Весной 2025 года театр «Шалом» совместно с Российским еврейским конгрессом запустил «Лабораторию пуримшпиля в Пуримшпильбурге», посвящённую еврейскому народному театру. По сути, неофициальный старт ей дал показ современной версии пуримшпиля «Ахашверош-шпиль» в Пурим, 13 марта.
Пурим — самый весёлый еврейский праздник, когда страх превращается в смех, а уязвимость — в силу. В этот день вспоминают историю Эстер, которая спасла свой народ, и устраивают шумные представления — пуримшпили, где священные сюжеты соединяются с сатирой, музыкой и карнавалом.
— шутит художественный руководитель «Шалома» Олег Липовецкий.
Из текста Юлии Ждановой вы узнаете:
👉 где находится город, которого нет — Пуримшпильбург, и кто в нём правит;
👉 как страх превращается в смех, а история — в карнавал;
👉 что происходит, когда режиссёры и актёры получают полную свободу фантазии;
👉 какой эскиз лаборатории зрители назвали «чистым чудом на сцене»;
🖤 о невероятных историях, в которых пуримские сюжеты обретают поп-звучание, сцена становится зыбким плотом между смехом и абсурдом, а импровизация стирает границы между актёром и героем.
Читайте полный текст на нашем сайте.
Пурим — самый весёлый еврейский праздник, когда страх превращается в смех, а уязвимость — в силу. В этот день вспоминают историю Эстер, которая спасла свой народ, и устраивают шумные представления — пуримшпили, где священные сюжеты соединяются с сатирой, музыкой и карнавалом.
«В Пурим можно всё — даже перестать различать, кому ты благословляешь, а кого ругаешь»,
— шутит художественный руководитель «Шалома» Олег Липовецкий.
Из текста Юлии Ждановой вы узнаете:
Читайте полный текст на нашем сайте.
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
👏17❤11👍7🎉4🕊3 1
Красноярский театр им. А. С. Пушкина рассказывает «Сказку панельных домов» ❤️ ❤️ ❤️
Премьера состоится сегодня, 25 октября, на «Пушке +» — так здесь называется новая сцена-трансформер.
Грядущая премьера Красноярского драматического театра им. А. С. Пушкина — эксклюзив, сочинённый специально для коллектива. Более того, люди, привлечённые к его созданию, имеют успешный мхатовский бэкграунд. Режиссёр Юрий Квятковский в начале сентября выпустил в Художественном хит «Кабала святош», а пьесу для проекта написал Иван Андреев, уральский драматург, чья самая известная вещь — пьеса «Боюсь стать Колей», которую 8 лет назад поставила Марина Брусникина на Новой сцене МХТ им. А. П. Чехова.
Главные герои «Сказки панельных домов» — молодые люди, которые движутся по направлению друг к другу, но никак не могут встретиться. Драматург говорит о них так:
✔️ Подробнее о творческой команде и актёрском составе читайте на сайте «Театрального журнала».
Премьера состоится сегодня, 25 октября, на «Пушке +» — так здесь называется новая сцена-трансформер.
Грядущая премьера Красноярского драматического театра им. А. С. Пушкина — эксклюзив, сочинённый специально для коллектива. Более того, люди, привлечённые к его созданию, имеют успешный мхатовский бэкграунд. Режиссёр Юрий Квятковский в начале сентября выпустил в Художественном хит «Кабала святош», а пьесу для проекта написал Иван Андреев, уральский драматург, чья самая известная вещь — пьеса «Боюсь стать Колей», которую 8 лет назад поставила Марина Брусникина на Новой сцене МХТ им. А. П. Чехова.
Главные герои «Сказки панельных домов» — молодые люди, которые движутся по направлению друг к другу, но никак не могут встретиться. Драматург говорит о них так:
«Может быть, все герои этой сказки — дети, которые хотят казаться взрослыми. А может — взрослые, которые просто хотят снова быть детьми». Путеводной звездой станет музыка, причём довольно известная. Какая конкретно, пока секрет; создатели сообщают только, что это культовая рок-группа 1980-х, называют тексты песен «философскими» и перечисляют излюбленные образы коллектива: «дом без дверей, бесконечные электрички, брезентовое поле, вечный апрель».
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
🕊21👏12❤9🍓5 2
В Санкт-Петербурге играют подростковую историю о любви и утрате ❤️ ❤️ ❤️
Спектакль называется «Гудбай, Китти». Это совместный проект АНО «Содружество негосударственных театров» и театра «Суббота». Премьера — 25 октября.
В основе постановки — пьеса начинающего драматурга Ланы Гранецкой. По форме это монологический вербатим, рассказ подростка о постигшей его беде — смерти первой возлюбленной и попытках восстановиться после трагедии. Полновесной сценической судьбы у текста пока нет, хотя в формате эскиза его ставил режиссёр Владимир Золотарь в рамках своего ульяновского проекта «Театр. Форма. Содержание». В петербургской «Субботе» всё тоже началось с эскиза: в январе этого года пьеса была представлена на VI Международном фестивале коротких пьес Stories. Напомним условия участия в смотре: тексты должны быть новыми (без предыдущих постановок), оригинальными (в смысле, не переводами) и короткими (не более 12 страниц 12-м кеглем).
Эскиз поставила Екатерина Шихова. Самые известные работы режиссёра связаны с документальным театром — это спектакль «Речи немых» (МХТ им. А. П. Чехова), созданный по материалам сборника устных рассказов о крестьянской доле, и «Ленин из Ревды» (театр-фестиваль «Балтийский дом», совместно с Дмитрием Крестьянкиным), в основу которого легли уральские народные дискуссии вокруг памятника Ильичу на главной площади. Выбор пьесы «Гудбай, Китти» также был обусловлен ориентацией на живую речь.
— рассказывает режиссёр.
📱 О главной особенности режиссёрского решения читайте на нашем сайте.
Спектакль называется «Гудбай, Китти». Это совместный проект АНО «Содружество негосударственных театров» и театра «Суббота». Премьера — 25 октября.
