en la ciudad costera de St Ives, en Cornualles, en Inglaterra, desde 1939 hasta mediados de la década de 1960. Como la otra gran colonia de artistas en Cornwall: la Escuela Newlyn – fundada durante la década de 1880 por Stanhope Forbes, la ciudad de St. Ives tenía el clima y la luz perfectos para pintura al aire libre . Los primeros artistas importantes en establecerse en la ciudad fueron el escultor / pintor abstracto. Ben Nicholson (1894-1982) y su esposa la escultora Barbara Hepworth (1903-75), quienes llegaron en 1939, seguidos poco después por el famoso escultor constructivista Naum Gabo (1890-1977). Estos tres formaron una especie de avanzada del arte de vanguardia en St. Ives, que fue impulsado significativamente, desde aproximadamente 1950, por la aparición de un grupo de artistas más jóvenes, incluidos Peter Lanyon (1918-1964), Bryan Wynter (1915-1975), Terry Frost (1915-2003) y Patrick Heron (1920-1999), así como la asistencia del influyente crítico de arte modernista Herbert Read (1893-1968). Durante las décadas de 1950 y 1960, St Ives se hizo famoso por su escultura abstracta (ejemplificado por Hepworth), y su pinturas abstractas , que tuvo un gran impacto en el desarrollo del arte moderno en Gran Bretaña. En 1976, se inauguró el Museo y Jardín de Esculturas Barbara Hepworth en la ciudad, seguido en 1993 por la Tate St Ives , que exhibe la colección de arte de la escuela St Ives de la Tate. Otros miembros de la escuela St Ives incluyen: Wilhelmina Barns-Graham (1912-2004), John Wells (1907-2000), Roger Hilton (1911-75), William Scott (1913-89), Christopher Wood (1901-1930), Paul Feiler, Christopher Wood, Karl Weschke, los famosos ceramistas Bernard Leach (1887-1979) y Shoji Hamada (1894-1978), y el pintor naif primitivo Alfred Wallis (1855-1942).
