«Концерт для фортепиано с оркестром ля минор» к юбилею Роберта Шумана
Роберт Шуман был музыкантом с тонкой душевной организацией. Он не стал выдающимся пианистом из-за травмы пальца, однако именно это позволило раскрыться его композиторскому дару. Музыка Шумана освещает глубинные оттенки и интонации человеческого сердца. Мало кто из композиторов-романтиков мог сравниться с его чуткостью к нюансам души, звучание которых он передавал в произведениях. «Без энтузиазма в искусстве не создается ничего настоящего» — в этих словах раскрывается сущность его творчества. Будучи внимательным к миру художником, он не мог не откликнуться на события эпохи революций и национально-освободительных войн, потрясавших Европу в первой половине XIX века.
Современники воспринимали его творчество как загадку. Непривычными для публики были новые образы, формы, музыкальный язык, требовавшие от слушателя понимания и эмоционального напряжения. Ни у кого, кроме Шопена, не было такой страстности и богатства нюансов. Благодаря Шуману впервые в инструментальной музыке появились выразительные портреты, зарисовки, сцены. Он писал: «Меня волнует всё, что происходит на белом свете — политика, литература, люди; обо всём этом я раздумываю на свой лад, и затем всё это просится наружу, выливается в музыке».
Всё самое характерное — «шумановская» новизна мышления, оригинальный язык, изменчивость настроений, причудливые образы, возникающие через мелодию, гармонию и гибкий ритм — особенно выразилось в его фортепианной музыке и получило развитие в вокальной лирике.
К 215-летию Роберта Шумана предлагаем послушать его «Концерт для фортепиано с оркестром ля минор, Op. 54» из «Фонотеки» музея.
Это произведение, завершённое в 1845 году, стало одним из самых известных фортепианных концертов эпохи романтизма.
Концерт состоит из трёх частей. Первая — Allegro affettuoso — представляет фортепиано величественной и эмоциональной темой, создавая основу для мастерства пианиста и напряжённого музыкального диалога с оркестром. Вторая — Intermezzo: Andantino grazioso — лирическая и интроспективная, воплощает суть романтического выражения. Фортепиано вступает в беседу с оркестром, создавая палитру эмоций от самоанализа до страсти. Третья — Allegro vivace — яркий финал, излучающий энергию и техническое великолепие. Фортепиано и оркестр ведут захватывающий диалог с арпеджио, блестящими партиями и сияющими темами, создавая ощущение триумфального завершения.
Концерт требует от солиста мастерства, но виртуозность не главное. Даже каденция в первой части лишена внешней эффектности. Симфоническое развитие и сосредоточенность высказывания ставят концерт Шумана особняком среди романтических образцов жанра.
Шуман хотел создать концерт ещё в молодости, готовясь стать пианистом. Но в то время концерт предполагал блеск и выразительность, а раннему Шуману это было не близко. Его драматизм имел иное отношение к звуку и мелодии. Он это понимал. Лишь к 1840-м годам, создав три сонаты и симфонию, он смог воплотить свою мечту.
Премьера состоялась 4 декабря 1845 года в Дрездене. С тех пор Концерт для фортепиано с оркестром ля минор стал одним из самых часто исполняемых и записываемых фортепианных концертов романтизма.
Роберт Шуман был музыкантом с тонкой душевной организацией. Он не стал выдающимся пианистом из-за травмы пальца, однако именно это позволило раскрыться его композиторскому дару. Музыка Шумана освещает глубинные оттенки и интонации человеческого сердца. Мало кто из композиторов-романтиков мог сравниться с его чуткостью к нюансам души, звучание которых он передавал в произведениях. «Без энтузиазма в искусстве не создается ничего настоящего» — в этих словах раскрывается сущность его творчества. Будучи внимательным к миру художником, он не мог не откликнуться на события эпохи революций и национально-освободительных войн, потрясавших Европу в первой половине XIX века.
Современники воспринимали его творчество как загадку. Непривычными для публики были новые образы, формы, музыкальный язык, требовавшие от слушателя понимания и эмоционального напряжения. Ни у кого, кроме Шопена, не было такой страстности и богатства нюансов. Благодаря Шуману впервые в инструментальной музыке появились выразительные портреты, зарисовки, сцены. Он писал: «Меня волнует всё, что происходит на белом свете — политика, литература, люди; обо всём этом я раздумываю на свой лад, и затем всё это просится наружу, выливается в музыке».
Всё самое характерное — «шумановская» новизна мышления, оригинальный язык, изменчивость настроений, причудливые образы, возникающие через мелодию, гармонию и гибкий ритм — особенно выразилось в его фортепианной музыке и получило развитие в вокальной лирике.
К 215-летию Роберта Шумана предлагаем послушать его «Концерт для фортепиано с оркестром ля минор, Op. 54» из «Фонотеки» музея.
Это произведение, завершённое в 1845 году, стало одним из самых известных фортепианных концертов эпохи романтизма.
Концерт состоит из трёх частей. Первая — Allegro affettuoso — представляет фортепиано величественной и эмоциональной темой, создавая основу для мастерства пианиста и напряжённого музыкального диалога с оркестром. Вторая — Intermezzo: Andantino grazioso — лирическая и интроспективная, воплощает суть романтического выражения. Фортепиано вступает в беседу с оркестром, создавая палитру эмоций от самоанализа до страсти. Третья — Allegro vivace — яркий финал, излучающий энергию и техническое великолепие. Фортепиано и оркестр ведут захватывающий диалог с арпеджио, блестящими партиями и сияющими темами, создавая ощущение триумфального завершения.
Концерт требует от солиста мастерства, но виртуозность не главное. Даже каденция в первой части лишена внешней эффектности. Симфоническое развитие и сосредоточенность высказывания ставят концерт Шумана особняком среди романтических образцов жанра.
Шуман хотел создать концерт ещё в молодости, готовясь стать пианистом. Но в то время концерт предполагал блеск и выразительность, а раннему Шуману это было не близко. Его драматизм имел иное отношение к звуку и мелодии. Он это понимал. Лишь к 1840-м годам, создав три сонаты и симфонию, он смог воплотить свою мечту.
Премьера состоялась 4 декабря 1845 года в Дрездене. С тех пор Концерт для фортепиано с оркестром ля минор стал одним из самых часто исполняемых и записываемых фортепианных концертов романтизма.
«Летние радости и надежды». Сборник мелодий
Вот и наступило долгожданное лето с ярким солнцем и лазурным небом, зеленой травой и веселым щебетом птиц, свежим ветром и ароматом цветов. Это время года, которое ассоциируется с отличным настроением и радостными эмоциями, с увлекательными путешествиями и новыми приключениями.
Июнь, первый летний месяц, дарит нам ощущение беззаботности, веру в лучшее и ожидание счастья. Нам кажется, что и день бесконечный, и жизнь бесконечна…
Традиционно, в этот чудесный летний день, мы представляем вам новую музыкальную подборку мелодий, наполненных светом, теплом и любовью.
Искренне надеемся, что этот музыкальный альбом станет признанием в любви. Для всех нас. В любви к друг другу, к дому и городу, к большому и малому, к каждому дню и моменту нашей жизни.
https://mus-col.com/music-library/groups.php?section=6732
Вот и наступило долгожданное лето с ярким солнцем и лазурным небом, зеленой травой и веселым щебетом птиц, свежим ветром и ароматом цветов. Это время года, которое ассоциируется с отличным настроением и радостными эмоциями, с увлекательными путешествиями и новыми приключениями.
Июнь, первый летний месяц, дарит нам ощущение беззаботности, веру в лучшее и ожидание счастья. Нам кажется, что и день бесконечный, и жизнь бесконечна…
Традиционно, в этот чудесный летний день, мы представляем вам новую музыкальную подборку мелодий, наполненных светом, теплом и любовью.
Искренне надеемся, что этот музыкальный альбом станет признанием в любви. Для всех нас. В любви к друг другу, к дому и городу, к большому и малому, к каждому дню и моменту нашей жизни.
https://mus-col.com/music-library/groups.php?section=6732
К 160-летию со дня премьеры. Фрагменты из оперы «Тристан и Изольда»
Премьера оперы Рихарда Вагнера «Тристан и Изольда» (нем. ‘Tristan und Isolde’) состоялась в Придворном театре Мюнхена 10 июня 1865 г., под управлением Г. фон Бюлова.
Следующие постановки: Мюнхен (1869, 1872); Веймар (1874); Берлин (1876, под управлением Р. Вагнера). Опера была поставлена в Лондоне и Вене. После смерти композитора состоялось ее исполнение под управлением Феликса Мотля (нем. Felix Mottl) в Байройте. В России опера «Тристан и Изольда» была впервые исполнена под управлением Юлиуса Прювера (Julius Prüwer) на гастролях немецкой труппы Георга Парадиза (Georg Paradies) в Петербурге в 1898 году. Первая русская состоялась в Петербурге, в Мариинском театре в 1899 году, под управлением Феликса Блуменфельда (Фелия Литвин – Изольда, Иван Ершов – Тристан).
Легенда о Тристане и Изольде имеет кельтское происхождение – она пришла из Ирландии и приобрела большую популярность в странах средневековой Европы. На протяжении нескольких веков легенда трансформировалась, и к XII веку воплотилась в франко-бретонский литературный роман, затем претерпела множество литературных обработок и трансформаций, обросла подробностями и деталями; появлялись романы известных писателей, но смысл легенды оставался неизменным – любовь сильнее смерти.
