К 80-летию Победы в Великой Отечественной войне
В 2025 году Россия отмечает 80-летие Победы в Великой Отечественной войне. Этот знаменательный юбилей — не только масштабные торжества, но и акт национальной памяти, объединяющий поколения. Президент РФ Владимир Путин объявил 2025 год — Годом защитника Отечества и 80-летия Победы. Утверждён официальный логотип с изображением монумента «Родина-мать зовет!», георгиевской лентой, словом «Победа» и цифрой «80».
19 ноября 2024 года в Москве представлен план мероприятий, включающий «Бессмертный полк», «Свечу памяти», «Сад памяти», выставки, фестивали и концерты. Всего в России запланировано свыше 100 тысяч культурных событий, в том числе 190 ключевых мероприятий.
Главное событие — Парад Победы на Красной площади с участием более 10 тысяч военнослужащих, техники времён войны и современной армии. Масштабным станет шествие «Бессмертного полка» — миллионы участников по всей стране, включая цифровую платформу для регистрации. 25 апреля прошёл «Диктант Победы».
В Москве проходят знаковые выставки: «1418 дней» в Новой Третьяковке (22 апреля — 9 ноября) и экспозиции в Музее Победы с панорамами, голограммами и иммерсивными инсталляциями. В парке «Патриот» — демонстрация техники, реконструкции боёв и шоу. 9 мая праздничные концерты проходят в ММДМ, на городских площадках, в музеях, библиотеках и театрах. Ожидается участие около 10 миллионов человек.
В школах, колледжах и вузах страны организованы мероприятия, посвящённые юбилею. Музейные коллекции пополняются тематическими альбомами песен военных лет, оцифрованными с грампластинок. Также доступна виртуальная выставка скульптуры, посвящённая Победе.
80-летие Великой Победы – это не только торжества и парады. Это повод рассказать молодому поколению правду о войне, о цене победы, о том, что такое настоящий патриотизм.
В разделе коллекции музея «Собрания» музыкальные носители особое место занимают грампластинки 40-50-ых годов с записями песен военных лет. Традиционно к Дню Победы мы готовим тематические музыкальные альбомы мелодий, оцифрованные со старых граммофонных пластинок из фондов музея.
Виртуальную выставку произведений скульптуры второй половины 1940х-1960х годов, посвящённую 80-летию Победы в Великой Отечественной войне можно посмотреть по ссылке.
https://mus-col.com/events/37228/
В 2025 году Россия отмечает 80-летие Победы в Великой Отечественной войне. Этот знаменательный юбилей — не только масштабные торжества, но и акт национальной памяти, объединяющий поколения. Президент РФ Владимир Путин объявил 2025 год — Годом защитника Отечества и 80-летия Победы. Утверждён официальный логотип с изображением монумента «Родина-мать зовет!», георгиевской лентой, словом «Победа» и цифрой «80».
19 ноября 2024 года в Москве представлен план мероприятий, включающий «Бессмертный полк», «Свечу памяти», «Сад памяти», выставки, фестивали и концерты. Всего в России запланировано свыше 100 тысяч культурных событий, в том числе 190 ключевых мероприятий.
Главное событие — Парад Победы на Красной площади с участием более 10 тысяч военнослужащих, техники времён войны и современной армии. Масштабным станет шествие «Бессмертного полка» — миллионы участников по всей стране, включая цифровую платформу для регистрации. 25 апреля прошёл «Диктант Победы».
В Москве проходят знаковые выставки: «1418 дней» в Новой Третьяковке (22 апреля — 9 ноября) и экспозиции в Музее Победы с панорамами, голограммами и иммерсивными инсталляциями. В парке «Патриот» — демонстрация техники, реконструкции боёв и шоу. 9 мая праздничные концерты проходят в ММДМ, на городских площадках, в музеях, библиотеках и театрах. Ожидается участие около 10 миллионов человек.
В школах, колледжах и вузах страны организованы мероприятия, посвящённые юбилею. Музейные коллекции пополняются тематическими альбомами песен военных лет, оцифрованными с грампластинок. Также доступна виртуальная выставка скульптуры, посвящённая Победе.
80-летие Великой Победы – это не только торжества и парады. Это повод рассказать молодому поколению правду о войне, о цене победы, о том, что такое настоящий патриотизм.
В разделе коллекции музея «Собрания» музыкальные носители особое место занимают грампластинки 40-50-ых годов с записями песен военных лет. Традиционно к Дню Победы мы готовим тематические музыкальные альбомы мелодий, оцифрованные со старых граммофонных пластинок из фондов музея.
Виртуальную выставку произведений скульптуры второй половины 1940х-1960х годов, посвящённую 80-летию Победы в Великой Отечественной войне можно посмотреть по ссылке.
https://mus-col.com/events/37228/
Этой весной на площадке музея "Собрание" прошли съемки нескольких выпусков подкаста «Чистый тон».
«Чистый Тон» - проект, придуманный титулярным органистом Кафедрального Собора Калининграда Евгением Авраменко. С октября 2024-го в группах "Чистого Тона" ВКонтакте и Дзене выходят интервью с известными музыкантами, записанные в Калининграде, Санкт-Петербурге и Москве.
Наследие "Чистого Тона" - разговоры о классической музыке, великих композиторах, жизненном пути, коллегах и учителях. Ведущие - сам Евгений Авраменко и журналист из Петербурга Иван Жидков - ведут беседу с позиции профессионала и любителя, что открывает путь к чистому тону для всех, кто испытывает желание войти в мир для избранных.
Гостями "Чистого Тона" были органисты Алексей Шмитов, Борис Казачков, Мансур Юсупов, Наталья Михайлова, Габит Несипбаев. В ближайших планах общение с другими музыкантами и неизменно на эксклюзивных площадках.
https://dzen.ru/id/673c57ed8d45b274f4a8b1ea?lang=ru&country_code=ru&from_page=other_page
https://www.tg-me.com/organprincipal
«Чистый Тон» - проект, придуманный титулярным органистом Кафедрального Собора Калининграда Евгением Авраменко. С октября 2024-го в группах "Чистого Тона" ВКонтакте и Дзене выходят интервью с известными музыкантами, записанные в Калининграде, Санкт-Петербурге и Москве.