В основе постановки — пьеса начинающего драматурга Ланы Гранецкой. По форме это монологический вербатим, рассказ подростка о постигшей его беде — смерти первой возлюбленной и попытках восстановиться после трагедии. Полновесной сценической судьбы у текста пока нет, хотя в формате эскиза его ставил режиссёр Владимир Золотарь в рамках своего ульяновского проекта «Театр. Форма. Содержание». В петербургской «Субботе» всё тоже началось с эскиза: в январе этого года пьеса была представлена на VI Международном фестивале коротких пьес Stories. Напомним условия участия в смотре: тексты должны быть новыми (без предыдущих постановок), оригинальными (в смысле, не переводами) и короткими (не более 12 страниц 12-м кеглем).
Эскиз поставила Екатерина Шихова. Самые известные работы режиссёра связаны с документальным театром — это спектакль «Речи немых» (МХТ им. А. П. Чехова), созданный по материалам сборника устных рассказов о крестьянской доле, и «Ленин из Ревды» (театр-фестиваль «Балтийский дом», совместно с Дмитрием Крестьянкиным), в основу которого легли уральские народные дискуссии вокруг памятника Ильичу на главной площади. Выбор пьесы «Гудбай, Китти» также был обусловлен ориентацией на живую речь.
«Для меня важно „услышать“ пьесу, она должна быть созвучна с моим внутренним камертоном правды. Важно почувствовать, что текст говорит человек, а не картонный персонаж. Ощутить, что у этого человека есть душа. В выбранной мной пьесе есть и душа, и боль, и любовь. И юмор, что немаловажно!»,
— рассказывает режиссёр.
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
🕊15❤13👍9🍓6🎉3 3
Художник по свету — профессия, о роли которой зритель задумывается нечасто. Познакомиться с её нюансами и секретами мы приглашаем в «зелёном» выпуске ТЖ.
На странице 262 вы найдёте интервью с Заслуженным работником культуры России, художником по свету Вологодского ТЮЗа — Сергеем Шпагиным.
Он рассказывает о том, как создаётся световая партитура спектакля, почему доверие между режиссёром, сценографом и художником по свету важно не меньше, чем талант, и как одна неверная тень способна разрушить целую сцену.
«В театре многое зависит от доверия. Художник по свету должен услышать режиссёра, но и уметь отстоять свою идею, если уверен, что она поможет спектаклю зазвучать сильнее»,
— считает Сергей.
Из интервью вы узнаете:
💚 как рождается световая атмосфера спектакля;
💚 чем отличается театральный свет от концертного и телевизионного;
💚 почему «грязный» свет — главный враг сцены;
💚 как иногда три прожектора могут создать целый мир.
А ещё — о том, как свет способен менять настроение зрительного зала, превращать тьму в драматургический приём, и почему настоящий мастер выбирает не яркость, а точность.
«Задача художника по свету — не привлекая внимание зрителя, создать условия для полного погружения в происходящее».
❗️ Полное интервью — в печатной версии журнала.
И пусть в жизни всегда будет место правильному свету.
На странице 262 вы найдёте интервью с Заслуженным работником культуры России, художником по свету Вологодского ТЮЗа — Сергеем Шпагиным.
Он рассказывает о том, как создаётся световая партитура спектакля, почему доверие между режиссёром, сценографом и художником по свету важно не меньше, чем талант, и как одна неверная тень способна разрушить целую сцену.
«В театре многое зависит от доверия. Художник по свету должен услышать режиссёра, но и уметь отстоять свою идею, если уверен, что она поможет спектаклю зазвучать сильнее»,
— считает Сергей.
Из интервью вы узнаете:
А ещё — о том, как свет способен менять настроение зрительного зала, превращать тьму в драматургический приём, и почему настоящий мастер выбирает не яркость, а точность.
«Задача художника по свету — не привлекая внимание зрителя, создать условия для полного погружения в происходящее».
И пусть в жизни всегда будет место правильному свету.
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
👏25❤9🔥7🕊5🎉3🍓3 2
Forwarded from ГИТИС
Умер Геннадий Назаров
Геннадий Геннадьевич Назаров пришёл в ГИТИС в 1991 году, в мастерскую Марка Захарова, уже имея за плечами уникальный опыт — он начинал как художник-бутафор в «Современнике» и театре Романа Виктюка. Это знание театра изнутри, от самых его основ, стало тем особенным качеством, которое отличало его всю последующую жизнь.
Его имя навсегда связано не только с блестящими ролями в кино — от солдата Чонкина у Иржи Менцеля до пронзительных характеров у Петра Тодоровского и Георгия Данелии, — но и с самой сутью артистического существования, где нет места фальши и самолюбованию. В каждой его работе ощущалась та самая внутренняя правда, когда актёр не показывает чувство, а проживает его на наших глазах.
Но главным его даром оказался дар педагогический. В ГИТИСе он создал особую педагогическую вселенную. Он был для студентов не просто преподавателем — он становился их духовным наставником. Его советы, его внимательный взгляд, его удивительная способность слушать и слышать студента рождали между мастером и учениками то уникальное доверие, в котором только и может родиться настоящее искусство.
Он никогда не навязывал готовых решений, но умел задать такой вопрос, найти такой образ, которые пробуждали в студентах их собственное, неповторимое творческое «я». Он учил их не только этюдному методу и действенному анализу, но и не бояться тишины, ценить смысл паузы, понимать, что истинная глубина скрыта не в словах, а в том, что живёт между ними. Его уроки были погружением в саму природу театра — живого, дышащего, непредсказуемого. Его вера в людей, в театр, в каждого своего ученика была той силой, что помогала преодолевать любые трудности.
Для Геннадия Геннадьевича педагогика была не работой, а продолжением его человеческой сути. В его личности заключалась та самая культура, которую он передавал своим ученикам, — культура достоинства, ответственности и бесконечной любви к своей профессии. Он умел научить самому главному — не только понимать искусство, но и жить в нём, оставаясь честным с собой и со зрителем.
Таким он и останется в нашей памяти — не просто актёром и педагогом, но хранителем и продолжателем великой театральной традиции. Его наследие будет жить не только в его ролях, но и в каждом его ученике, вышедшем на сцену и несущем в себе частицу его мудрости, его правды и его света.