Тем не менее, Вагнер истолковал легенду иначе – он создал поэму о мучительной всепоглощающей страсти, которая оказалась сильнее рассудка, родственных обязательств и чувства долга. В соответствии с замыслом композитора опера отмечена единством драматического выражения, огромным напряжением и трагическим накалом чувств.
С легендой о Тристане и Изольде Вагнер познакомился еще в 1840-х годах, замысел оперы возник к осени 1854 года, а к августу 1857 года композитор в едином порыве написал текст либретто всего за 3 недели, ради чего даже прервал работу над тетралогией «Кольцо нибелунга». Далее Вагнер приступил к сочинению музыки и завершил оперу к 1859 году. Премьера состоялась в Мюнхене 10 июня 1865 года.
Рихард Вагнер считал оперу «Тристан и Изольда» лучшим и любимым своим сочинением, ведь создание оперы было связано также с эпизодом из биографии композитора, когда он был влюблен в немецкую поэтессу Матильду Везендонк (нем. Agnes Mathilde Wesendonck). Он назвал оперу «Тристан и Изольда» памятником своей неразделенной любви.
В этой опере мир впервые познакомился с музыкальной драмой, в которой главная роль принадлежит оркестру. Посредством разработанной системы лейтмотивов, композитор комментирует каждый психологический и драматический ход в развитии сюжета. Здесь Вагнер осуществил свою идею «бесконечной мелодии», создав совершенно особый стиль арий, дуэтов, квартетов. Это вызвало ожесточенную критику, не утихшую до сегодняшнего времени.
В музыкальной подборке к юбилею со дня премьеры – фрагменты из оперы «Тристан и Изольда», записанные с граммофонных пластинок из Библиотеки звука музея «Собрание».
https://mus-col.com/music-library/groups.php?section=3765
Премьера оперы Рихарда Вагнера «Тристан и Изольда» (нем. ‘Tristan und Isolde’) состоялась в Придворном театре Мюнхена 10 июня 1865 г., под управлением Г. фон Бюлова.
Следующие постановки: Мюнхен (1869, 1872); Веймар (1874); Берлин (1876, под управлением Р. Вагнера). Опера была поставлена в Лондоне и Вене. После смерти композитора состоялось ее исполнение под управлением Феликса Мотля (нем. Felix Mottl) в Байройте. В России опера «Тристан и Изольда» была впервые исполнена под управлением Юлиуса Прювера (Julius Prüwer) на гастролях немецкой труппы Георга Парадиза (Georg Paradies) в Петербурге в 1898 году. Первая русская состоялась в Петербурге, в Мариинском театре в 1899 году, под управлением Феликса Блуменфельда (Фелия Литвин – Изольда, Иван Ершов – Тристан).
Легенда о Тристане и Изольде имеет кельтское происхождение – она пришла из Ирландии и приобрела большую популярность в странах средневековой Европы. На протяжении нескольких веков легенда трансформировалась, и к XII веку воплотилась в франко-бретонский литературный роман, затем претерпела множество литературных обработок и трансформаций, обросла подробностями и деталями; появлялись романы известных писателей, но смысл легенды оставался неизменным – любовь сильнее смерти.
Тем не менее, Вагнер истолковал легенду иначе – он создал поэму о мучительной всепоглощающей страсти, которая оказалась сильнее рассудка, родственных обязательств и чувства долга. В соответствии с замыслом композитора опера отмечена единством драматического выражения, огромным напряжением и трагическим накалом чувств.
С легендой о Тристане и Изольде Вагнер познакомился еще в 1840-х годах, замысел оперы возник к осени 1854 года, а к августу 1857 года композитор в едином порыве написал текст либретто всего за 3 недели, ради чего даже прервал работу над тетралогией «Кольцо нибелунга». Далее Вагнер приступил к сочинению музыки и завершил оперу к 1859 году. Премьера состоялась в Мюнхене 10 июня 1865 года.
Рихард Вагнер считал оперу «Тристан и Изольда» лучшим и любимым своим сочинением, ведь создание оперы было связано также с эпизодом из биографии композитора, когда он был влюблен в немецкую поэтессу Матильду Везендонк (нем. Agnes Mathilde Wesendonck). Он назвал оперу «Тристан и Изольда» памятником своей неразделенной любви.
В этой опере мир впервые познакомился с музыкальной драмой, в которой главная роль принадлежит оркестру. Посредством разработанной системы лейтмотивов, композитор комментирует каждый психологический и драматический ход в развитии сюжета. Здесь Вагнер осуществил свою идею «бесконечной мелодии», создав совершенно особый стиль арий, дуэтов, квартетов. Это вызвало ожесточенную критику, не утихшую до сегодняшнего времени.
В музыкальной подборке к юбилею со дня премьеры – фрагменты из оперы «Тристан и Изольда», записанные с граммофонных пластинок из Библиотеки звука музея «Собрание».
https://mus-col.com/music-library/groups.php?section=3765
Жемчуг – один из камней талисманов июня
Наша очередная публикация в рубрике «Камень талисман месяца» – об июньском жемчуге, который занимает и, несомненно, всегда будет занимать особое положение среди драгоценных камней. На протяжении всей своей долгой и славной истории он высоко ценился на серебристый цвет, который не нуждается ни в каком улучшении со стороны мастера. До XV века, пока не был изобретен способ шлифовки и огранки алмазов, то есть, до момента появления бриллиантов, жемчуг был самым дорогим, неизменно первым из известных тогда драгоценных камней. Строго говоря, камнем жемчуг не является. Нежный перламутровый блеск, удивительная энергетика манящих глубинных вод и органическое происхождение делают жемчуг уникальным ювелирным минералоидом животного происхождения. Жемчуг был известен людям с древности. Сохранились упоминания о жемчуге и украшениях из него в индийских Ведах и на глиняных табличках, найденных при раскопках в Персии. Есть исторические записи, свидетельствующие о том, что жители Древнего Вавилона занимались ловлей жемчуга в Персидском заливе 2700 лет назад! В наши дни жемчуг добывают у островов Индонезии, у берегов Индии и Панамы, в прибрежных водах Шри-Ланки, в Мексике, в Австралии, у Багамских островов и у берегов Калифорнии, а также в Персидском заливе и на Таити.
Жемчуг – одно из первых украшений, использовавшихся человеком. Древние греки считали его застывшими слезами прекрасной морской нимфы, славяне – отражением молнии, а китайцы – окаменевшим лунным светом.
Сегодня при слове «жемчуг» мы, в первую очередь, вспоминаем о жемчужных бусах Коко Шанель, о лаконичной нитке жемчуга в стиле Грейс Келли, о благородных сережках-пусетах. И редко вспоминаем (а то и вовсе не знаем) о том, что вышивка жемчугом была на Руси необычайно популярным видом рукоделия, в котором русские мастерицы достигли невиданных высот! Наши северные реки были так богаты жемчугом, что – как бы невероятно это ни звучало, роскошные, полностью расшитые жемчугом праздничные наряды могли позволить себе даже обычные крестьянки. К XVII веку ресурсы речного жемчуга практически истощились.
На протяжении многих веков высококачественные жемчужины стоили очень дорого. Однако, с приходом на рынки в 1920-е годы культивированного жемчуга, этому ценовому доминированию был положен конец. Изобретение и внедрение успешных технологий культивирования жемчуга связывают с именем Кокити Микимото (Kokichi Mikimoto; 1858-1954).
Во многих культурах жемчуг считается самым «женственным» из всех камней – он покровительствует деторождению, а еще помогает развить качества, которые традиционно считаются женскими, а именно эмоциональность, нежность и интуицию.
Астрологи считают, что украшения и декоративные предметы с жемчужинами любых форм, цветов и размеров будут идеально взаимодействовать с людьми, рожденными под знаком Рака.
Новый тематический фотоальбом «Жемчуг – один из камней талисманов июня» представлен в Фотогалерее музея.
Жемчужину называют королевой драгоценностей и она очаровывает людей на протяжении тысячелетий. Чем больше мы погружаемся в историю жемчуга, тем очевиднее становится его уникальность. Эти драгоценные камни не только вплетены в вековую историю человечества, но и продолжают оставаться одним из самых популярных драгоценных камней сегодня.
Наша очередная публикация в рубрике «Камень талисман месяца» – об июньском жемчуге, который занимает и, несомненно, всегда будет занимать особое положение среди драгоценных камней. На протяжении всей своей долгой и славной истории он высоко ценился на серебристый цвет, который не нуждается ни в каком улучшении со стороны мастера. До XV века, пока не был изобретен способ шлифовки и огранки алмазов, то есть, до момента появления бриллиантов, жемчуг был самым дорогим, неизменно первым из известных тогда драгоценных камней. Строго говоря, камнем жемчуг не является. Нежный перламутровый блеск, удивительная энергетика манящих глубинных вод и органическое происхождение делают жемчуг уникальным ювелирным минералоидом животного происхождения. Жемчуг был известен людям с древности. Сохранились упоминания о жемчуге и украшениях из него в индийских Ведах и на глиняных табличках, найденных при раскопках в Персии. Есть исторические записи, свидетельствующие о том, что жители Древнего Вавилона занимались ловлей жемчуга в Персидском заливе 2700 лет назад! В наши дни жемчуг добывают у островов Индонезии, у берегов Индии и Панамы, в прибрежных водах Шри-Ланки, в Мексике, в Австралии, у Багамских островов и у берегов Калифорнии, а также в Персидском заливе и на Таити.