Наследие "Чистого Тона" - разговоры о классической музыке, великих композиторах, жизненном пути, коллегах и учителях. Ведущие - сам Евгений Авраменко и журналист из Петербурга Иван Жидков - ведут беседу с позиции профессионала и любителя, что открывает путь к чистому тону для всех, кто испытывает желание войти в мир для избранных.
Гостями "Чистого Тона" были органисты Алексей Шмитов, Борис Казачков, Мансур Юсупов, Наталья Михайлова, Габит Несипбаев. В ближайших планах общение с другими музыкантами и неизменно на эксклюзивных площадках.
https://dzen.ru/id/673c57ed8d45b274f4a8b1ea?lang=ru&country_code=ru&from_page=other_page
https://www.tg-me.com/organprincipal
Композитор и дирижер Анатолий Лядов в рубрике «Забытые имена»
11 мая 1855 года в семье известного в музыкальных кругах Санкт-Петербурга дирижёра императорского театра оперы и балета Константина Николаевича Лядова произошло радостное событие: родился мальчик, которому родители дали красивое имя Анатолий.
Анатолий Лядов принадлежит к младшему поколению замечательной плеяды русских композиторов второй половины XIX века. Он проявил себя как талантливый композитор, дирижер, педагог, общественный деятель. В основе творчества Лядова лежат образы русского эпоса и песенного фольклора, сказочной фантастики, для него характерна проникнутая созерцательностью лирика, тонкое ощущение природы. В произведениях композитора встречаются элементы жанровой характеристичности и комизма.
Значительная часть сочинений Лядова написана для фортепиано. Среди них выделяются: «Бирюльки», «Арабески», «Про старину» (позднее была создана оркестровая версия), «Идиллия», «Музыкальная табакерка», пьесы, прелюдии, вальсы.
Стиль Лядова сложился под большим влиянием его старших современников – композиторов «Русской пятерки», в большей степени Николая Римского-Корсакова, у которого он учился в Петербургской консерватории. Как и его преподаватель, Лядов часто обращается к фантастическим образам. Самым ярким примером являются его симфонические миниатюры, или, как их называл сам Лядов, «сказочные картинки» –Баба-Яга, Волшебное озеро, Кикимора.
Излюбленная музыкальная форма Анатолия Лядова – небольшая инструментальная или вокальная пьеса. Композитор в шутку говорил о себе, что он не выносит больше пяти минут музыки. Все его сочинения – это миниатюры, лаконичные и отточенные по форме. Творчество Лядова невелико по объему, кантата, 12 сочинений для симфонического оркестра, 18 детских песен на народные слова для голоса с фортепиано, 4 романса, около 200 обработок народных песен, несколько хоров, 6 камерно-инструментальных сочинений, около 50 пьес для фортепиано. О значимости музыки Лядова говорит то, что она часто звучит на концертах. Прежде всего, это его симфонические и фортепианные миниатюры.
Сергей Дягилев хотел, чтобы Анатолий Константинович написал музыку к балету для его «Русских сезонов», но композитор слишком долго обдумывал, как приступить к работе, и в результате – заказ выполнил Игорь Стравинский, создав знаменитую «Жар-птицу». Впрочем, несколько миниатюр Лядова также обрели хореографическое воплощение.
Несмотря на относительно недолгий жизненный путь Анатолия Лядова, композитор оставил яркий след в истории русской музыки. Его произведения, отличающиеся неповторимым стилем и совершенством формы‚ продолжают восхищать слушателей во всем мире В истории русской музыки Анатолия Константиновича Лядова можно отнести к группе авторов, связующих XIX и ХХ века. Лядов был не только талантливым композитором, он также обладал способностями к рисованию и поэтическому творчеству. В своём творчестве Анатолий Лядов строго придерживался своей позиции утонченного эстетизма. Несколько холодноватая лядовская лирика и стремление к ювелирной отточенности формы – свидетельствуют о зарождении новых эстетических веяний, присущих группе «мирискусников» и русских поэтов-символистов.
Вальс-шутка для фортепиано «Музыкальная табакерка» – композиция, которую Анатолий Константинович Лядов посвятил старшему сыну Михаилу, – в Фонотеке музея.
https://mus-col.com/events/37230/
11 мая 1855 года в семье известного в музыкальных кругах Санкт-Петербурга дирижёра императорского театра оперы и балета Константина Николаевича Лядова произошло радостное событие: родился мальчик, которому родители дали красивое имя Анатолий.
Анатолий Лядов принадлежит к младшему поколению замечательной плеяды русских композиторов второй половины XIX века. Он проявил себя как талантливый композитор, дирижер, педагог, общественный деятель. В основе творчества Лядова лежат образы русского эпоса и песенного фольклора, сказочной фантастики, для него характерна проникнутая созерцательностью лирика, тонкое ощущение природы. В произведениях композитора встречаются элементы жанровой характеристичности и комизма.
Значительная часть сочинений Лядова написана для фортепиано. Среди них выделяются: «Бирюльки», «Арабески», «Про старину» (позднее была создана оркестровая версия), «Идиллия», «Музыкальная табакерка», пьесы, прелюдии, вальсы.
Стиль Лядова сложился под большим влиянием его старших современников – композиторов «Русской пятерки», в большей степени Николая Римского-Корсакова, у которого он учился в Петербургской консерватории. Как и его преподаватель, Лядов часто обращается к фантастическим образам. Самым ярким примером являются его симфонические миниатюры, или, как их называл сам Лядов, «сказочные картинки» –Баба-Яга, Волшебное озеро, Кикимора.
Излюбленная музыкальная форма Анатолия Лядова – небольшая инструментальная или вокальная пьеса. Композитор в шутку говорил о себе, что он не выносит больше пяти минут музыки. Все его сочинения – это миниатюры, лаконичные и отточенные по форме. Творчество Лядова невелико по объему, кантата, 12 сочинений для симфонического оркестра, 18 детских песен на народные слова для голоса с фортепиано, 4 романса, около 200 обработок народных песен, несколько хоров, 6 камерно-инструментальных сочинений, около 50 пьес для фортепиано. О значимости музыки Лядова говорит то, что она часто звучит на концертах. Прежде всего, это его симфонические и фортепианные миниатюры.
Сергей Дягилев хотел, чтобы Анатолий Константинович написал музыку к балету для его «Русских сезонов», но композитор слишком долго обдумывал, как приступить к работе, и в результате – заказ выполнил Игорь Стравинский, создав знаменитую «Жар-птицу». Впрочем, несколько миниатюр Лядова также обрели хореографическое воплощение.