Особое место в его жизни и творчестве занимала супруга Наталья Назарова — режиссёр и педагог, его единомышленница и соратница. Вместе они составляли неразрывное творческое единство, вместе растили своих студентов и ушли из жизни почти одновременно.
ГИТИС скорбит и выражает глубочайшие соболезнования семье, друзьям, коллегам и всем ученикам Геннадия Геннадьевича Назарова.
Геннадий Геннадьевич Назаров пришёл в ГИТИС в 1991 году, в мастерскую Марка Захарова, уже имея за плечами уникальный опыт — он начинал как художник-бутафор в «Современнике» и театре Романа Виктюка. Это знание театра изнутри, от самых его основ, стало тем особенным качеством, которое отличало его всю последующую жизнь.
Его имя навсегда связано не только с блестящими ролями в кино — от солдата Чонкина у Иржи Менцеля до пронзительных характеров у Петра Тодоровского и Георгия Данелии, — но и с самой сутью артистического существования, где нет места фальши и самолюбованию. В каждой его работе ощущалась та самая внутренняя правда, когда актёр не показывает чувство, а проживает его на наших глазах.
Но главным его даром оказался дар педагогический. В ГИТИСе он создал особую педагогическую вселенную. Он был для студентов не просто преподавателем — он становился их духовным наставником. Его советы, его внимательный взгляд, его удивительная способность слушать и слышать студента рождали между мастером и учениками то уникальное доверие, в котором только и может родиться настоящее искусство.
Он никогда не навязывал готовых решений, но умел задать такой вопрос, найти такой образ, которые пробуждали в студентах их собственное, неповторимое творческое «я». Он учил их не только этюдному методу и действенному анализу, но и не бояться тишины, ценить смысл паузы, понимать, что истинная глубина скрыта не в словах, а в том, что живёт между ними. Его уроки были погружением в саму природу театра — живого, дышащего, непредсказуемого. Его вера в людей, в театр, в каждого своего ученика была той силой, что помогала преодолевать любые трудности.
Для Геннадия Геннадьевича педагогика была не работой, а продолжением его человеческой сути. В его личности заключалась та самая культура, которую он передавал своим ученикам, — культура достоинства, ответственности и бесконечной любви к своей профессии. Он умел научить самому главному — не только понимать искусство, но и жить в нём, оставаясь честным с собой и со зрителем.
Таким он и останется в нашей памяти — не просто актёром и педагогом, но хранителем и продолжателем великой театральной традиции. Его наследие будет жить не только в его ролях, но и в каждом его ученике, вышедшем на сцену и несущем в себе частицу его мудрости, его правды и его света.
Особое место в его жизни и творчестве занимала супруга Наталья Назарова — режиссёр и педагог, его единомышленница и соратница. Вместе они составляли неразрывное творческое единство, вместе растили своих студентов и ушли из жизни почти одновременно.
ГИТИС скорбит и выражает глубочайшие соболезнования семье, друзьям, коллегам и всем ученикам Геннадия Геннадьевича Назарова.
💔55🙏18😢15❤8
Константин Богомолов выпускает комедию о физиках и лириках ❤️ ❤️ ❤️
Спектакль называется «Молодожёны», жанр обозначен как «семейная комедия». В основу постановки легла пьеса советского драматурга Николая Погодина «Голубая рапсодия». Премьера состоится 31 октября.
Пьесу Николая Погодина изначально предполагалось отдать неназванным «молодым режиссёрам» для постановки на Сцене «Мельников»; однако в итоге за работу взялся сам Константин Юрьевич.
«Голубая рапсодия» (1961) — продолжение другой оттепельной пьесы Погодина, «Маленькой студентки» (1958). Герои окончили физический факультет МГУ и входят во взрослую жизнь; лейтмотивом их взросления становятся звуки «Голубой рапсодии» Гершвина. Они слушают её в Концертном зале им. П. И. Чайковского, пытаются достать пластинку, спорят о её мелосе и урбанистических мотивах, неизбежно разочаровываются, но в финале всё же приходят к жизнеутверждающему выводу:
Кроме того, Погодин использует приём «театра в театре»: в сюжет вплетена любительская постановка «Виндзорских проказниц» Шекспира.
Как всё это будет выглядеть в трактовке Константина Богомолова, узнаем совсем скоро. Анонсируя премьеру в интервью каналу «Россия 24», режиссёр охарактеризовал постановку следующим образом:
✋ Подробнее о предстоящей премьере, постановочной команде и актёрском составе читайте на сайте «Театрального журнала».
Спектакль называется «Молодожёны», жанр обозначен как «семейная комедия». В основу постановки легла пьеса советского драматурга Николая Погодина «Голубая рапсодия». Премьера состоится 31 октября.
Пьесу Николая Погодина изначально предполагалось отдать неназванным «молодым режиссёрам» для постановки на Сцене «Мельников»; однако в итоге за работу взялся сам Константин Юрьевич.
«Голубая рапсодия» (1961) — продолжение другой оттепельной пьесы Погодина, «Маленькой студентки» (1958). Герои окончили физический факультет МГУ и входят во взрослую жизнь; лейтмотивом их взросления становятся звуки «Голубой рапсодии» Гершвина. Они слушают её в Концертном зале им. П. И. Чайковского, пытаются достать пластинку, спорят о её мелосе и урбанистических мотивах, неизбежно разочаровываются, но в финале всё же приходят к жизнеутверждающему выводу:
«А потому, Томаз, что жизнь всё же рапсодия… и, как утверждают некоторые оптимисты, — голубая».
Кроме того, Погодин использует приём «театра в театре»: в сюжет вплетена любительская постановка «Виндзорских проказниц» Шекспира.
Как всё это будет выглядеть в трактовке Константина Богомолова, узнаем совсем скоро. Анонсируя премьеру в интервью каналу «Россия 24», режиссёр охарактеризовал постановку следующим образом:
«Это история о нескольких молодых парах, которые любят друга, ссорятся, расходятся, сходятся и, одним словом, изучают, что такое семейная жизнь на практике. У нас вообще театр молодой, у нас молодая труппа очень. Она идеально, эта история, распределилась на молодых, талантливых наших артистов».