Жемчуг – одно из первых украшений, использовавшихся человеком. Древние греки считали его застывшими слезами прекрасной морской нимфы, славяне – отражением молнии, а китайцы – окаменевшим лунным светом.
Сегодня при слове «жемчуг» мы, в первую очередь, вспоминаем о жемчужных бусах Коко Шанель, о лаконичной нитке жемчуга в стиле Грейс Келли, о благородных сережках-пусетах. И редко вспоминаем (а то и вовсе не знаем) о том, что вышивка жемчугом была на Руси необычайно популярным видом рукоделия, в котором русские мастерицы достигли невиданных высот! Наши северные реки были так богаты жемчугом, что – как бы невероятно это ни звучало, роскошные, полностью расшитые жемчугом праздничные наряды могли позволить себе даже обычные крестьянки. К XVII веку ресурсы речного жемчуга практически истощились.
На протяжении многих веков высококачественные жемчужины стоили очень дорого. Однако, с приходом на рынки в 1920-е годы культивированного жемчуга, этому ценовому доминированию был положен конец. Изобретение и внедрение успешных технологий культивирования жемчуга связывают с именем Кокити Микимото (Kokichi Mikimoto; 1858-1954).
Во многих культурах жемчуг считается самым «женственным» из всех камней – он покровительствует деторождению, а еще помогает развить качества, которые традиционно считаются женскими, а именно эмоциональность, нежность и интуицию.
Астрологи считают, что украшения и декоративные предметы с жемчужинами любых форм, цветов и размеров будут идеально взаимодействовать с людьми, рожденными под знаком Рака.
Новый тематический фотоальбом «Жемчуг – один из камней талисманов июня» представлен в Фотогалерее музея.
Жемчужину называют королевой драгоценностей и она очаровывает людей на протяжении тысячелетий. Чем больше мы погружаемся в историю жемчуга, тем очевиднее становится его уникальность. Эти драгоценные камни не только вплетены в вековую историю человечества, но и продолжают оставаться одним из самых популярных драгоценных камней сегодня.
Уважаемые подписчики!
В нашей группе ВКонтакте появился новый формат — подкаст, где публикуются аудиофайлы из рубрики «Аудио рассказы» музея «Собрание».
Теперь вы можете в удобное время слушать рассказы о выдающихся личностях, уникальных экспонатах и важных событиях из истории музея. Аудиозаписи доступны в специальном разделе «Подкасты» на нашей странице ВКонтакте.
Приглашаем вас открыть для себя музей «Собрание» в новом звучании — через голос, музыку и атмосферу прошлого.
https://vk.com/podcasts-56618003
В нашей группе ВКонтакте появился новый формат — подкаст, где публикуются аудиофайлы из рубрики «Аудио рассказы» музея «Собрание».
Теперь вы можете в удобное время слушать рассказы о выдающихся личностях, уникальных экспонатах и важных событиях из истории музея. Аудиозаписи доступны в специальном разделе «Подкасты» на нашей странице ВКонтакте.
Приглашаем вас открыть для себя музей «Собрание» в новом звучании — через голос, музыку и атмосферу прошлого.
https://vk.com/podcasts-56618003
Экспонат в деталях: Автоматон «Клоун-жонглёр»
Сегодня, во Всемирный день жонглирования», в нашей традиционной рубрике «Экспонат в деталях» представляем предмет из раздела коллекции «Занимательные автоматы» – автоматон «Клоун-жонглер», изготовленный в Париже около 1988 года компанией Roullet & Decamps.
Автоматон представляет собой фигуру клоуна-жонглёра, которая установлена на верхней панели деревянной прямоугольной подставки. На голове клоуна – красное кольцо, зеленый шарик с расположенными один над другим четырьмя кольцами желтого и красного цвета, на носу – шарик красного цвета. Жонглёр одет в куртку из шотландской ткани в красную и синюю клетку с подкладкой, воротником и манжетами из красной фланели, блузу с красными и белыми полосками, бесформенные, слишком длинные и широкие брюки в желто-коричневую клетку, которые держатся на зеленых подтяжках. На шее завязан большой бант с разноцветным рисунком. На ногах – коричневые ботинки с длинными закругленными носами и шнурками красного цвета. Руки клоуна согнуты в локтях, приподняты и разведены в стороны.
Управляющий механизм с электрическим приводом, смонтирован в подставке. Задняя панель с пятью круглыми отверстиями. С нижней стороны выходит черный шнур с двухполюсной вилкой для подключения к сети переменного тока 220 в.
При подключении механизма, клоун, балансируя, двигает торсом и головой, кольца вращаются, все действия повторяются несколько раз.
Голова и руки из бисквита и резные деревянные туфли клоуна изготовлены компанией Maison "Filopat" (создателями кукол из проволоки и пробки).
В этом году Всемирный день жонглирования (World Juggling Day) отмечается 14 июня – в субботу, ближайшую к 17 июня. Праздник неофициальный, он отмечается в кругу профессионалов и любителей этого жанра циркового искусства. Праздник приурочен к дате основания Международной ассоциации жонглеров, которая была учреждена 17 июня 1947 года в Соединенных Штатах на съезде Международного братства фокусников в городе Питтсбург, штат Пенсильвания. Основной целью ассоциации жонглёров было объединение профессиональных жонглеров из разных стран мира. В 1995 году праздник приобрел статус Всемирного.
Взлетающие в воздух булавы, тарелки, кольца и мячики, которые подхватывает артист на арене – один из самых популярных цирковых номеров. Мастерское манипулирование предметами относится к древнейшим искусствам. Изображения жонглеров есть на древнеегипетских наскальных рисунках, датирующихся II тыс. до н.э. Древнегреческий историк Ксенофонт (Xenophon of Athens) писал о сиракузской танцовщице, жонглирующей 12 обручами, а китаец Лан Цзы умел обращаться с семью мечами одновременно. Предмет жонглирования храбрый китайский воин выбрал, конечно, не случайно. В трудах, написанных в 770−476 годах до нашей эры, рассказывается, как перед битвой китайцы показывали врагу свое искусство жонглировать оружием, тем самым прекращая конфликт еще до его начала.
До определённого момента жонглёры демонстрировали свое мастерство в богатых домах и на улицах во время праздников, зарабатывая себе на пропитание. Всё изменилось с появлением профессиональных цирков. Именно тогда жонглёры нашли место для реализации своих умений и талантов, а цирк стал их местом работы.
В XXI веке жонглирование стало достаточно популярным хобби, появились жонглерские клубы и соревнования. Сейчас умельцы что только не подкидывают в воздух: мячи, кольца, тарелки, палочки, булавы, цилиндры, бильярдные кии и даже канделябры.
https://mus-col.com/events/37384/
Сегодня, во Всемирный день жонглирования», в нашей традиционной рубрике «Экспонат в деталях» представляем предмет из раздела коллекции «Занимательные автоматы» – автоматон «Клоун-жонглер», изготовленный в Париже около 1988 года компанией Roullet & Decamps.
Автоматон представляет собой фигуру клоуна-жонглёра, которая установлена на верхней панели деревянной прямоугольной подставки. На голове клоуна – красное кольцо, зеленый шарик с расположенными один над другим четырьмя кольцами желтого и красного цвета, на носу – шарик красного цвета. Жонглёр одет в куртку из шотландской ткани в красную и синюю клетку с подкладкой, воротником и манжетами из красной фланели, блузу с красными и белыми полосками, бесформенные, слишком длинные и широкие брюки в желто-коричневую клетку, которые держатся на зеленых подтяжках. На шее завязан большой бант с разноцветным рисунком. На ногах – коричневые ботинки с длинными закругленными носами и шнурками красного цвета. Руки клоуна согнуты в локтях, приподняты и разведены в стороны.
Управляющий механизм с электрическим приводом, смонтирован в подставке. Задняя панель с пятью круглыми отверстиями. С нижней стороны выходит черный шнур с двухполюсной вилкой для подключения к сети переменного тока 220 в.
При подключении механизма, клоун, балансируя, двигает торсом и головой, кольца вращаются, все действия повторяются несколько раз.
Голова и руки из бисквита и резные деревянные туфли клоуна изготовлены компанией Maison "Filopat" (создателями кукол из проволоки и пробки).
В этом году Всемирный день жонглирования (World Juggling Day) отмечается 14 июня – в субботу, ближайшую к 17 июня. Праздник неофициальный, он отмечается в кругу профессионалов и любителей этого жанра циркового искусства. Праздник приурочен к дате основания Международной ассоциации жонглеров, которая была учреждена 17 июня 1947 года в Соединенных Штатах на съезде Международного братства фокусников в городе Питтсбург, штат Пенсильвания. Основной целью ассоциации жонглёров было объединение профессиональных жонглеров из разных стран мира. В 1995 году праздник приобрел статус Всемирного.
Взлетающие в воздух булавы, тарелки, кольца и мячики, которые подхватывает артист на арене – один из самых популярных цирковых номеров. Мастерское манипулирование предметами относится к древнейшим искусствам. Изображения жонглеров есть на древнеегипетских наскальных рисунках, датирующихся II тыс. до н.э. Древнегреческий историк Ксенофонт (Xenophon of Athens) писал о сиракузской танцовщице, жонглирующей 12 обручами, а китаец Лан Цзы умел обращаться с семью мечами одновременно. Предмет жонглирования храбрый китайский воин выбрал, конечно, не случайно. В трудах, написанных в 770−476 годах до нашей эры, рассказывается, как перед битвой китайцы показывали врагу свое искусство жонглировать оружием, тем самым прекращая конфликт еще до его начала.