Несмотря на относительно недолгий жизненный путь Анатолия Лядова, композитор оставил яркий след в истории русской музыки. Его произведения, отличающиеся неповторимым стилем и совершенством формы‚ продолжают восхищать слушателей во всем мире В истории русской музыки Анатолия Константиновича Лядова можно отнести к группе авторов, связующих XIX и ХХ века. Лядов был не только талантливым композитором, он также обладал способностями к рисованию и поэтическому творчеству. В своём творчестве Анатолий Лядов строго придерживался своей позиции утонченного эстетизма. Несколько холодноватая лядовская лирика и стремление к ювелирной отточенности формы – свидетельствуют о зарождении новых эстетических веяний, присущих группе «мирискусников» и русских поэтов-символистов.
Вальс-шутка для фортепиано «Музыкальная табакерка» – композиция, которую Анатолий Константинович Лядов посвятил старшему сыну Михаилу, – в Фонотеке музея.
https://mus-col.com/events/37230/
Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
Рассказ о художнике Михае Зичи в рубрике «Прогулки по музею»
Венгерского живописца и графика Михая Зичи (1827-1906), более 50 лет «прослужившего» в России, называют «художником четырёх российских императоров». По случайному стечению обстоятельств судьба Михая Зичи оказалась теснейшим образом связана с Россией. Зичи приехал в Петербург в январе 1848 года. Молодой талантливый живописец, прирожденный рисовальщик, человек любознательный, интересующийся всеми видами изобразительного искусства, он довольно быстро приобретает известность в аристократических кругах Петербурга.
Через десять лет, в апреле 1858 года, Михаил Александрович Зичи, как его уже давно называли в Петербурге, был возведен в звание академика акварельной живописи. Спустя год, в мае 1859 года, император Александр II «пожаловал академику Михаилу Зичи звание живописца Его Императорского Величества с причислением его к Императорскому Эрмитажу». Уже в феврале 1860 года последовало еще одно распоряжение царя – предоставить Зичи для мастерской комнату в нижнем этаже Нового Эрмитажа. В 1863 году «Император пожаловал академика Зичи за исполнение восьми больших рисунков для хромолитографий и десяти гравюр для текста следующих к изданию описания «Священнейшего Коронования Их Величеств» кавалером ордена Св. Станислава II степени.
События государственного значения – приезды германского императора, персидского шаха, приемы посольских депутаций, сцены обручения и свадьбы наследника, рождение и крещение великого князя (будущего Николая II), военные смотры, парады, равно как и развлечения царского семейства и приближенных к нему лиц – спектакли, костюмированные балы, игры в шарады и особенно царские охоты с их разработанным ритуалом действий каждого участника – все является предметом тщательного изображения художником.
Рассказ о художнике Михае Зичи размещен в рубрике «Прогулки по музею».
Фотоальбом, в котором представлены некоторые работы Михая Зичи, хранящиеся в разделе «Графика» коллекции музея «Собрание», представлен в Фотогалерее музея.
Венгерского живописца и графика Михая Зичи (1827-1906), более 50 лет «прослужившего» в России, называют «художником четырёх российских императоров». По случайному стечению обстоятельств судьба Михая Зичи оказалась теснейшим образом связана с Россией. Зичи приехал в Петербург в январе 1848 года. Молодой талантливый живописец, прирожденный рисовальщик, человек любознательный, интересующийся всеми видами изобразительного искусства, он довольно быстро приобретает известность в аристократических кругах Петербурга.
Через десять лет, в апреле 1858 года, Михаил Александрович Зичи, как его уже давно называли в Петербурге, был возведен в звание академика акварельной живописи. Спустя год, в мае 1859 года, император Александр II «пожаловал академику Михаилу Зичи звание живописца Его Императорского Величества с причислением его к Императорскому Эрмитажу». Уже в феврале 1860 года последовало еще одно распоряжение царя – предоставить Зичи для мастерской комнату в нижнем этаже Нового Эрмитажа. В 1863 году «Император пожаловал академика Зичи за исполнение восьми больших рисунков для хромолитографий и десяти гравюр для текста следующих к изданию описания «Священнейшего Коронования Их Величеств» кавалером ордена Св. Станислава II степени.
События государственного значения – приезды германского императора, персидского шаха, приемы посольских депутаций, сцены обручения и свадьбы наследника, рождение и крещение великого князя (будущего Николая II), военные смотры, парады, равно как и развлечения царского семейства и приближенных к нему лиц – спектакли, костюмированные балы, игры в шарады и особенно царские охоты с их разработанным ритуалом действий каждого участника – все является предметом тщательного изображения художником.
Рассказ о художнике Михае Зичи размещен в рубрике «Прогулки по музею».
Фотоальбом, в котором представлены некоторые работы Михая Зичи, хранящиеся в разделе «Графика» коллекции музея «Собрание», представлен в Фотогалерее музея.
День соломенной шляпы
День соломенной шляпы отмечается ежегодно 15 мая. Приду3мали праздник в США в 2010 году, затем он быстро распространился по всему миру и стал популярным среди людей всех возрастов. Соломенная шляпа – аксессуар, который служит людям уже не одну тысячу лет.
Первые соломенные шляпы в европейской части появились еще в Древней Греции – пастухи плели их из самого простого и доступного материала, который буквально лежал под ногами. Потом на протяжении нескольких веков они оставались востребованным головным убором для крестьян и мастеровых. В Средние века форма и цвет, а также то, как шляпы были украшены, указывало на сословную или профессиональную принадлежность человека. Так, знатные люди щеголяли в шляпах, декорированных самоцветами и драгоценными камнями, горожане часто отдавали предпочтение черным моделям, а врачи носили высокие головные уборы. По форме, цвету и декору шляпы довольно легко можно было отличить торговца от кузнеца, а крестьянина от ремесленника. Соломенные шляпы носили и на Востоке: головные уборы в форме конуса, изготовленный из выбеленного рисового стебля, до сих пор являются отличительной чертой жителей Юго-Восточной Азии. Вьетнамская богиня с огромной шляпой, сделанной из четырех листьев, скрепленных бамбуковыми стеблями, спустилась с небес, чтобы защитить людей от проливного дождя.