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
❤17🍓13🔥7🎉6👍4🕊4❤🔥2🤔2💘2 2
Forwarded from ГИТИС
Прощание с Геннадием Геннадьевичем Назаровым пройдёт завтра, 29 октября, в 11:00 в храме святителя Николая на Трёх Горах (Москва, Нововаганьковский пер., 9c1)
💔19🕊10❤7😢3🙏2🔥1
В рамках фестиваля «Горизонт» на камчатской сцене ожила маленькая грузинская вселенная — моноспектакль Георгия Иобадзе «„Наше всё…“ Нодар Думбадзе» по роману «Я, бабушка, Илико и Илларион». О постановке Театра Наций пишет студент театроведческого факультета ГИТИСа (мастерская А. А. Степановой) Ягор Ермоленко:
«Наше всё…» — это история о мальчике, растущем в грузинской деревне под опекой мудрой бабушки, рядом с друзьями: чудаковатым Илико и принципиальным Илларионом. Их мир соткан из ежедневных забот, наивных открытий и суровых уроков, где радость и горе одинаково сопровождаются застольем. Здесь, среди гор, касающихся неба, и традиций, уходящих в глубь поколений, рождается особая форма бытия. В этом пространстве душа говорит на языке музыки, а обыденное наполняется сакральным смыслом, превращая каждый миг в часть вечности.
В чёрном пространстве сцены только гитара, стул и папаха. Эти вещи обретают у Иобадзе множество жизней: гитара становится и инструментом, и школьной партой, а головной убор оживает очертаниями свернувшегося в клубок пса. Их лаконичные метаморфозы — лишь первые ноты мелодии, из которой медленно прорастает Грузия. Но не географическая, а метафорическая, наполненная музыкой и ностальгией.
В одном Георгии Иобадзе — целая вселенная горного села; артист ведёт рассказ, перевоплощаясь в героев с помощью едва заметного наклона головы, смены интонации или пластики. Вот прекрасная Нино, чьи движения подобны полёту птицы, а вот бабушка смотрит на мир усталыми, но любящими глазами. Однако главное чудо не в перевоплощениях, а в том, как народная песня становится здесь воздухом, а танец — дыханием. И танец не исполняется — он случается, как случается дождь или восход. В одной из сцен музыка настолько поглощает героя, что он, сидя за партой, не слышит окликов учителя, потому что песня стала плотнее реальности.
Особая магия — в обуви героя. Белые чешки горят на тёмном фоне как символ детской чистоты и искренности чувств. С годами он снимает их и надевает чёрные. Возможно, в этом жесте вся грусть перехода во взрослость, когда беззаботная лёгкость сменяется грузом ответственности. Но где-то в самых глубинах всегда остаётся мальчик, танцующий босиком под грузинские мелодии.
В финале, когда стихает последняя нота и гаснет свет, возникает тихое озарение: «наше всё» оказывается не суммой приобретений, а тем фундаментом, что остаётся, когда рушатся стены. И будто понимаешь — мы все родом из того села, где пахнет виноградом и хлебом, а народные песни живут в нас независимо от того, помним мы слова или нет.
«Наше всё…» — это история о мальчике, растущем в грузинской деревне под опекой мудрой бабушки, рядом с друзьями: чудаковатым Илико и принципиальным Илларионом. Их мир соткан из ежедневных забот, наивных открытий и суровых уроков, где радость и горе одинаково сопровождаются застольем. Здесь, среди гор, касающихся неба, и традиций, уходящих в глубь поколений, рождается особая форма бытия. В этом пространстве душа говорит на языке музыки, а обыденное наполняется сакральным смыслом, превращая каждый миг в часть вечности.
В чёрном пространстве сцены только гитара, стул и папаха. Эти вещи обретают у Иобадзе множество жизней: гитара становится и инструментом, и школьной партой, а головной убор оживает очертаниями свернувшегося в клубок пса. Их лаконичные метаморфозы — лишь первые ноты мелодии, из которой медленно прорастает Грузия. Но не географическая, а метафорическая, наполненная музыкой и ностальгией.
В одном Георгии Иобадзе — целая вселенная горного села; артист ведёт рассказ, перевоплощаясь в героев с помощью едва заметного наклона головы, смены интонации или пластики. Вот прекрасная Нино, чьи движения подобны полёту птицы, а вот бабушка смотрит на мир усталыми, но любящими глазами. Однако главное чудо не в перевоплощениях, а в том, как народная песня становится здесь воздухом, а танец — дыханием. И танец не исполняется — он случается, как случается дождь или восход. В одной из сцен музыка настолько поглощает героя, что он, сидя за партой, не слышит окликов учителя, потому что песня стала плотнее реальности.
Особая магия — в обуви героя. Белые чешки горят на тёмном фоне как символ детской чистоты и искренности чувств. С годами он снимает их и надевает чёрные. Возможно, в этом жесте вся грусть перехода во взрослость, когда беззаботная лёгкость сменяется грузом ответственности. Но где-то в самых глубинах всегда остаётся мальчик, танцующий босиком под грузинские мелодии.
В финале, когда стихает последняя нота и гаснет свет, возникает тихое озарение: «наше всё» оказывается не суммой приобретений, а тем фундаментом, что остаётся, когда рушатся стены. И будто понимаешь — мы все родом из того села, где пахнет виноградом и хлебом, а народные песни живут в нас независимо от того, помним мы слова или нет.
❤27👍10🍓5👏4🎉3 1
Театр Олега Табакова возвращается на Историческую сцену 🏰
Во дворе театра стоит памятник «Трём драматургам» работы скульптора Альберта Чаркина. Его герои — Виктор Розов, Александр Вампилов и Александр Володин. Произведение последнего было выбрано для праздничной и ответственной задачи — спектакля, которым откроется Историческая сцена «Табакерки». Семейную драму «С любимыми не расставайтесь» покажут 30 и 31 октября.