До определённого момента жонглёры демонстрировали свое мастерство в богатых домах и на улицах во время праздников, зарабатывая себе на пропитание. Всё изменилось с появлением профессиональных цирков. Именно тогда жонглёры нашли место для реализации своих умений и талантов, а цирк стал их местом работы.
В XXI веке жонглирование стало достаточно популярным хобби, появились жонглерские клубы и соревнования. Сейчас умельцы что только не подкидывают в воздух: мячи, кольца, тарелки, палочки, булавы, цилиндры, бильярдные кии и даже канделябры.
https://mus-col.com/events/37384/
Легенды Большого театра: Антонина Нежданова
16 июня 1873 года в селе Кривая Балка, близ Одессы родилась Антонина Васильевна Нежданова, певица чьё феноменальное искусство, восхищавшее несколько поколений слушателей, стало легендой. Ее творчество занимает особое место в сокровищнице мирового певческого исполнительства. Антонина Васильевна является одной из самых известных солисток в истории Большого театра. Она дебютировала в апреле 1902 года, заменив заболевшую исполнительницу. А всего через неделю Антонина Нежданова официально стала солисткой Большого
В 1912 году Антонина Васильевна с огромным успехом выступила на сцене Гранд-Опера в Париже. В 1925 году ей было присвоено звание Народной артистки РСФСР, в 1936 году – Народной артистки СССР. Кроме оперных арий, Антонина Нежданова также исполняла камерные вокальные сочинения. В обширный репертуар, который насчитывал свыше 700 произведений, входили сочинения С.В. Рахманинова, П.И. Чайковского, Людвига ван Бетховена, Ф. Шуберта, И.Ф. Стравинского и многих других великих композиторов. Значительное место в репертуаре певицы занимали народные песни и романсы.
Нежданова действительно прославила русское вокальное искусство. Всего один штрих – С.В. Рахманинов в 1915 году специально для нее написал Вокализ. На вопрос великой певицы, почему нет слов, композитор ответил: «Зачем слова, когда Вы своим голосом и исполнением сможете выразить все лучше и значительно больше, чем кто-нибудь словами!»
Роль Антонины Васильевны Неждановой в искусстве заключается в том, что она произвела революцию на отечественной оперной сцене. Прежде русское пение могло быть драматичным и театральным, но Нежданова внесла в русский классический репертуар необыкновенную и непривычную поэзию звука. Манера исполнения Неждановой признана классической, поэтому ее искусство и слава намного шире границ эпохи, в которой она жила.
Художник Константин Юон признавался ей: «…Музыка Вашего пения мною воспринималась всегда как-то символически, как «голос вечно женственного» начала в жизни. Редчайший тембр Вашей музыки волновал всегда, как способен волновать знакомый и близкий голос горячо любимой девушки…». Имя Неждановой всегда окружал ореол возвышенной недоступности, почти что святости.
Многие выдающиеся деятели отечественной музыкальной культуры считали Антонину Васильевну своим «художественным камертоном» (по выражению И.С. Козловского).
Сегодня, в день рождения одной из величайших русских оперных певиц, Антонины Неждановой, в Фонотеке музея размещена музыкальная подборка, составленная из музыкальных шедевров в исполнении талантливой артистки.
https://mus-col.com/events/34135/
16 июня 1873 года в селе Кривая Балка, близ Одессы родилась Антонина Васильевна Нежданова, певица чьё феноменальное искусство, восхищавшее несколько поколений слушателей, стало легендой. Ее творчество занимает особое место в сокровищнице мирового певческого исполнительства. Антонина Васильевна является одной из самых известных солисток в истории Большого театра. Она дебютировала в апреле 1902 года, заменив заболевшую исполнительницу. А всего через неделю Антонина Нежданова официально стала солисткой Большого
В 1912 году Антонина Васильевна с огромным успехом выступила на сцене Гранд-Опера в Париже. В 1925 году ей было присвоено звание Народной артистки РСФСР, в 1936 году – Народной артистки СССР. Кроме оперных арий, Антонина Нежданова также исполняла камерные вокальные сочинения. В обширный репертуар, который насчитывал свыше 700 произведений, входили сочинения С.В. Рахманинова, П.И. Чайковского, Людвига ван Бетховена, Ф. Шуберта, И.Ф. Стравинского и многих других великих композиторов. Значительное место в репертуаре певицы занимали народные песни и романсы.
Нежданова действительно прославила русское вокальное искусство. Всего один штрих – С.В. Рахманинов в 1915 году специально для нее написал Вокализ. На вопрос великой певицы, почему нет слов, композитор ответил: «Зачем слова, когда Вы своим голосом и исполнением сможете выразить все лучше и значительно больше, чем кто-нибудь словами!»
Роль Антонины Васильевны Неждановой в искусстве заключается в том, что она произвела революцию на отечественной оперной сцене. Прежде русское пение могло быть драматичным и театральным, но Нежданова внесла в русский классический репертуар необыкновенную и непривычную поэзию звука. Манера исполнения Неждановой признана классической, поэтому ее искусство и слава намного шире границ эпохи, в которой она жила.
Художник Константин Юон признавался ей: «…Музыка Вашего пения мною воспринималась всегда как-то символически, как «голос вечно женственного» начала в жизни. Редчайший тембр Вашей музыки волновал всегда, как способен волновать знакомый и близкий голос горячо любимой девушки…». Имя Неждановой всегда окружал ореол возвышенной недоступности, почти что святости.
Многие выдающиеся деятели отечественной музыкальной культуры считали Антонину Васильевну своим «художественным камертоном» (по выражению И.С. Козловского).
Сегодня, в день рождения одной из величайших русских оперных певиц, Антонины Неждановой, в Фонотеке музея размещена музыкальная подборка, составленная из музыкальных шедевров в исполнении талантливой артистки.
https://mus-col.com/events/34135/
Международный день прогулки. Тематическая подборка предметов
Международный день прогулки – неофициальный праздник, который отмечается в середине июня. Различные источники указывают на две даты его празднования – 15 или 19 июня. Вторая дата более распространена. Это необычный праздник, актуальный для людей, проживающих в современных мегаполисах, для которых объективная реальность задаёт очень высокий темп жизни. Праздник направлен на то, чтобы побудить людей замедлиться и наслаждаться жизнью, а не слепо мчаться по ней. Иногда этот праздник называют «днем отдыха на природе».
Считается, что Международный день прогулки был придуман в 1979 году Уильямом Т. Рабе (1921–1992). В то время бег трусцой быстро набирал популярность, Рабе опасался, что люди на бегу разучатся расслабляться и ценить окружающий мир. Так возникла идея Всемирного Дня прогулок. Прогуливание – просто медленная прогулка, желательно с радостным настроением. О неторопливости говорили в первую очередь многие писатели-натуралисты в истории, включая Генри Дэвида Торо и Джона Берроуза. Медленное прогуливание (сонтеринг) это не то же самое, что пешая ходьба, например, до места работы. Оно подразумевает, что человек на время снимет тяжесть мира со своих плеч и пойдет без стресса и напряжения, создав для себя возможность сосредоточиться на чистой радости действия. Это полная противоположность бегу трусцой – действию, которое, по мнению создателей Праздника прогуливания, лишает нас возможности радостно ощущать окружающий мир.
Ритм жизни у нас стремительной. Порой начинает казаться, что времени на остановку или замедление просто нет, мы ставим перед собой цели и устремляемся к ним, достигаем и ставим новые. Отсюда – знакомые многим стресс и хроническая усталость. День неторопливой прогулки – отличный повод, чтобы сделать небольшой перерыв в жизненной гонке. Ведь счастье заключается, в том числе, в окружающих нас мелочах. Цель сегодняшнего праздника – напомнить всем о том, что жизнь прекрасна, и о том, что нужно позволять себе иногда расслабиться и просто прогуляться без цели, наслаждаясь ароматом цветов.
Прогулка по парку или лесу, выезд на природу – один из эффективных способов борьбы со стрессом. Именно желание подчеркнуть важность и доступность этого простого способа отвлечься хотя бы ненадолго от проблем и суеты подтолкнула инициаторов и активистов ежегодно отмечать Всемирный день прогулки. Июнь выбран неслучайно – это начало лета, когда уже преобладает тёплая солнечная погода, что способствует прогулкам на свежем воздухе. Сторонники празднования Дня прогулки обращаются к нам с призывом не только в середине июня, но и в течение всего года выходить на природу и проводить на открытом воздухе побольше времени.
Используйте этот день для отдыха, остановившись на минутку. Вы почувствуете бодрость и сможете заметить то, что иначе не заметили бы - пение птиц, красоту цветов или любовь всей вашей жизни, которая проходит мимо вас на улице.
Предметы, представленные в коллекции музея «Собрание», на которых изображены неторопливо прогуливающиеся люди на фоне живописных пейзажей:
Механическая картина «Прогулка в саду». Германия. Около 1850 г.;
Бонбоньерка с миниатюрами. Франция, Париж. 1784-1785 гг. Jacques Varrier;
Картина музыкальная с часами. Франция, около 1830 г.