Как и многие другие, ставшие модными и популярными среди женщин предметами гардероба, соломенная шляпа изначально считалась мужским аксессуаром, и только в XVII веке эта монополия подошла к концу. Считается, что моду на соломенные аксессуары ввела французская королева Мария-Антуанетта. Наряд в сочетании со шляпой создавал образ милой садовницы, который воспевали художники и поэты того времени.
Для изготовления головных уборов постепенно стали использовать уже не только стебли пшеницы, в ход пошли и другие растения. Например, это волокна из листьев агавы (парасизаль), гладкая поверхность которых придает изделию блеск, а изделие выглядит соответственно очень нарядно и эффектно. Используют водоросли, стебли пшеницы флорентийской, рисовую соломку, листья банановой пальмы, которая произрастает на Филиппинских островах, токиллу (эквадорское растение) и прочие травянистые материалы. Неизменным в любом случае остается исходный материал ‒ солома. Непосредственно во время процесса создания этого головного убора, шляпа подвергается различным воздействиям. Для того чтобы впоследствии ее было приятно и комфортно носить, изделие смягчают обрабатывая его горячим паром, вымачивают в теплой воде и уже потом вручную подгоняют форму до необходимых параметров. В основном производством соломенных шляп ручной работы в промышленном объеме традиционно занимались женщины, внося, таким образом, значительный вклад в семейный бюджет.
XX век аккумулировал все «шляпные» идеи прошлого прошлого — каждое десятилетие, отдавая предпочтение той или иной модели и делая ее символом эпохи. Так, в 20-е годы, Коко Шанель популяризировала шляпки в форме колокольчика – «клош», в 30-е годы с легкой руки Греты Гарбо, в моду вошли модели «слауч» – шляпы с приспущенными полями, таинственно закрывающими лицо. Шляпы носили все поголовно: рабочие, аристократы, американские фермеры, венецианские гондольеры, хиппи и звезды поп-культуры.
Популярны они и сейчас! Какое многообразие шляп можно наблюдать сегодня! Канотье, панама, сомбреро, широкополая флоппи и многие другие модели шляп. Неудивительно, что каждый сможет найти головной убор на свой вкус!
В мире существует музеи «Соломенной шляпы», один из самых известных – художественный музей «Соломенной шляпы и плетения Доменико Микелаччи»1) (Domenico Michel a cci), в городе Синье (пригород Флоренции).
Фотоальбом, приуроченный к международному дню соломенной шляпы, размещен в Фотогалерее музея.
Коллекция механических кукол и автоматов музея «Собрание» является единственной в своем роде в России и признана экспертами одной из лучших в мире.
В разделе «Занимательные автоматы» представлены все виды и формы механических игрушек XVIII – XX века.
https://mus-col.com/events/37282/
День соломенной шляпы отмечается ежегодно 15 мая. Приду3мали праздник в США в 2010 году, затем он быстро распространился по всему миру и стал популярным среди людей всех возрастов. Соломенная шляпа – аксессуар, который служит людям уже не одну тысячу лет.
Первые соломенные шляпы в европейской части появились еще в Древней Греции – пастухи плели их из самого простого и доступного материала, который буквально лежал под ногами. Потом на протяжении нескольких веков они оставались востребованным головным убором для крестьян и мастеровых. В Средние века форма и цвет, а также то, как шляпы были украшены, указывало на сословную или профессиональную принадлежность человека. Так, знатные люди щеголяли в шляпах, декорированных самоцветами и драгоценными камнями, горожане часто отдавали предпочтение черным моделям, а врачи носили высокие головные уборы. По форме, цвету и декору шляпы довольно легко можно было отличить торговца от кузнеца, а крестьянина от ремесленника. Соломенные шляпы носили и на Востоке: головные уборы в форме конуса, изготовленный из выбеленного рисового стебля, до сих пор являются отличительной чертой жителей Юго-Восточной Азии. Вьетнамская богиня с огромной шляпой, сделанной из четырех листьев, скрепленных бамбуковыми стеблями, спустилась с небес, чтобы защитить людей от проливного дождя.
Как и многие другие, ставшие модными и популярными среди женщин предметами гардероба, соломенная шляпа изначально считалась мужским аксессуаром, и только в XVII веке эта монополия подошла к концу. Считается, что моду на соломенные аксессуары ввела французская королева Мария-Антуанетта. Наряд в сочетании со шляпой создавал образ милой садовницы, который воспевали художники и поэты того времени.
Для изготовления головных уборов постепенно стали использовать уже не только стебли пшеницы, в ход пошли и другие растения. Например, это волокна из листьев агавы (парасизаль), гладкая поверхность которых придает изделию блеск, а изделие выглядит соответственно очень нарядно и эффектно. Используют водоросли, стебли пшеницы флорентийской, рисовую соломку, листья банановой пальмы, которая произрастает на Филиппинских островах, токиллу (эквадорское растение) и прочие травянистые материалы. Неизменным в любом случае остается исходный материал ‒ солома. Непосредственно во время процесса создания этого головного убора, шляпа подвергается различным воздействиям. Для того чтобы впоследствии ее было приятно и комфортно носить, изделие смягчают обрабатывая его горячим паром, вымачивают в теплой воде и уже потом вручную подгоняют форму до необходимых параметров. В основном производством соломенных шляп ручной работы в промышленном объеме традиционно занимались женщины, внося, таким образом, значительный вклад в семейный бюджет.
XX век аккумулировал все «шляпные» идеи прошлого прошлого — каждое десятилетие, отдавая предпочтение той или иной модели и делая ее символом эпохи. Так, в 20-е годы, Коко Шанель популяризировала шляпки в форме колокольчика – «клош», в 30-е годы с легкой руки Греты Гарбо, в моду вошли модели «слауч» – шляпы с приспущенными полями, таинственно закрывающими лицо. Шляпы носили все поголовно: рабочие, аристократы, американские фермеры, венецианские гондольеры, хиппи и звезды поп-культуры.
Популярны они и сейчас! Какое многообразие шляп можно наблюдать сегодня! Канотье, панама, сомбреро, широкополая флоппи и многие другие модели шляп. Неудивительно, что каждый сможет найти головной убор на свой вкус!
В мире существует музеи «Соломенной шляпы», один из самых известных – художественный музей «Соломенной шляпы и плетения Доменико Микелаччи»1) (Domenico Michel a cci), в городе Синье (пригород Флоренции).
Фотоальбом, приуроченный к международному дню соломенной шляпы, размещен в Фотогалерее музея.