Новых постановок этой популярной пьесы Александра Володина не было давно (как и, увы, каких-либо других володинских текстов). Впрочем, работа над грядущей премьерой началась задолго до текущих событий — около пяти лет назад в стенах московской театральной Школы Олега Табакова. Актёр «Табакерки» и педагог ТШТ Артур Касимов поставил эту пьесу со студентами курса Владимира Машкова. Премьера дипломного спектакля состоялась в 2021 году. Это было первое «приближение к теме»; новая версия «С любимыми не расставайтесь» создаётся в совершенно ином статусе, а из прежней команды остался только режиссёр. Для Артура Касимова эта постановка станет режиссёрским дебютом на профессиональной сцене.
Вот, что говорит режиссёр об избранном материале и тех его качествах, на которых он стремится сделать акцент:
➡️ Подробнее о предстоящей премьере читайте на сайте «Театрального журнала».
Во дворе театра стоит памятник «Трём драматургам» работы скульптора Альберта Чаркина. Его герои — Виктор Розов, Александр Вампилов и Александр Володин. Произведение последнего было выбрано для праздничной и ответственной задачи — спектакля, которым откроется Историческая сцена «Табакерки». Семейную драму «С любимыми не расставайтесь» покажут 30 и 31 октября.
Новых постановок этой популярной пьесы Александра Володина не было давно (как и, увы, каких-либо других володинских текстов). Впрочем, работа над грядущей премьерой началась задолго до текущих событий — около пяти лет назад в стенах московской театральной Школы Олега Табакова. Актёр «Табакерки» и педагог ТШТ Артур Касимов поставил эту пьесу со студентами курса Владимира Машкова. Премьера дипломного спектакля состоялась в 2021 году. Это было первое «приближение к теме»; новая версия «С любимыми не расставайтесь» создаётся в совершенно ином статусе, а из прежней команды остался только режиссёр. Для Артура Касимова эта постановка станет режиссёрским дебютом на профессиональной сцене.
Вот, что говорит режиссёр об избранном материале и тех его качествах, на которых он стремится сделать акцент:
«В каждом эпизоде за обычными, казалось бы, фразами стоит глубокий смысл и в каждом персонаже происходят глубочайшие метаморфозы, здесь и сейчас. И всё, что происходит, — влюблённость, ревность, любовь, непонимание, ссоры, — происходило в любое время, в любом месте и в любой стране. Мне хочется на первый план вынести именно эти взаимоотношения, которые Александр Володин понимал и о которых умел говорить».
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
🍓20❤9🎉5👏4👍3🔥3🤗3💘2 1
«Любовь, что движет солнца и светила»
В Большом театре кукол завершилось путешествие длиною в три сезона по «Божественной комедии» Данте. О получившемся итоге пишет #Ангелина_Дядчук.
В конце сентября Большой театр кукол на три дня превратился в Рай: в рамках фестиваля «Крыша» был показан спектакль по мотивам третьей части «Божественной комедии».
Работа над поэмой Данте началась совместно с Центром развития режиссуры два сезона назад. Две кантики – «Ад» и «Чистилище» – уже были показаны на фестивалях БТК с символичными названиями «Фундамент» и «Стены». «Крыша» завершила театральную трилогию «Раем», в котором приняли участие семь режиссёров: Алексей Егоров, Алёна Волкова, Олег Пинжов, Анатолий Гущин, Марина Хомутова, Дарья Левингер, Дмитрий Скрябин. Каждый поставил по эпизоду.
Действие происходило во всём пространстве театра: от гардероба и фойе до большой сцены.
Как автор «Божественной комедии» Данте, зрители путешествовали по локациям, а вместо Вергилия их проводниками стали другие персонажи — райские птицы (их сыграли студенты мастерской Руслана Кудашова), которые к тому же разбивали эпизоды музыкальными выступлениями.
Спектакль состоял из разножанровых отрывков — вариаций на тему «Рая». Среди них пародийный этюд, главным героем которого стал Альберт Эйнштейн, с собственным двойником ищущий формулы спасения мира. Шуточный отрывок, персонажи которого, гардеробщик и уборщица, находят забытую зрителями куклу Данте и разыгрывают сценку его полёта над раем (почти как «Полёт над городом» Шагала) с Беатриче. Немой метафоричный этюд о призвании человека разыгрывается на следующих друг за другом примерах из жизни известных личностей — Данте, Цоя, Пушкина и других. Символом миссии, данной им Богом, становится тоненький звон колокольчика на круглом ореоле над сценой. Спустив колокольчики к поворотному кругу, герои словно принимают своё предназначение: на заднике высвечиваются стихи Пушкина, Цой перебирает струны воображаемой гитары... Таким образом, в строгой системе небесного Рая, созданного Данте в поэме, режиссёры находят простор для размышлений о призвании человека, его проступках, обрекающих на мучения, или добродетелях, дарующих духовное спасение, но главное — о любви как могущественной и всеобъемлющей силе, возникающей не только к ближнему, но, например, к Родине или к Искусству.
Режиссёрские эскизы объединились в своеобразный сценический коллаж, к созданию которого подключились и зрители: на последнем, десятом небе «Рая» наравне с актёрами и другими участниками они по очереди приглашались к трибуне и читали строки из 33-й песни, завершающей поэму.
В финале «Божественной комедии» Данте оказывался в обители блаженных душ и Создателя, а зрители — на большой сцене театра, которая стала олицетворением наивысшей благодати: занавес открывался и темноту зрительного зала один за другим пронизывали лиловые лучи.
В Большом театре кукол завершилось путешествие длиною в три сезона по «Божественной комедии» Данте. О получившемся итоге пишет #Ангелина_Дядчук.
В конце сентября Большой театр кукол на три дня превратился в Рай: в рамках фестиваля «Крыша» был показан спектакль по мотивам третьей части «Божественной комедии».
Работа над поэмой Данте началась совместно с Центром развития режиссуры два сезона назад. Две кантики – «Ад» и «Чистилище» – уже были показаны на фестивалях БТК с символичными названиями «Фундамент» и «Стены». «Крыша» завершила театральную трилогию «Раем», в котором приняли участие семь режиссёров: Алексей Егоров, Алёна Волкова, Олег Пинжов, Анатолий Гущин, Марина Хомутова, Дарья Левингер, Дмитрий Скрябин. Каждый поставил по эпизоду.
Действие происходило во всём пространстве театра: от гардероба и фойе до большой сцены.