Больше предметов с изображением пейзажей и прогуливающихся людей – в разделах коллекции «Табакерки и портсигары», «Поющие птички», «Музыкальные шкатулки», «Часы м механизмы», «Живопись и миниатюра», «Фотографии».
https://mus-col.com/events/28989/
Международный день прогулки – неофициальный праздник, который отмечается в середине июня. Различные источники указывают на две даты его празднования – 15 или 19 июня. Вторая дата более распространена. Это необычный праздник, актуальный для людей, проживающих в современных мегаполисах, для которых объективная реальность задаёт очень высокий темп жизни. Праздник направлен на то, чтобы побудить людей замедлиться и наслаждаться жизнью, а не слепо мчаться по ней. Иногда этот праздник называют «днем отдыха на природе».
Считается, что Международный день прогулки был придуман в 1979 году Уильямом Т. Рабе (1921–1992). В то время бег трусцой быстро набирал популярность, Рабе опасался, что люди на бегу разучатся расслабляться и ценить окружающий мир. Так возникла идея Всемирного Дня прогулок. Прогуливание – просто медленная прогулка, желательно с радостным настроением. О неторопливости говорили в первую очередь многие писатели-натуралисты в истории, включая Генри Дэвида Торо и Джона Берроуза. Медленное прогуливание (сонтеринг) это не то же самое, что пешая ходьба, например, до места работы. Оно подразумевает, что человек на время снимет тяжесть мира со своих плеч и пойдет без стресса и напряжения, создав для себя возможность сосредоточиться на чистой радости действия. Это полная противоположность бегу трусцой – действию, которое, по мнению создателей Праздника прогуливания, лишает нас возможности радостно ощущать окружающий мир.
Ритм жизни у нас стремительной. Порой начинает казаться, что времени на остановку или замедление просто нет, мы ставим перед собой цели и устремляемся к ним, достигаем и ставим новые. Отсюда – знакомые многим стресс и хроническая усталость. День неторопливой прогулки – отличный повод, чтобы сделать небольшой перерыв в жизненной гонке. Ведь счастье заключается, в том числе, в окружающих нас мелочах. Цель сегодняшнего праздника – напомнить всем о том, что жизнь прекрасна, и о том, что нужно позволять себе иногда расслабиться и просто прогуляться без цели, наслаждаясь ароматом цветов.
Прогулка по парку или лесу, выезд на природу – один из эффективных способов борьбы со стрессом. Именно желание подчеркнуть важность и доступность этого простого способа отвлечься хотя бы ненадолго от проблем и суеты подтолкнула инициаторов и активистов ежегодно отмечать Всемирный день прогулки. Июнь выбран неслучайно – это начало лета, когда уже преобладает тёплая солнечная погода, что способствует прогулкам на свежем воздухе. Сторонники празднования Дня прогулки обращаются к нам с призывом не только в середине июня, но и в течение всего года выходить на природу и проводить на открытом воздухе побольше времени.
Используйте этот день для отдыха, остановившись на минутку. Вы почувствуете бодрость и сможете заметить то, что иначе не заметили бы - пение птиц, красоту цветов или любовь всей вашей жизни, которая проходит мимо вас на улице.
Предметы, представленные в коллекции музея «Собрание», на которых изображены неторопливо прогуливающиеся люди на фоне живописных пейзажей:
Механическая картина «Прогулка в саду». Германия. Около 1850 г.;
Бонбоньерка с миниатюрами. Франция, Париж. 1784-1785 гг. Jacques Varrier;
Картина музыкальная с часами. Франция, около 1830 г.
Больше предметов с изображением пейзажей и прогуливающихся людей – в разделах коллекции «Табакерки и портсигары», «Поющие птички», «Музыкальные шкатулки», «Часы м механизмы», «Живопись и миниатюра», «Фотографии».
https://mus-col.com/events/28989/
День памяти и скорби. Начало Великой Отечественной войны
В этот день 84 года назад жизнь почти 200 миллионов человек разделилась на «до и после» – началась Великая Отечественная война.
Несмотря на то, что о дате помнили на протяжении всего советского периода (песня, написанная в первую неделю войны «Двадцать второго июня, ровно в четыре часа», 1941; слова поэта Бориса Ковынева, музыка Ежи Петерсбурского) – статус памятной она приобрела уже в постсоветское время. До перестроечных времен власти старались официально не напоминать об этом Дне, не бередя тягостные воспоминания своих соотечественников. Тем не менее, ко Дню памяти и скорби 2025 года, эта дата подходит со своей маленькой историей, которая начинается уже в постсоветской России. Примечательно, что День памяти и скорби с 1992 года постановлением Верховного Совета Российской Федерации именовался Днем памяти защитников Отечества. Через несколько лет, 8 июня 1996 года, указом Президента Бориса Ельцина этот день был официально объявлен «Днем памяти и скорби».
В этот день по всей стране проводятся памятные мероприятия, различные патриотические акции, приспускаются государственные флаги, возлагаются венки к Могиле Неизвестного солдата и Вечному огню в Москве и других городах России.
В этот день мы склоняем головы перед всеми погибшими в смертельной схватке с врагом, перед поколением советских людей, которые победили врага и подарили нам будущее. После победы Советского Союза во Второй мировой войне, которая стала Великой Отечественной войной для нашего народа, День Победы – самый желанный и в то же время самый грустный праздник. Как поется в одноименной песне, «это праздник со слезами на глазах».
В честь этого события 80 лет назад 24 июня 1945 года в Москве на Красной площади состоялся первый Парад Победы. Командовал парадом генерал Константин Рокоссовский, а принимал парад Георгий Жуков, легендарный маршал Победы. По брусчатке Красной площади прошли более сорока тысяч военнослужащих, демонстрировалась трофейная военная техника. Центральным событием парада стало бросание трофейных германских знамен и штандартов на особые площадки у подножия Мавзолея.
Парад Победы 1945 года в Москве имел огромное историческое значение, знаменуя победу СССР над нацистской Германией и окончание Великой Отечественной войны. Этот парад стал символом героизма, патриотизма и триумфа советского народа, а также важной вехой в истории страны.
В Фонотеке музея можно послушать музыкальную подборку «Мелодии военных лет».
Онлайн-выставка произведений скульптуры второй половины 1940х-1960х гг., посвящённая событиям Великой Отечественной войны, доступна на сайте музея.
https://mus-col.com/events/28999/
В этот день 84 года назад жизнь почти 200 миллионов человек разделилась на «до и после» – началась Великая Отечественная война.
Несмотря на то, что о дате помнили на протяжении всего советского периода (песня, написанная в первую неделю войны «Двадцать второго июня, ровно в четыре часа», 1941; слова поэта Бориса Ковынева, музыка Ежи Петерсбурского) – статус памятной она приобрела уже в постсоветское время. До перестроечных времен власти старались официально не напоминать об этом Дне, не бередя тягостные воспоминания своих соотечественников. Тем не менее, ко Дню памяти и скорби 2025 года, эта дата подходит со своей маленькой историей, которая начинается уже в постсоветской России. Примечательно, что День памяти и скорби с 1992 года постановлением Верховного Совета Российской Федерации именовался Днем памяти защитников Отечества. Через несколько лет, 8 июня 1996 года, указом Президента Бориса Ельцина этот день был официально объявлен «Днем памяти и скорби».
В этот день по всей стране проводятся памятные мероприятия, различные патриотические акции, приспускаются государственные флаги, возлагаются венки к Могиле Неизвестного солдата и Вечному огню в Москве и других городах России.
В этот день мы склоняем головы перед всеми погибшими в смертельной схватке с врагом, перед поколением советских людей, которые победили врага и подарили нам будущее. После победы Советского Союза во Второй мировой войне, которая стала Великой Отечественной войной для нашего народа, День Победы – самый желанный и в то же время самый грустный праздник. Как поется в одноименной песне, «это праздник со слезами на глазах».
В честь этого события 80 лет назад 24 июня 1945 года в Москве на Красной площади состоялся первый Парад Победы. Командовал парадом генерал Константин Рокоссовский, а принимал парад Георгий Жуков, легендарный маршал Победы. По брусчатке Красной площади прошли более сорока тысяч военнослужащих, демонстрировалась трофейная военная техника. Центральным событием парада стало бросание трофейных германских знамен и штандартов на особые площадки у подножия Мавзолея.
Парад Победы 1945 года в Москве имел огромное историческое значение, знаменуя победу СССР над нацистской Германией и окончание Великой Отечественной войны. Этот парад стал символом героизма, патриотизма и триумфа советского народа, а также важной вехой в истории страны.
В Фонотеке музея можно послушать музыкальную подборку «Мелодии военных лет».
Онлайн-выставка произведений скульптуры второй половины 1940х-1960х гг., посвящённая событиям Великой Отечественной войны, доступна на сайте музея.
https://mus-col.com/events/28999/
Павел Овчинников. К 195-летию со дня рождения
Судьба Павла Овчинникова была обычной для нового класса промышленников России. Рано продемонстрировавший способности к рисованию, в 1842 году 12-летний подросток был отправлен хозяином для «систематического развития художественных способностей» в Москву, в мастерскую по производству золотых и серебряных изделий, где юноша прошел путь от ученика – до золотых дел мастера. Незаурядный талант позволил П.А. Овчинникову освободиться от крепостной зависимости – в 1850 году он получил вольную и женился, а на тысячу рублей приданого жены основал самостоятельное дело.
Уже в 1851 году Павел Овчинников основал собственную мастерскую, в 1853 году была открыта фабрика по производству золотых и серебряных изделий в Москве, на Таганке. Годовой оборот в 1853 г. составил 25000 рублей, в 1854–1855 гг. он был уже 1,5 миллиона рублей.