Коллекция механических кукол и автоматов музея «Собрание» является единственной в своем роде в России и признана экспертами одной из лучших в мире.
В разделе «Занимательные автоматы» представлены все виды и формы механических игрушек XVIII – XX века.
https://mus-col.com/events/37282/
Международный день музеев: хранители времени и традиций
В стремительно меняющемся цифровом мире музеи продолжают играть важнейшую роль в сохранении культурного наследия человечества. Они не просто демонстрируют артефакты прошлого - они создают живой диалог между поколениями, помогая нам осмыслить настоящее и заглянуть в будущее.
Как отмечали великие мыслители:
«Музей - это зеркало, отражающее лицо нации» (Д.С. Лихачёв)
«Народ, не знающий своего прошлого, не имеет будущего» (М.В. Ломоносов)
История праздника:
Международный день музеев, отмечаемый 18 мая, был учреждён в 1977 году по инициативе Международного совета музеев (ICOM). В 2024 году праздник проходит под актуальной темой: *«Музеи как центры устойчивого развития»*, подчеркивающей их роль в формировании экологического сознания и социальной ответственности.
Традиции празднования:
- Дни открытых дверей и бесплатные экскурсии
- Специальные образовательные программы
- Интерактивные выставки и мастер-классы
- Ночные мероприятия («Ночь музеев»)
- Презентации новых экспозиций и проектов.
Первый российский музей:
Основанная Петром I в 1714 году Кунсткамера стала не просто собранием диковинок, а настоящим научным и просветительским центром. Император лично заботился о пополнении коллекции, приобретая уникальные экспонаты во время своих путешествий. Сегодня Музей антропологии и этнографии имени Петра Великого (бывшая Кунсткамера) предлагает посетителям:
- Богатейшие коллекции по этнографии народов мира
- Уникальные анатомические экспонаты
- Интерактивные образовательные программы
- Тематические экскурсии для разных возрастных групп.
Для многих посещение музея 18 мая превращается в ежегодный ритуал, а для самих учреждений культуры – в возможность показать, что они остаются живыми и постоянно развивающимися пространствами, где история встречается с инновациями.
Сегодня, в Международный день музеев, мы приглашаем вас присоединиться к миллионам людей по всему миру, заглянув в Видеоархив музея «Собрание».
https://mus-col.com/events/37286/
В стремительно меняющемся цифровом мире музеи продолжают играть важнейшую роль в сохранении культурного наследия человечества. Они не просто демонстрируют артефакты прошлого - они создают живой диалог между поколениями, помогая нам осмыслить настоящее и заглянуть в будущее.
Как отмечали великие мыслители:
«Музей - это зеркало, отражающее лицо нации» (Д.С. Лихачёв)
«Народ, не знающий своего прошлого, не имеет будущего» (М.В. Ломоносов)
История праздника:
Международный день музеев, отмечаемый 18 мая, был учреждён в 1977 году по инициативе Международного совета музеев (ICOM). В 2024 году праздник проходит под актуальной темой: *«Музеи как центры устойчивого развития»*, подчеркивающей их роль в формировании экологического сознания и социальной ответственности.
Традиции празднования:
- Дни открытых дверей и бесплатные экскурсии
- Специальные образовательные программы
- Интерактивные выставки и мастер-классы
- Ночные мероприятия («Ночь музеев»)
- Презентации новых экспозиций и проектов.
Первый российский музей:
Основанная Петром I в 1714 году Кунсткамера стала не просто собранием диковинок, а настоящим научным и просветительским центром. Император лично заботился о пополнении коллекции, приобретая уникальные экспонаты во время своих путешествий. Сегодня Музей антропологии и этнографии имени Петра Великого (бывшая Кунсткамера) предлагает посетителям:
- Богатейшие коллекции по этнографии народов мира
- Уникальные анатомические экспонаты
- Интерактивные образовательные программы
- Тематические экскурсии для разных возрастных групп.
Для многих посещение музея 18 мая превращается в ежегодный ритуал, а для самих учреждений культуры – в возможность показать, что они остаются живыми и постоянно развивающимися пространствами, где история встречается с инновациями.
Сегодня, в Международный день музеев, мы приглашаем вас присоединиться к миллионам людей по всему миру, заглянув в Видеоархив музея «Собрание».
https://mus-col.com/events/37286/
День обмена талисманами. Счастливые талисманы Рене Лалика
Сегодня отмечается необычный праздник – день обмена талисманами. Считается, что талисманы могут приносить удачу, предупреждать об опасности, улучшать самочувствие и т. п. Также считается, что талисман, плохо настроенный на хозяина, может представлять серьёзную угрозу, равно как и чужие талисманы.
Можно верить или не верить в магические свойства талисманов – это выбор каждого. Тем не менее, на протяжении многих столетий наши предки верили в магию талисманов. Как известно настоящий талисман не покупают за деньги, его можно либо сделать самому, либо найти, либо получить в подарок. Важно, что каждого талисмана обязательно должна быть своя история.
Люди с древних времен верят в магическую силу оберегов, талисманов и амулетов. Эти предметы, аккумулирующие защитные силы, были широко распространены в Древнем Египте (жук-скарабей, цилиндр), в Элладе и Древнем Риме (амулеты из свинца), ладанки с краткими цитатами из Библии были популярны в Средние века.
Обычно талисманом становится предмет, приносящий своему владельцу удачу (в его понимании этого слова). Талисманом может быть любая вещь: элемент одежды, камушек, монета и т.п. В современном мире, по-прежнему, существуют талисманы и у людей, и у компаний.
Персонаж-талисман, маско́т (от англ. mascot — «человек, животное или объект, приносящий удачу») — практически любой узнаваемый персонаж, антропоморфный и не очень, олицетворяющий собой некий коллектив: школу, спортивную команду, сообщество, воинское подразделение, мероприятие или бренд. Маскоты (талисманы) часто используются как персонажи, представляющие потребителям те или иные товары и услуги.