Как автор «Божественной комедии» Данте, зрители путешествовали по локациям, а вместо Вергилия их проводниками стали другие персонажи — райские птицы (их сыграли студенты мастерской Руслана Кудашова), которые к тому же разбивали эпизоды музыкальными выступлениями.
Спектакль состоял из разножанровых отрывков — вариаций на тему «Рая». Среди них пародийный этюд, главным героем которого стал Альберт Эйнштейн, с собственным двойником ищущий формулы спасения мира. Шуточный отрывок, персонажи которого, гардеробщик и уборщица, находят забытую зрителями куклу Данте и разыгрывают сценку его полёта над раем (почти как «Полёт над городом» Шагала) с Беатриче. Немой метафоричный этюд о призвании человека разыгрывается на следующих друг за другом примерах из жизни известных личностей — Данте, Цоя, Пушкина и других. Символом миссии, данной им Богом, становится тоненький звон колокольчика на круглом ореоле над сценой. Спустив колокольчики к поворотному кругу, герои словно принимают своё предназначение: на заднике высвечиваются стихи Пушкина, Цой перебирает струны воображаемой гитары... Таким образом, в строгой системе небесного Рая, созданного Данте в поэме, режиссёры находят простор для размышлений о призвании человека, его проступках, обрекающих на мучения, или добродетелях, дарующих духовное спасение, но главное — о любви как могущественной и всеобъемлющей силе, возникающей не только к ближнему, но, например, к Родине или к Искусству.
Режиссёрские эскизы объединились в своеобразный сценический коллаж, к созданию которого подключились и зрители: на последнем, десятом небе «Рая» наравне с актёрами и другими участниками они по очереди приглашались к трибуне и читали строки из 33-й песни, завершающей поэму.
В финале «Божественной комедии» Данте оказывался в обители блаженных душ и Создателя, а зрители — на большой сцене театра, которая стала олицетворением наивысшей благодати: занавес открывался и темноту зрительного зала один за другим пронизывали лиловые лучи.
👍21🕊9❤6🍓5👏4🔥2❤🔥1👎1 1
Весь сентябрь Александринский театр проводил показы зарубежных спектаклей из Индии, Китая и Венгрии, российских национальных театров, а также премьерных постановок нынешнего и предыдущего сезонов самой Александринки. Петербуржцам представили программу, в которую вошли как классические драмы по Ибсену и Горькому, так и экспериментальные постановки по Чехову и современным российским драматургам, а жанровый диапазон постановок раскинулся от библейской притчи и сказания о древнем китайском правителе до сайт-специфика в модных городских локациях.
О том, как прошёл XVI Международный театральный фестиваль «Александринский», пишет Анастасия Воронкова.
Из текста автора вы узнаете:
📌 о спектакле «Пер Гюнт» индийской компании Oxygen, в котором герой Ибсена пробуждается в белой комнате морга;
📌 о постановке «Чжан Цзюйчжэн» Пекинского народного художественного театра — притче о честности и порядке;
📌 о необычном «Дяде Ване», где актёры играют своих героев одновременно на двух языках — башкирском и марийском;
📌 о премьерах Александринки, объединённых темой человека, утратившего волю и смысл существования;
📌 о молодых режиссёрах лаборатории «Театр вне театра», осваивающих новые городские пространства Петербурга.
Читайте полный текст на нашем сайте.
О том, как прошёл XVI Международный театральный фестиваль «Александринский», пишет Анастасия Воронкова.
«Начало осени на фестивале “Александринский” — 2025 было красочным и ярким. Организаторы смогли создать разнообразную программу, в которой было место как традиционному театру, так и модному экспериментальному».
Из текста автора вы узнаете:
Читайте полный текст на нашем сайте.
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
👏23❤10🎉5👍3🕊3 3💘1
Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
В Барнауле зачитают рэп о полку Игореве ❤️ ❤️ ❤️
Такую премьеру — называется она «Слово о полку Игореве» — играют сегодня в Алтайском государственном театре кукол «Сказка».
Пожалуй, самой известной сценической интерпретацией памятника древнерусской литературы следует признать спектакль Кирилла Вытоптова в Театре на Бронной, вышедший ещё до пандемии. Ставят «Слово…», впрочем, регулярно и в самых разных форматах. При всём многообразии возможных ходов, глобально есть всего два пути — сгущение тьмы времён или, напротив, актуализация материала.
Какую дорогу избрали в барнаульском театре, понятно уже из имён создателей спектакля. Это Давид Саакян и Лев Киселёв, основатели московского «Рэп-театра». Попытки переложить «Слово» на биты в истории отечественного хип-хопа случались; впрочем, «Рэп-театр» с сугубо рэперским «движем» держит дистанцию, заимствуя форму, но не бэкграунд. Тексты сочинил Лев Киселёв; за основу взяты несколько переводов «Слова», прежде всего — перевод Дмитрия Лихачёва (1950). Давид Саакян отвечает за постановку — в его трактовке на первый план вышел личный «квест» князя Игоря. Как сформулировал сам режиссёр в рамках встречи со зрителями накануне премьеры, спектакль получился
Основное действие постановки разворачивается «на живом плане», наши современники, читающие «Слово о полку Игореве», предстают в кукольном обличье.
👉 Подробнее о предстоящей премьере читайте на сайте «Театрального журнала».
Видео: соцсети театра
Такую премьеру — называется она «Слово о полку Игореве» — играют сегодня в Алтайском государственном театре кукол «Сказка».
Пожалуй, самой известной сценической интерпретацией памятника древнерусской литературы следует признать спектакль Кирилла Вытоптова в Театре на Бронной, вышедший ещё до пандемии. Ставят «Слово…», впрочем, регулярно и в самых разных форматах. При всём многообразии возможных ходов, глобально есть всего два пути — сгущение тьмы времён или, напротив, актуализация материала.