Прошло около 10 лет кропотливого труда художников и мастеров, прежде чем сформировался узнаваемый «стиль Овчинникова», появился свой ассортимент изделий, особый декор, излюбленные технические приемы и высокое качество исполнения.
Особенно славились мастера эмальеры, работавшие на фабрике П.А. Овчинникова. Во второй половине XIX века компания стала лидером эмальерного производства столицы. Филигранная работа и разнообразная цветовая палитра снискали фабрике славу законодателей моды. Предприятие выпускало подстаканники и солонки, чарки и ложки, ковши и коробочки, украшенные затейливыми сканными орнаментами высочайшего качества.
Фирма Овчинникова громко заявила о себе уже в первый год существования. Мастерам предприятия поручали важные государственные заказы, на них обратил внимание царский двор, и в 1865 году фирма «П.А. Овчинников» удостаивается официального статуса «придворной» фабрики и штатного поставщика двора цесаревича Александра, будущего императора Александра III. А лично Павел Овчинников заслужил право клеймить свои изделия государственным гербом рядом с клеймом фабрики.
В конце XIX века на фабрике Овчинникова впервые в истории русского ювелирного дела освоили и внедрили многоцветную, прозрачную эмаль. Такая эмаль напоминает витраж, в честь которого получила название «витражной», или «оконной».
Еще одной отличительной чертой предприятия Павла Овчинникова были выдающиеся серебряные изделия с чернью. Одним из самых выразительных приемов стала гравюра с архитектурными пейзажами, перенесенная на металл. Павел Овчинников стремился создавать самобытные изделия по традиционным русским канонам и в то же время изделия современные, отвечающие потребностям общества.
В своих работах П. Овчинников пользовался моделями известных скульпторов, архитекторов, художников: В. Боровского, И. Борникова, Е. Лансере, А. Обера, Д. Чичагова, И. Монигетти, Г. Гартмана, А. Захарова, С. Комарова, Л. Даля. Постоянным его сотрудником был А. Жуковский.
На фабрике Овчинникова делали предметы быта и религиозную утварь: потиры, складни, оклады для книг и икон. Многие из этих изделий находятся в Государственном Историческом музее Москвы и в коллекциях европейских королевских домов. Некоторые работы – в Фотоальбоме, подготовленном к 195-летию мастера.
В 1871 году П.А. Овчинников открыл при фабрике школу подготовки мастеров на 130 человек. На выставке 1882 г. школа была отмечена серебряной медалью.
В 1873 году был открыт филиал фирмы в Петербурге. С 1876 года Павел Акимович избирался Гласным Московской городской Думы, был Членом Купеческой управы, Биржевого комитета.
В 1881 году П.А. Овчинников получил звание поставщика Императорского двора. Умер 7 апреля 1888 года. Похоронен на Калитниковском кладбище в Москве.
Продолжателями дела стали четверо сыновей: Михаил, Александр, Павел и Николай. Под их руководством фирма успешно развивалась. Свою деятельность фабрика прекратила после революции 1917 года.
Судьба Павла Овчинникова была обычной для нового класса промышленников России. Рано продемонстрировавший способности к рисованию, в 1842 году 12-летний подросток был отправлен хозяином для «систематического развития художественных способностей» в Москву, в мастерскую по производству золотых и серебряных изделий, где юноша прошел путь от ученика – до золотых дел мастера. Незаурядный талант позволил П.А. Овчинникову освободиться от крепостной зависимости – в 1850 году он получил вольную и женился, а на тысячу рублей приданого жены основал самостоятельное дело.
Уже в 1851 году Павел Овчинников основал собственную мастерскую, в 1853 году была открыта фабрика по производству золотых и серебряных изделий в Москве, на Таганке. Годовой оборот в 1853 г. составил 25000 рублей, в 1854–1855 гг. он был уже 1,5 миллиона рублей.
Прошло около 10 лет кропотливого труда художников и мастеров, прежде чем сформировался узнаваемый «стиль Овчинникова», появился свой ассортимент изделий, особый декор, излюбленные технические приемы и высокое качество исполнения.
Особенно славились мастера эмальеры, работавшие на фабрике П.А. Овчинникова. Во второй половине XIX века компания стала лидером эмальерного производства столицы. Филигранная работа и разнообразная цветовая палитра снискали фабрике славу законодателей моды. Предприятие выпускало подстаканники и солонки, чарки и ложки, ковши и коробочки, украшенные затейливыми сканными орнаментами высочайшего качества.
Фирма Овчинникова громко заявила о себе уже в первый год существования. Мастерам предприятия поручали важные государственные заказы, на них обратил внимание царский двор, и в 1865 году фирма «П.А. Овчинников» удостаивается официального статуса «придворной» фабрики и штатного поставщика двора цесаревича Александра, будущего императора Александра III. А лично Павел Овчинников заслужил право клеймить свои изделия государственным гербом рядом с клеймом фабрики.
В конце XIX века на фабрике Овчинникова впервые в истории русского ювелирного дела освоили и внедрили многоцветную, прозрачную эмаль. Такая эмаль напоминает витраж, в честь которого получила название «витражной», или «оконной».
Еще одной отличительной чертой предприятия Павла Овчинникова были выдающиеся серебряные изделия с чернью. Одним из самых выразительных приемов стала гравюра с архитектурными пейзажами, перенесенная на металл. Павел Овчинников стремился создавать самобытные изделия по традиционным русским канонам и в то же время изделия современные, отвечающие потребностям общества.
В своих работах П. Овчинников пользовался моделями известных скульпторов, архитекторов, художников: В. Боровского, И. Борникова, Е. Лансере, А. Обера, Д. Чичагова, И. Монигетти, Г. Гартмана, А. Захарова, С. Комарова, Л. Даля. Постоянным его сотрудником был А. Жуковский.
На фабрике Овчинникова делали предметы быта и религиозную утварь: потиры, складни, оклады для книг и икон. Многие из этих изделий находятся в Государственном Историческом музее Москвы и в коллекциях европейских королевских домов. Некоторые работы – в Фотоальбоме, подготовленном к 195-летию мастера.
В 1871 году П.А. Овчинников открыл при фабрике школу подготовки мастеров на 130 человек. На выставке 1882 г. школа была отмечена серебряной медалью.
В 1873 году был открыт филиал фирмы в Петербурге. С 1876 года Павел Акимович избирался Гласным Московской городской Думы, был Членом Купеческой управы, Биржевого комитета.
В 1881 году П.А. Овчинников получил звание поставщика Императорского двора. Умер 7 апреля 1888 года. Похоронен на Калитниковском кладбище в Москве.
Продолжателями дела стали четверо сыновей: Михаил, Александр, Павел и Николай. Под их руководством фирма успешно развивалась. Свою деятельность фабрика прекратила после революции 1917 года.
Обновление раздела «Западноевропейское стекло» к дню разноцветных стекол
На этой неделе отмечается День разноцветных стекол – неофициальный праздник, посвященный истории и культурному значению цветного стекла. Этот день напоминает нам о том, как разноцветные стекла способны преобразить восприятие мира, отражая наши эмоции и настроения.
Праздник был учрежден в 2008 году в США, но с тех пор стал приобрел популярность и в других странах. Его основная идея – показать красоту и уникальность мира. Стекло может быть прозрачным, матовым, узорчатым или иметь любой цвет.
Многочисленные декоративные изделия – вазы, чаши, украшения и прочее – на заре производства стекла делали как раз из цветного, к тому же, зачастую непрозрачного стекла. В соответствии с существующими в те давние времена технологиями сварить цветной состав, из которого в будущем получалось стекло, было гораздо проще, чем заниматься его же очищением.
Первое стекло начали изготавливать египтяне около 5–6 тысяч лет назад. Также в Египте берёт начало, красивейшее оформление, ставшее своеобразной заменой обычных оконных стёкол – техника изготовления витражей, ставшая гораздо позже очень популярной в христианской Европе. Правда, египтяне выполняли их накладным способом. То есть на прозрачную основу накладывались как мозаика цветные стеклянные кусочки. Такое произведение стоило очень дорого. Шумеры использовали стекловидную глазурь для украшения конической черепицы храмов. Древние греки и римляне создавали изделия из цветного катаного стекла, например, вазы миллефиори, амфоры и фиалы. В эпоху эллинизма популярными стали мозаичные панно из стекла.
Самые первые образцы стекла содержали много примесей, за счет которых цвет его получался «грязным». Это могло быть и железо, и песок или мраморная пыль. Однако очень скоро в производстве стали использовать яркие красители, чтобы перекрыть непрезентабельные коричнево-зеленые оттенки, а значит, придать готовым изделиям из стекла красивый внешний вид. Отсутствие прозрачности скрывало недостатки технологий – появляющиеся пузырьки и остатки непроварившегося песка. С развитием стекольного дела цветное стекло становилось все более чистым, а цвета приобретали нужный мастеру оттенок. В некоторые исторические периоды цветные стекла ценились дороже золота.
Наука о стекле – один из наиболее важных разделов в естественнонаучном наследии Михаила Васильевича Ломоносова. теоретическая часть интересовала учёного не меньше, чем поиск красителей для производственного стеклоделия. Он разработал рецептуру 112 тонов и более тысячи оттенков цветных смальт (непрозрачных стекол), превзойдя палитру мозаичной мастерской в Ватикане. Работы Ломоносова по цветному стеклу очень много дали для развития всей дальнейшей науки о стекле. Он глубже, чем все другие производители стекла изучил процессы окрашивания стекла различными металлами и способы получения прозрачных и непрозрачных цветных стекол.