Маскот в автомобилестроении – расположенное на передней части капота автомобиля украшение, фигурка человека, животного, природного явления или предмета. Традицию украшать капот или радиатор автомобиля фигуркой можно связать с гальюнной (носовой) фигурой – украшением на носу парусного судна. Установленная на парусниках, эта фигура символизировала оберег от нечистой силы и злых духов. Выдающийся французский декоратор интерьера, ювелир, медальер, художник по стеклу и эмалям периода модерна, стилей ар нуво и ар-деко Рене Лалик увлёкся автомобильными талисманами, начав сотрудничать с известнейшими производителями автомомбилей – Hispano Suiza, Isotta Fraschini, Bugatti, Bentley. Он разработал и выпустил тридцать изысканных фигурок. Первый стеклянный талисман «Пять лошадей» был изготовлен Рене Лаликом в 1925 году для компании Citroen.
Маскоты Рене Лалика могли быть штучные, уникальные или созданные по заказу, например, представителей Британской короны. Именно таков маскот «Борзая». После изготовления подобных моделей, производственная (рабочая) форма уничтожалась, с целью избежать подделок. В своём большинстве, маскоты Лалика мелкосерийные, с определенным количеством созданных экземпляров. После производства и продажи такой серии в документации компании записывалось: «Серия исчерпана». Однако серия могла быть запущена снова, повторяя шаблонный образец.
В «Фотогалерее» музея размещён тематический фотоальбом «Счастливые талисманы Рене Лалика», в котором представлены талисманы-маскоты для автомобильных радиаторов2), изготовленные на предприятии Рене Лалика в лимитированной серии в 1928-1930 гг.
Рене Лалик создал несколько тематических серий талисманов-маскотов для различных автомобильных марок, и все они пользовались большим успехом.
Биография ювелира, мастера золотого и серебряного дела, дизайнера и мэтра художественного стекла – в разделе в разделе «Авторы/Производители».
https://mus-col.com/events/31703/
Сегодня отмечается необычный праздник – день обмена талисманами. Считается, что талисманы могут приносить удачу, предупреждать об опасности, улучшать самочувствие и т. п. Также считается, что талисман, плохо настроенный на хозяина, может представлять серьёзную угрозу, равно как и чужие талисманы.
Можно верить или не верить в магические свойства талисманов – это выбор каждого. Тем не менее, на протяжении многих столетий наши предки верили в магию талисманов. Как известно настоящий талисман не покупают за деньги, его можно либо сделать самому, либо найти, либо получить в подарок. Важно, что каждого талисмана обязательно должна быть своя история.
Люди с древних времен верят в магическую силу оберегов, талисманов и амулетов. Эти предметы, аккумулирующие защитные силы, были широко распространены в Древнем Египте (жук-скарабей, цилиндр), в Элладе и Древнем Риме (амулеты из свинца), ладанки с краткими цитатами из Библии были популярны в Средние века.
Обычно талисманом становится предмет, приносящий своему владельцу удачу (в его понимании этого слова). Талисманом может быть любая вещь: элемент одежды, камушек, монета и т.п. В современном мире, по-прежнему, существуют талисманы и у людей, и у компаний.
Персонаж-талисман, маско́т (от англ. mascot — «человек, животное или объект, приносящий удачу») — практически любой узнаваемый персонаж, антропоморфный и не очень, олицетворяющий собой некий коллектив: школу, спортивную команду, сообщество, воинское подразделение, мероприятие или бренд. Маскоты (талисманы) часто используются как персонажи, представляющие потребителям те или иные товары и услуги.
Маскот в автомобилестроении – расположенное на передней части капота автомобиля украшение, фигурка человека, животного, природного явления или предмета. Традицию украшать капот или радиатор автомобиля фигуркой можно связать с гальюнной (носовой) фигурой – украшением на носу парусного судна. Установленная на парусниках, эта фигура символизировала оберег от нечистой силы и злых духов. Выдающийся французский декоратор интерьера, ювелир, медальер, художник по стеклу и эмалям периода модерна, стилей ар нуво и ар-деко Рене Лалик увлёкся автомобильными талисманами, начав сотрудничать с известнейшими производителями автомомбилей – Hispano Suiza, Isotta Fraschini, Bugatti, Bentley. Он разработал и выпустил тридцать изысканных фигурок. Первый стеклянный талисман «Пять лошадей» был изготовлен Рене Лаликом в 1925 году для компании Citroen.
Маскоты Рене Лалика могли быть штучные, уникальные или созданные по заказу, например, представителей Британской короны. Именно таков маскот «Борзая». После изготовления подобных моделей, производственная (рабочая) форма уничтожалась, с целью избежать подделок. В своём большинстве, маскоты Лалика мелкосерийные, с определенным количеством созданных экземпляров. После производства и продажи такой серии в документации компании записывалось: «Серия исчерпана». Однако серия могла быть запущена снова, повторяя шаблонный образец.
В «Фотогалерее» музея размещён тематический фотоальбом «Счастливые талисманы Рене Лалика», в котором представлены талисманы-маскоты для автомобильных радиаторов2), изготовленные на предприятии Рене Лалика в лимитированной серии в 1928-1930 гг.
Рене Лалик создал несколько тематических серий талисманов-маскотов для различных автомобильных марок, и все они пользовались большим успехом.
Биография ювелира, мастера золотого и серебряного дела, дизайнера и мэтра художественного стекла – в разделе в разделе «Авторы/Производители».
https://mus-col.com/events/31703/
Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
Шоколадные грампластинки в коллекции музея «Собрание»
Музей «Собрание» совместно с холдингом «Объединенные кондитеры» представляют шоколадную пластинку для граммофона с записью «Венского вальса» Ральфа Бенацки.
Для иллюстрации этого высказывания музей «Собрание» совместно с холдингом «Объединенные кондитеры» обратился к одной из наиболее интригующих страниц в истории звукозаписи и изготовил серию грампластинок из шоколадной массы. На небольших дисках, выполненных из высококачественного шоколада была записана мелодия оркестриона «Phonoliszt-Violina Model B» – «Венский вальс» композитора Ральфа Бенацки. Увидеть процесс воспроизведения мелодии и послушать вальс можно на сайте музея в разделе «Видеоархив».