Какую дорогу избрали в барнаульском театре, понятно уже из имён создателей спектакля. Это Давид Саакян и Лев Киселёв, основатели московского «Рэп-театра». Попытки переложить «Слово» на биты в истории отечественного хип-хопа случались; впрочем, «Рэп-театр» с сугубо рэперским «движем» держит дистанцию, заимствуя форму, но не бэкграунд. Тексты сочинил Лев Киселёв; за основу взяты несколько переводов «Слова», прежде всего — перевод Дмитрия Лихачёва (1950). Давид Саакян отвечает за постановку — в его трактовке на первый план вышел личный «квест» князя Игоря. Как сформулировал сам режиссёр в рамках встречи со зрителями накануне премьеры, спектакль получился
«про необходимость жить дружно. Да, Игорь сотворил нелепость: сгоряча разгромил маленький отряд половцев, стремясь покрыть себя славой, и всё это имело тяжёлые последствия. Отсюда можно сделать вывод: даже если вы совершили ошибку и поступили опрометчиво, всегда есть шанс её исправить».
Основное действие постановки разворачивается «на живом плане», наши современники, читающие «Слово о полку Игореве», предстают в кукольном обличье.
Видео: соцсети театра
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
🍓26❤9👍5👏3🤡1 1
Большой детский фестиваль продолжает показывать в Москве и Петербурге занятные спектакли для детей со всей страны. На сцене Губернского театра #Екатерина_Данилова посмотрела «Ученика колдуна» — спектакль Антона Калипанова и Ольги Шайдуллиной:
«”Ученик колдуна” Липецкого театра драмы им. Л. Н. Толстого поставлен по книге Отфрида Пройслера “Крабат, или Легенды старой мельницы”. Драматург Екатерина Тимофеева сочиняет на её основе собственную пьесу, усиливая отдельные мотивы. Если в повести попадание главного героя Крабата на заколдованную мельницу кажется началом волшебной сказки (мальчика заманивают голоса, услышанные им во сне), то в спектакле яснее звучит социальный мотив: Крабат (Даниил Кобзев) прямо говорит друзьям, что вырваться из нищеты можно только трудом и что он готов на любую работу. В ответ мальчишки спрашивают его: а что если за заработок нужно будет продать свою свободу? На это герой отвечает с пылом, свойственным юности: свободу, мол, на хлеб не намажешь. Жаль, что развенчание именно этой иллюзии не прозвучит в спектакле так же чётко. Впрочем, он всё равно получился историей о том, что страх перед злом побеждают любовь, дружба и чистые намерения. И что путь, который герой проходит с достоинством, в конце всегда дарует ему награду.
Спектакль выглядит загадочно и даже мрачно. Сцена задёрнута прозрачным занавесом, на который проецируются лес и всякие диковинные чудеса, вроде летающих рыб. За занавесом — зловещая конструкция сложной формы, которая подобно избушке Бабы-Яги поворачивается то одной, то другой стороной. Это мельница, на которой живёт чародей, Мастер. Играющий его Андрей Литвинов похож на шпиона: на нём добротное пальто дорогого оттенка «кэмел» и надвинутая на глаза шляпа — лица мы не увидим ни разу. Есть у Мастера Двойник — жуткое существо с прекрасно поставленной изломанной пластикой (результат работы Ксении Малининой). На голове Двойника (роль исполняет Дмитрий Лазукин) — что-то вроде шлема Пирамидоголового из компьютерной игры Silent Hill. В общем, жуть. Подмастерьев — учеников Мастера — актёры играют при помощи кукол (их автор — Татьяна Мельникова) с бледными, словно обсыпанными мукой лицами, похожими на по-разному слипшиеся пельмени, в которых от большого воображения начинаешь различать человеческие черты. Ну или на лица с «Похорон сардинки» Франсиско Гойи. Каждый, кто попадает на мельницу, становится таким. Стал таким и Крабат. Однажды он встречает в лесу неизвестную ему Певунью (Камилла Штейнгауэр) и только благодаря её любви спасается из рабства (а с ним и остальные). Спектакль заканчивается криками “Мы свободны!”, под которые герои выбегают в зажёгшийся светом зал, вовлекая в свою радость зрителей. И зрители вовлекаются.
Думают ли они, что любви-то ведь могло и не случиться? И что свободу (как и честь) всё же стоит беречь смолоду?..»
Большой Детский фестиваль проводится с 2018 года под художественным руководством народного артиста Российской Федерации Сергея Безрукова при поддержке Президентского фонда культурных инициатив и Министерства культуры Российской Федерации.
«”Ученик колдуна” Липецкого театра драмы им. Л. Н. Толстого поставлен по книге Отфрида Пройслера “Крабат, или Легенды старой мельницы”. Драматург Екатерина Тимофеева сочиняет на её основе собственную пьесу, усиливая отдельные мотивы. Если в повести попадание главного героя Крабата на заколдованную мельницу кажется началом волшебной сказки (мальчика заманивают голоса, услышанные им во сне), то в спектакле яснее звучит социальный мотив: Крабат (Даниил Кобзев) прямо говорит друзьям, что вырваться из нищеты можно только трудом и что он готов на любую работу. В ответ мальчишки спрашивают его: а что если за заработок нужно будет продать свою свободу? На это герой отвечает с пылом, свойственным юности: свободу, мол, на хлеб не намажешь. Жаль, что развенчание именно этой иллюзии не прозвучит в спектакле так же чётко. Впрочем, он всё равно получился историей о том, что страх перед злом побеждают любовь, дружба и чистые намерения. И что путь, который герой проходит с достоинством, в конце всегда дарует ему награду.
Спектакль выглядит загадочно и даже мрачно. Сцена задёрнута прозрачным занавесом, на который проецируются лес и всякие диковинные чудеса, вроде летающих рыб. За занавесом — зловещая конструкция сложной формы, которая подобно избушке Бабы-Яги поворачивается то одной, то другой стороной. Это мельница, на которой живёт чародей, Мастер. Играющий его Андрей Литвинов похож на шпиона: на нём добротное пальто дорогого оттенка «кэмел» и надвинутая на глаза шляпа — лица мы не увидим ни разу. Есть у Мастера Двойник — жуткое существо с прекрасно поставленной изломанной пластикой (результат работы Ксении Малининой). На голове Двойника (роль исполняет Дмитрий Лазукин) — что-то вроде шлема Пирамидоголового из компьютерной игры Silent Hill. В общем, жуть. Подмастерьев — учеников Мастера — актёры играют при помощи кукол (их автор — Татьяна Мельникова) с бледными, словно обсыпанными мукой лицами, похожими на по-разному слипшиеся пельмени, в которых от большого воображения начинаешь различать человеческие черты. Ну или на лица с «Похорон сардинки» Франсиско Гойи. Каждый, кто попадает на мельницу, становится таким. Стал таким и Крабат. Однажды он встречает в лесу неизвестную ему Певунью (Камилла Штейнгауэр) и только благодаря её любви спасается из рабства (а с ним и остальные). Спектакль заканчивается криками “Мы свободны!”, под которые герои выбегают в зажёгшийся светом зал, вовлекая в свою радость зрителей. И зрители вовлекаются.