В процессе производства разноцветных стекол в качестве основы используется кварцевый песок, сода и известь. Для его создания требуется специальная печь, в которой все составляющие плавятся при температуре свыше 1700 градусов по Цельсию. Для получения нужных оттенков цветных стеклянных изделий в процессе нанесения пленки или выплавки задействуются разные красители, в которых содержатся соли, а также оксиды металлов. К примеру, для получения красного цвета используются оксиды меди, желтого – соли кадмия, зеленого – хром или медь. В производстве изделий синего цвета в состав добавляют соединения кобальта. Особое значение имеет точное соблюдение температурных значений, в зависимости от используемых красителей. Так, некоторые добавки могут улетучиваться при высоких температурах (например, сульфиды или фтор). Широкие современные технологические возможности позволяют окрашивать поверхности в различные оттенки — от базовых до самых сложных и оригинальных.
В Видеоархиве музея размещён виртуальный альбом, посвящённый художественному стеклу.
https://mus-col.com/events/37464/
На этой неделе отмечается День разноцветных стекол – неофициальный праздник, посвященный истории и культурному значению цветного стекла. Этот день напоминает нам о том, как разноцветные стекла способны преобразить восприятие мира, отражая наши эмоции и настроения.
Праздник был учрежден в 2008 году в США, но с тех пор стал приобрел популярность и в других странах. Его основная идея – показать красоту и уникальность мира. Стекло может быть прозрачным, матовым, узорчатым или иметь любой цвет.
Многочисленные декоративные изделия – вазы, чаши, украшения и прочее – на заре производства стекла делали как раз из цветного, к тому же, зачастую непрозрачного стекла. В соответствии с существующими в те давние времена технологиями сварить цветной состав, из которого в будущем получалось стекло, было гораздо проще, чем заниматься его же очищением.
Первое стекло начали изготавливать египтяне около 5–6 тысяч лет назад. Также в Египте берёт начало, красивейшее оформление, ставшее своеобразной заменой обычных оконных стёкол – техника изготовления витражей, ставшая гораздо позже очень популярной в христианской Европе. Правда, египтяне выполняли их накладным способом. То есть на прозрачную основу накладывались как мозаика цветные стеклянные кусочки. Такое произведение стоило очень дорого. Шумеры использовали стекловидную глазурь для украшения конической черепицы храмов. Древние греки и римляне создавали изделия из цветного катаного стекла, например, вазы миллефиори, амфоры и фиалы. В эпоху эллинизма популярными стали мозаичные панно из стекла.
Самые первые образцы стекла содержали много примесей, за счет которых цвет его получался «грязным». Это могло быть и железо, и песок или мраморная пыль. Однако очень скоро в производстве стали использовать яркие красители, чтобы перекрыть непрезентабельные коричнево-зеленые оттенки, а значит, придать готовым изделиям из стекла красивый внешний вид. Отсутствие прозрачности скрывало недостатки технологий – появляющиеся пузырьки и остатки непроварившегося песка. С развитием стекольного дела цветное стекло становилось все более чистым, а цвета приобретали нужный мастеру оттенок. В некоторые исторические периоды цветные стекла ценились дороже золота.
Наука о стекле – один из наиболее важных разделов в естественнонаучном наследии Михаила Васильевича Ломоносова. теоретическая часть интересовала учёного не меньше, чем поиск красителей для производственного стеклоделия. Он разработал рецептуру 112 тонов и более тысячи оттенков цветных смальт (непрозрачных стекол), превзойдя палитру мозаичной мастерской в Ватикане. Работы Ломоносова по цветному стеклу очень много дали для развития всей дальнейшей науки о стекле. Он глубже, чем все другие производители стекла изучил процессы окрашивания стекла различными металлами и способы получения прозрачных и непрозрачных цветных стекол.
В процессе производства разноцветных стекол в качестве основы используется кварцевый песок, сода и известь. Для его создания требуется специальная печь, в которой все составляющие плавятся при температуре свыше 1700 градусов по Цельсию. Для получения нужных оттенков цветных стеклянных изделий в процессе нанесения пленки или выплавки задействуются разные красители, в которых содержатся соли, а также оксиды металлов. К примеру, для получения красного цвета используются оксиды меди, желтого – соли кадмия, зеленого – хром или медь. В производстве изделий синего цвета в состав добавляют соединения кобальта. Особое значение имеет точное соблюдение температурных значений, в зависимости от используемых красителей. Так, некоторые добавки могут улетучиваться при высоких температурах (например, сульфиды или фтор). Широкие современные технологические возможности позволяют окрашивать поверхности в различные оттенки — от базовых до самых сложных и оригинальных.
В Видеоархиве музея размещён виртуальный альбом, посвящённый художественному стеклу.
https://mus-col.com/events/37464/
Редкая запись мелодии из оперетты Флоримона Эрве – «Мадемуазель Нитуш»
Сегодня мы отмечаем 200-летний юбилей со дня рождения Флоримона Эрве – знаменитого французского композитора и органиста, одного из основоположников французской оперетты.
Флоримон Эрве родился 30 июня 1825 года в городе Уден близ Арраса. В детстве мальчик пел в церковном хоре. Музыкальное образование он получил в Парижской консерватории у Даниэля Обера. Работал органистом и хормейстером в церкви при психиатрической больнице в Бисетре, близ Парижа. Занимался музыкотерапией на занятиях и репетициях с пациентами клиники. Одновременно работал в музыкальном театре: сначала как актёр и певец, затем как композитор, драматург и режиссёр.
В 1845 году Флоримон Эрве выиграл конкурс на место органиста парижской церкви Сен-Эсташ. Когда его сочинения стали иметь успех он полностью посвятил свою жизнь музыкальному театру. В 1848 году под псевдонимом «Эрве» композитор написал одноактный музыкальный бурлеск «Дон Кихот и Санчо Панса», который имел большой успех у публики. Иногда этот спектакль даже рассматривают как первую французскую оперетту.
В 1851 году Эрве назначают дирижёром и руководителем оркестра в театре Пале-Рояль. В 1855 году, став директором кафешантана «Folie-Mayer» на бульваре дю Тампль в Париже, Эрве преобразовал его в собственный театр под названием «Фоли Консертан», для которого стал писать и ставить новые оперетты. Спустя месяц театр был переименован в «Фоли-Нувель». Этот театр оказал большое влияние на формирование жанра оперетты и его дальнейшее развитие.
Флоримон Эрве – создатель жанра «оперетта-буфф». Его ранние сочинения, в основном буффонады, были очень близки по жанру к оперетте, поэтому его считают наряду с Оффенбахом – основоположником французской оперетты и, в какой-то мере, предшественником. Всего Эрве написал более 120 оперетт.
В 1883 году он создал свою самую знаменитую оперетту – «Мадемуазель Нитуш»*.
В разделе «Занимательные автоматы» коллекции музея «Собрание» представлен музыкальный автоматон «Девочка, играющая с игрушками», созданный в мастерской Леопольда Ламбера в Париже около 1900 года.
Интересно, что при включении механизма звучит мелодия из оперетты «Мадемуазель Нитуш» (Mlle Nitouche) Флориана Эрве, закодированная на металлическом валике со штырьками. Она и сопровождает все действия и движения куклы.
В последние годы своей жизни Эрве страдал от душевной болезни и умер в Париже 4 ноября 1892 года.
https://mus-col.com/music-library/groups.php?section=6738
Сегодня мы отмечаем 200-летний юбилей со дня рождения Флоримона Эрве – знаменитого французского композитора и органиста, одного из основоположников французской оперетты.
Флоримон Эрве родился 30 июня 1825 года в городе Уден близ Арраса. В детстве мальчик пел в церковном хоре. Музыкальное образование он получил в Парижской консерватории у Даниэля Обера. Работал органистом и хормейстером в церкви при психиатрической больнице в Бисетре, близ Парижа. Занимался музыкотерапией на занятиях и репетициях с пациентами клиники. Одновременно работал в музыкальном театре: сначала как актёр и певец, затем как композитор, драматург и режиссёр.
В 1845 году Флоримон Эрве выиграл конкурс на место органиста парижской церкви Сен-Эсташ. Когда его сочинения стали иметь успех он полностью посвятил свою жизнь музыкальному театру. В 1848 году под псевдонимом «Эрве» композитор написал одноактный музыкальный бурлеск «Дон Кихот и Санчо Панса», который имел большой успех у публики. Иногда этот спектакль даже рассматривают как первую французскую оперетту.
В 1851 году Эрве назначают дирижёром и руководителем оркестра в театре Пале-Рояль. В 1855 году, став директором кафешантана «Folie-Mayer» на бульваре дю Тампль в Париже, Эрве преобразовал его в собственный театр под названием «Фоли Консертан», для которого стал писать и ставить новые оперетты. Спустя месяц театр был переименован в «Фоли-Нувель». Этот театр оказал большое влияние на формирование жанра оперетты и его дальнейшее развитие.
Флоримон Эрве – создатель жанра «оперетта-буфф». Его ранние сочинения, в основном буффонады, были очень близки по жанру к оперетте, поэтому его считают наряду с Оффенбахом – основоположником французской оперетты и, в какой-то мере, предшественником. Всего Эрве написал более 120 оперетт.
В 1883 году он создал свою самую знаменитую оперетту – «Мадемуазель Нитуш»*.
В разделе «Занимательные автоматы» коллекции музея «Собрание» представлен музыкальный автоматон «Девочка, играющая с игрушками», созданный в мастерской Леопольда Ламбера в Париже около 1900 года.