Поразительным образом, шоколадные музыкальные носители не являются новшеством. Их изобрел владелец крупнейшей немецкой кондитерской фабрики, успешный предприниматель и выдающийся шоколатье Людвиг Штольверк более ста лет тому назад. В начале 1900-х годов он познакомился с Томасом Эдисоном, и, получив исключительное право на распространение фонографов в Германии, начал активно интегрировать их в своё производство. Уже в 1903 г. Штольверк выпустил миниатюрные фонографы для детей. Эти «игрушки», не превышающие в высоту 20 см, приводились в движение часовым механизмом фирмы «Юнгханс (Gebruder Junghans A.G.)», а записи для них наносились на шоколадные конфеты круглой формы. Как правило, подобные фонографы дарились по праздникам – на Рождество, Пасху или в день рождения. Когда ребенку надоедало слушать поздравительную мелодию, он мог съесть свой сладкий подарок. Это оригинальное изобретение, рекламировавшееся как «говорящий шоколад Штольверка», стало популярным в Бельгии и во Франции. Оно способствовало появлению широкого спектра игрушечных граммофонов, предназначенных для воспроизведения колыбельных, сказок, стихов и образовательных материалов для детей. Тем не менее, к 1910 году подобные устройства начали выходить из производства, что было связано с относительной дороговизной деталей и частыми поломками механизма, а вскоре и вовсе исчезли. Лишь единицы этих принципиально хрупких проигрывателей дошли до наших дней и представлены в коллекции технических музеев Европы и Америки. Шоколадные пластинки начала XX века не сохранились.
В коллекции музея «Собрание» представлен граммофон фирмы «Штольверк» (Stollwerck Chocolate company) , предназначенный для воспроизведения мелодии на пластинке, изготовленной из шоколада, а также хранятся детские игрушечные проигрыватели фирмы «Нирона» (Nirona). Благодаря сотрудничеству с «Объединенными кондитерами», раздел коллекции «Музыкальные носители» пополнился не имеющими аналогов шоколадными грампластинками.
Как пишет кулинар Кристель Ле Ру (Christelle Le Ru), «воспоминания о детстве, роскошь, сладость и чувственность – шоколад это не просто еда, это терапевтическое средство».
Таким образом, можно с уверенностью сказать о том, что в музее «Собрание» сегодня представлена во всей полноте терапевтическая, сентиментальная и необычная страница из истории звукозаписи – история шоколадных музыкальных носителей и устройств для их воспроизведения.
https://mus-col.com/events/37290/
Музей «Собрание» совместно с холдингом «Объединенные кондитеры» представляют шоколадную пластинку для граммофона с записью «Венского вальса» Ральфа Бенацки.
Для иллюстрации этого высказывания музей «Собрание» совместно с холдингом «Объединенные кондитеры» обратился к одной из наиболее интригующих страниц в истории звукозаписи и изготовил серию грампластинок из шоколадной массы. На небольших дисках, выполненных из высококачественного шоколада была записана мелодия оркестриона «Phonoliszt-Violina Model B» – «Венский вальс» композитора Ральфа Бенацки. Увидеть процесс воспроизведения мелодии и послушать вальс можно на сайте музея в разделе «Видеоархив».
Поразительным образом, шоколадные музыкальные носители не являются новшеством. Их изобрел владелец крупнейшей немецкой кондитерской фабрики, успешный предприниматель и выдающийся шоколатье Людвиг Штольверк более ста лет тому назад. В начале 1900-х годов он познакомился с Томасом Эдисоном, и, получив исключительное право на распространение фонографов в Германии, начал активно интегрировать их в своё производство. Уже в 1903 г. Штольверк выпустил миниатюрные фонографы для детей. Эти «игрушки», не превышающие в высоту 20 см, приводились в движение часовым механизмом фирмы «Юнгханс (Gebruder Junghans A.G.)», а записи для них наносились на шоколадные конфеты круглой формы. Как правило, подобные фонографы дарились по праздникам – на Рождество, Пасху или в день рождения. Когда ребенку надоедало слушать поздравительную мелодию, он мог съесть свой сладкий подарок. Это оригинальное изобретение, рекламировавшееся как «говорящий шоколад Штольверка», стало популярным в Бельгии и во Франции. Оно способствовало появлению широкого спектра игрушечных граммофонов, предназначенных для воспроизведения колыбельных, сказок, стихов и образовательных материалов для детей. Тем не менее, к 1910 году подобные устройства начали выходить из производства, что было связано с относительной дороговизной деталей и частыми поломками механизма, а вскоре и вовсе исчезли. Лишь единицы этих принципиально хрупких проигрывателей дошли до наших дней и представлены в коллекции технических музеев Европы и Америки. Шоколадные пластинки начала XX века не сохранились.
В коллекции музея «Собрание» представлен граммофон фирмы «Штольверк» (Stollwerck Chocolate company) , предназначенный для воспроизведения мелодии на пластинке, изготовленной из шоколада, а также хранятся детские игрушечные проигрыватели фирмы «Нирона» (Nirona). Благодаря сотрудничеству с «Объединенными кондитерами», раздел коллекции «Музыкальные носители» пополнился не имеющими аналогов шоколадными грампластинками.
Как пишет кулинар Кристель Ле Ру (Christelle Le Ru), «воспоминания о детстве, роскошь, сладость и чувственность – шоколад это не просто еда, это терапевтическое средство».
Таким образом, можно с уверенностью сказать о том, что в музее «Собрание» сегодня представлена во всей полноте терапевтическая, сентиментальная и необычная страница из истории звукозаписи – история шоколадных музыкальных носителей и устройств для их воспроизведения.
https://mus-col.com/events/37290/
Звезды джаза: Эдди Рознер
Эдди Рознер – коренной берлинец, джазовый виртуоз довоенной Европы, первый настоящий шоумен в CCCР, где его имя и музыка попадали под запрет дважды – в конце 40х годов, когда он на 7 лет попал в лагеря, и в начале 70-х. Еще при жизни о музыканте слагались легенды. Современники помнят его как кумира стиляг и любимца женщин, неутомимого рассказчика и человека со сложным и авантюрным характером, баловня фортуны и вечного скитальца.
Родился Эдди (при рождении Адольф Эдуард) 26 мая 1910 года в Берлине. Окончил музыкальную школу и консерваторию по классу скрипки. Родной дядя посоветовал юноше избрать на старших курсах в качестве второго инструмента трубу. Ади послушался и вскоре понял – это судьба. Уже в 1928 году юношу приглашают первым трубачом в Гамбург, в оркестр Марека Вебера. Затем он переходит в популярный джазовый коллектив «Vaintraub Cynkopaitors» – настоящий биг бэнд, играющий джаз в американском стиле.
Когда оставаться в Германии и на территории захваченной Германией Польши стало смертельно опасно, Рознер сумел переправить в Советский Союз не только свою семью, но и большинство музыкантов оркестра.