Думают ли они, что любви-то ведь могло и не случиться? И что свободу (как и честь) всё же стоит беречь смолоду?..»
Большой Детский фестиваль проводится с 2018 года под художественным руководством народного артиста Российской Федерации Сергея Безрукова при поддержке Президентского фонда культурных инициатив и Министерства культуры Российской Федерации.
🔥20🎉8🕊7❤5👏4👍2 2
«Мастерская Петра Фоменко» зажигает рассвет над Килиманджаро ❤️ ❤️ ❤️
Сегодня, 31 октября, состоится премьера спектакля «Старик и море». Играть Хемингуэя будут в камерном формате, в самом малом из пространств театра (если не считать лестниц и фойе, где периодически тоже случаются спектакли) — Сером зале на 112 человек.
С этой постановкой на сцене «Мастерской» дебютирует Иван Шалаев, выпускник режиссёрской мастерской Юрия Бутусова в ГИТИСе. Премьеру готовили долго. Изначально её предполагалось выпустить в прошлом сезоне; по свидетельству худрука театра Евгения Каменьковича, «Старик и море» пережил три редакции, каждая из которых фундаментально отличалась от предыдущей. Жанровое определение — «Пробы и ошибки», что вписывает спектакль в традицию «Мастерской» (Пётр Наумович устраивал со своими актёрами «Вечера проб и ошибок», из которых порой вырастали полноценные репертуарные работы).
Рассказывая о своей работе над постановкой, Иван Шалаев вспоминает об уроках Юрия Бутусова — и прежде всего, о подходе мастера к сочинению пространства, «воспитанию глаза». Молодой режиссёр занял на курсе «нишу человека, который ставит фонари» — и именно свету отведена ключевая роль в спектакле «Старик и море».
— говорит Иван Шалаев.
🏰 О том, почему режиссёр сравнивает с судьбой героя своей предыдущей работы — шекспировского Просперо, читайте на сайте «Театрального журнала».
Сегодня, 31 октября, состоится премьера спектакля «Старик и море». Играть Хемингуэя будут в камерном формате, в самом малом из пространств театра (если не считать лестниц и фойе, где периодически тоже случаются спектакли) — Сером зале на 112 человек.
С этой постановкой на сцене «Мастерской» дебютирует Иван Шалаев, выпускник режиссёрской мастерской Юрия Бутусова в ГИТИСе. Премьеру готовили долго. Изначально её предполагалось выпустить в прошлом сезоне; по свидетельству худрука театра Евгения Каменьковича, «Старик и море» пережил три редакции, каждая из которых фундаментально отличалась от предыдущей. Жанровое определение — «Пробы и ошибки», что вписывает спектакль в традицию «Мастерской» (Пётр Наумович устраивал со своими актёрами «Вечера проб и ошибок», из которых порой вырастали полноценные репертуарные работы).
Рассказывая о своей работе над постановкой, Иван Шалаев вспоминает об уроках Юрия Бутусова — и прежде всего, о подходе мастера к сочинению пространства, «воспитанию глаза». Молодой режиссёр занял на курсе «нишу человека, который ставит фонари» — и именно свету отведена ключевая роль в спектакле «Старик и море».
«Свет иногда может сказать больше, чем декорация, потому что свет — это воздух, который меняет пространство, он многогранен, может дышать, быть ритмом. В нашей истории это особенно важно, поскольку мы идём через минимализм — пустое пространство и человечек, накрепко привязанный к чему-то неизмеримому. Свет, к которому мы стремимся в этой истории — закат и рассвет над Килиманджаро, момент, когда мир ещё велик и прекрасен, когда всё ещё возможно»,
— говорит Иван Шалаев.
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
🕊20❤14👏5🎉4🍓3🤗2💘2 1
«Добро — очень двусмысленное понятие» 😀 😀 😀
Героем нового выпуска подкаста «Упражнения в прекрасном» стал режиссёр спектакля «Белый пароход» в Чёрной комнате РАМТа — Юрий Печенежский.
Сюжет повести Чингиза Айтматова, казалось бы, публике давно известен, да и от текста авторы не отходят, но не прочувствовать эту суровую и прекрасную историю невозможно. Спектакль возвращает зрителя к вечным темам — вере, жестокости, поиску добра и света в человеке.
В беседе с Софией Подопросветовой режиссёр рассказывает:
👉 как он пришёл к этому материалу и почему именно «Белый пароход»;
👉 как выстраивалась работа над спектаклем;
👉 где искать свет если кругом сплошная тьма;
👉 и почему слово «добро» звучит для Юрия Печенежского двусмысленно.
Новый выпуск подкаста «Упражнения в прекрасном» уже можно послушать на нашем сайте и других площадках:
➡️ Саундстрим
➡️ Apple Podcasts
➡️ ВК
➡️ MAVE
➡️ Яндекс.Музыка
Героем нового выпуска подкаста «Упражнения в прекрасном» стал режиссёр спектакля «Белый пароход» в Чёрной комнате РАМТа — Юрий Печенежский.
Сюжет повести Чингиза Айтматова, казалось бы, публике давно известен, да и от текста авторы не отходят, но не прочувствовать эту суровую и прекрасную историю невозможно. Спектакль возвращает зрителя к вечным темам — вере, жестокости, поиску добра и света в человеке.
В беседе с Софией Подопросветовой режиссёр рассказывает:
Новый выпуск подкаста «Упражнения в прекрасном» уже можно послушать на нашем сайте и других площадках:
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
👏18❤10👍7🎉4🕊3🍓2 1