Интересно, что при включении механизма звучит мелодия из оперетты «Мадемуазель Нитуш» (Mlle Nitouche) Флориана Эрве, закодированная на металлическом валике со штырьками. Она и сопровождает все действия и движения куклы.
В последние годы своей жизни Эрве страдал от душевной болезни и умер в Париже 4 ноября 1892 года.
https://mus-col.com/music-library/groups.php?section=6738
Поздравляем реставраторов с профессиональным праздником
Сегодня в России отмечается День реставратора – профессиональный праздник, учрежденный Комитетом по государственному контролю, использованию и охране памятников истории и культуры, который обрел официальный статус в 2006 году. Дата была выбрана не случайно: в этот день в 1945 году в Ленинграде были образованы Архитектурно-реставрационные мастерские, главной задачей которых стало восстановление памятников архитектуры, разрушенных за годы войны.
Миссия реставраторов – сохранение архитектурного наследия, восстановление произведений изобразительного искусства и имеющих историческую ценность бытовых предметов, представленных в экспозициях современных музеев. Профессионализм реставратора предполагает глубокое знание предмета, тонкий художественный вкус, виртуозное мастерство и наличие интуиции – всё это помогает принять единственно верное решение, от которого зависит судьба памятника архитектуры или скульптуры, картины или, иконы.
Без преувеличения принцип «не навреди» должен считаться главным принципом сложной и ответственной работы реставраторов. Любой исторический памятник – архитектурный или храмовый, предмет декоративно-прикладного искусства или экспонат, относящийся к музыкальной механике, – это хрупкий организм с многовековыми историческими наслоениями, поэтому прежде, чем вмешиваться в его структуру, нужно убедиться в целесообразности такого вмешательства. В целом, не касаясь описания конкретных методов и подходов, которые используются представителями этой уникальной профессии, можно назвать реставраторов теми людьми, от опыта и профессионализма которых зависит сохранность нашей истории.
Реставрационный Центр музея «Собрание» работает уже более 20 лет и занимается реставрацией и настройкой музыкальных инструментов, автоматонов и часов, а также художественными и столярными работами.
Альбом с фотографиями, иллюстрирующими процесс реставрации музыкального автоматона «Девочка с корзинкой и механическим театром», созданного Густавом Виши в 1885 году, размещен в Фотогалерее музея.
Любой профессиональный праздник – это чествование. Поздравляем специалистов Реставрационного центра музея «Собрание» и реставраторов из различных музейных институций с профессиональным праздником.
Примите наши искренние слова благодарности за ваш труд, развитие реставрационного мастерства и сохранение культурного наследия.
Желаем вам творческого роста, терпения в вашей кропотливой работе!
Новых открытий и удивительных находок!
Сегодня в России отмечается День реставратора – профессиональный праздник, учрежденный Комитетом по государственному контролю, использованию и охране памятников истории и культуры, который обрел официальный статус в 2006 году. Дата была выбрана не случайно: в этот день в 1945 году в Ленинграде были образованы Архитектурно-реставрационные мастерские, главной задачей которых стало восстановление памятников архитектуры, разрушенных за годы войны.
Миссия реставраторов – сохранение архитектурного наследия, восстановление произведений изобразительного искусства и имеющих историческую ценность бытовых предметов, представленных в экспозициях современных музеев. Профессионализм реставратора предполагает глубокое знание предмета, тонкий художественный вкус, виртуозное мастерство и наличие интуиции – всё это помогает принять единственно верное решение, от которого зависит судьба памятника архитектуры или скульптуры, картины или, иконы.
Без преувеличения принцип «не навреди» должен считаться главным принципом сложной и ответственной работы реставраторов. Любой исторический памятник – архитектурный или храмовый, предмет декоративно-прикладного искусства или экспонат, относящийся к музыкальной механике, – это хрупкий организм с многовековыми историческими наслоениями, поэтому прежде, чем вмешиваться в его структуру, нужно убедиться в целесообразности такого вмешательства. В целом, не касаясь описания конкретных методов и подходов, которые используются представителями этой уникальной профессии, можно назвать реставраторов теми людьми, от опыта и профессионализма которых зависит сохранность нашей истории.
Реставрационный Центр музея «Собрание» работает уже более 20 лет и занимается реставрацией и настройкой музыкальных инструментов, автоматонов и часов, а также художественными и столярными работами.
Альбом с фотографиями, иллюстрирующими процесс реставрации музыкального автоматона «Девочка с корзинкой и механическим театром», созданного Густавом Виши в 1885 году, размещен в Фотогалерее музея.
Любой профессиональный праздник – это чествование. Поздравляем специалистов Реставрационного центра музея «Собрание» и реставраторов из различных музейных институций с профессиональным праздником.
Примите наши искренние слова благодарности за ваш труд, развитие реставрационного мастерства и сохранение культурного наследия.
Желаем вам творческого роста, терпения в вашей кропотливой работе!
Новых открытий и удивительных находок!
Марк Рейзен. К 130-летию со дня рождения. Музыкальная подборка
Марк Осипович Рейзен (1896–1992) — один из крупнейших русских басов XX века, обладавший мощным голосом широкого диапазона, артистическим темпераментом и яркой внешностью. Его вокальное искусство отличалось выразительностью, техническим совершенством и редким сочетанием силы и мягкости звучания. Певец оставил заметный след в истории русской и мировой оперной сцены.
С 1921 года — солист Харьковского театра оперы и балета, с 1925 — Ленинградского театра оперы и балета, с 1930 — Большого театра. Ведущие партии своего репертуара — Борис Годунов, Досифей, Галицкий, Руслан, Мельник, Фарлаф, Мефистофель, Дон Базилио, Нилаканта — он исполнял в лучших традициях русской вокальной школы. Его сценический образ всегда отличался глубиной драматического проникновения и мощным эмоциональным воздействием. На сцене Рейзен был не просто певцом, но и выдающимся актёром, создававшим целостные, убедительные художественные образы.
Как камерный певец Марк Рейзен исполнял романсы, народные песни, вокальные произведения Моцарта, Бетховена, Шумана, Брамса, сотрудничал с ведущими пианистами и дирижёрами. Его концертный репертуар насчитывал десятки сочинений русских и зарубежных композиторов. Он с одинаковой убедительностью исполнял как патетические, так и лирические произведения, демонстрируя утончённое чувство стиля и глубокое понимание текста.
С 1965 по 1970 год Рейзен заведовал кафедрой сольного пения Московской консерватории. Его педагогическая деятельность способствовала воспитанию нового поколения певцов, продолжавших традиции русской вокальной школы. Он уделял особое внимание технике дыхания, дикции и работе над интерпретацией.
До глубокой старости выходил на сцену: в 85 лет исполнил Бориса в «Борисе Годунове», в 90 — Гремина в «Евгении Онегине». Его выступления на склоне лет вызывали восхищение публики и коллег, став настоящим символом преданности искусству. Это был уникальный случай в истории мировой оперы, когда певец столь преклонного возраста сохранял не только голос, но и сценическую силу воздействия.
В подборке представлены записи вокальных произведений в исполнении Марка Осиповича Рейзена — выдающегося певца, чьё наследие продолжает вдохновлять слушателей.
https://mus-col.com/events/29155/
Марк Осипович Рейзен (1896–1992) — один из крупнейших русских басов XX века, обладавший мощным голосом широкого диапазона, артистическим темпераментом и яркой внешностью. Его вокальное искусство отличалось выразительностью, техническим совершенством и редким сочетанием силы и мягкости звучания. Певец оставил заметный след в истории русской и мировой оперной сцены.
С 1921 года — солист Харьковского театра оперы и балета, с 1925 — Ленинградского театра оперы и балета, с 1930 — Большого театра. Ведущие партии своего репертуара — Борис Годунов, Досифей, Галицкий, Руслан, Мельник, Фарлаф, Мефистофель, Дон Базилио, Нилаканта — он исполнял в лучших традициях русской вокальной школы. Его сценический образ всегда отличался глубиной драматического проникновения и мощным эмоциональным воздействием. На сцене Рейзен был не просто певцом, но и выдающимся актёром, создававшим целостные, убедительные художественные образы.
Как камерный певец Марк Рейзен исполнял романсы, народные песни, вокальные произведения Моцарта, Бетховена, Шумана, Брамса, сотрудничал с ведущими пианистами и дирижёрами. Его концертный репертуар насчитывал десятки сочинений русских и зарубежных композиторов. Он с одинаковой убедительностью исполнял как патетические, так и лирические произведения, демонстрируя утончённое чувство стиля и глубокое понимание текста.
С 1965 по 1970 год Рейзен заведовал кафедрой сольного пения Московской консерватории. Его педагогическая деятельность способствовала воспитанию нового поколения певцов, продолжавших традиции русской вокальной школы. Он уделял особое внимание технике дыхания, дикции и работе над интерпретацией.
До глубокой старости выходил на сцену: в 85 лет исполнил Бориса в «Борисе Годунове», в 90 — Гремина в «Евгении Онегине». Его выступления на склоне лет вызывали восхищение публики и коллег, став настоящим символом преданности искусству. Это был уникальный случай в истории мировой оперы, когда певец столь преклонного возраста сохранял не только голос, но и сценическую силу воздействия.
В подборке представлены записи вокальных произведений в исполнении Марка Осиповича Рейзена — выдающегося певца, чьё наследие продолжает вдохновлять слушателей.
https://mus-col.com/events/29155/