Вскоре по приглашению руководителя БССР Пантелеймона Пономаренко (поклонника джазовой музыки), Эдди Рознер переехал в Минск, где возглавил Государственный джаз-оркестр БССР. Коллектив играл самые модные мелодии тех лет. И всесоюзный успех не заставил себя ждать. Оркестр даже получил спецпоезд для гастролей, который практически стал для музыкантов домом.
До нашего времени дошла лишь одна записанная композиция: джазовые вариации на темы вальса Штрауса «Сказки Венского леса», снятые для фильма «Концерт-вальс».
Во время Великой Отечественной войны оркестр много выступал перед бойцами Советской армии, среди личных наград Рознера появилась медаль «За освобождение Варшавы», в 1944 году он получил звание заслуженного артиста Белорусской СССР.
По окончании войны его карьера была прервана арестом и восьмилетним заключением в тюрьмах и лагерях ГУЛАГа.
После освобождения Эдди Рознер создал свой оркестр в Москве. Ему выделили финансирование и базу для репетиций. Так началась новая страница жизни музыканта, ставшего популярным советским шоуменом, руководителем эстрадного оркестра, созданного при Мосэстраде. В 1956 году Рознер и его оркестр снялись в кинокомедии «Карнавальная ночь». В кулуарах оркестра происходили процессы, готовившие почву для того джазового взрыва, который произойдет в СССР в 60-е годы. Это была школа джазового мастерства. Достаточно сказать, что через оркестр Рознера прошли такие музыканты, как Вадим Людвиковский, Юрий Саульский, Владимир Терлецкий, Алексей Мажуков. Возникла опасная для Рознера ситуация: новый оркестр – великолепный джаз самой современной ориентации, никак не вписывался в сложившуюся картину советской музыкальной эстрады, он был слишком элитарен.
В 1971 году Росконцерт вынудил Рознера уйти на пенсию. В начале 1973 года музыкант навсегда покинул СССР и поселился в Западном Берлине. Он пытался строить творческие планы. Ему собиралась помочь Берлинская еврейская община выразила готовность ему помочь, Дюк Эллингтон, правительство ФРГ... Но беда состояла в том, что маэстро был слишком уставшим, его здоровье сильно ухудшилось. В 1976 году Эдди Рознер скончался.
Музыкальную подборку, подготовленную 115-летнему юбилею Эдди Рознера, можно послушать в Фонотеке музея.
Документальный фильм об Эдди Рознере «Джазмен из ГУЛАГа» (Le Jazzman Du Goulag, 1999) Пьера-Анри Сальфати получил премию «Эмми» в номинации «Документальное кино».
https://mus-col.com/events/37304/
Эдди Рознер – коренной берлинец, джазовый виртуоз довоенной Европы, первый настоящий шоумен в CCCР, где его имя и музыка попадали под запрет дважды – в конце 40х годов, когда он на 7 лет попал в лагеря, и в начале 70-х. Еще при жизни о музыканте слагались легенды. Современники помнят его как кумира стиляг и любимца женщин, неутомимого рассказчика и человека со сложным и авантюрным характером, баловня фортуны и вечного скитальца.
Родился Эдди (при рождении Адольф Эдуард) 26 мая 1910 года в Берлине. Окончил музыкальную школу и консерваторию по классу скрипки. Родной дядя посоветовал юноше избрать на старших курсах в качестве второго инструмента трубу. Ади послушался и вскоре понял – это судьба. Уже в 1928 году юношу приглашают первым трубачом в Гамбург, в оркестр Марека Вебера. Затем он переходит в популярный джазовый коллектив «Vaintraub Cynkopaitors» – настоящий биг бэнд, играющий джаз в американском стиле.
Когда оставаться в Германии и на территории захваченной Германией Польши стало смертельно опасно, Рознер сумел переправить в Советский Союз не только свою семью, но и большинство музыкантов оркестра.
Вскоре по приглашению руководителя БССР Пантелеймона Пономаренко (поклонника джазовой музыки), Эдди Рознер переехал в Минск, где возглавил Государственный джаз-оркестр БССР. Коллектив играл самые модные мелодии тех лет. И всесоюзный успех не заставил себя ждать. Оркестр даже получил спецпоезд для гастролей, который практически стал для музыкантов домом.
До нашего времени дошла лишь одна записанная композиция: джазовые вариации на темы вальса Штрауса «Сказки Венского леса», снятые для фильма «Концерт-вальс».
Во время Великой Отечественной войны оркестр много выступал перед бойцами Советской армии, среди личных наград Рознера появилась медаль «За освобождение Варшавы», в 1944 году он получил звание заслуженного артиста Белорусской СССР.
По окончании войны его карьера была прервана арестом и восьмилетним заключением в тюрьмах и лагерях ГУЛАГа.
После освобождения Эдди Рознер создал свой оркестр в Москве. Ему выделили финансирование и базу для репетиций. Так началась новая страница жизни музыканта, ставшего популярным советским шоуменом, руководителем эстрадного оркестра, созданного при Мосэстраде. В 1956 году Рознер и его оркестр снялись в кинокомедии «Карнавальная ночь». В кулуарах оркестра происходили процессы, готовившие почву для того джазового взрыва, который произойдет в СССР в 60-е годы. Это была школа джазового мастерства. Достаточно сказать, что через оркестр Рознера прошли такие музыканты, как Вадим Людвиковский, Юрий Саульский, Владимир Терлецкий, Алексей Мажуков. Возникла опасная для Рознера ситуация: новый оркестр – великолепный джаз самой современной ориентации, никак не вписывался в сложившуюся картину советской музыкальной эстрады, он был слишком элитарен.
В 1971 году Росконцерт вынудил Рознера уйти на пенсию. В начале 1973 года музыкант навсегда покинул СССР и поселился в Западном Берлине. Он пытался строить творческие планы. Ему собиралась помочь Берлинская еврейская община выразила готовность ему помочь, Дюк Эллингтон, правительство ФРГ... Но беда состояла в том, что маэстро был слишком уставшим, его здоровье сильно ухудшилось. В 1976 году Эдди Рознер скончался.
Музыкальную подборку, подготовленную 115-летнему юбилею Эдди Рознера, можно послушать в Фонотеке музея.
Документальный фильм об Эдди Рознере «Джазмен из ГУЛАГа» (Le Jazzman Du Goulag, 1999) Пьера-Анри Сальфати получил премию «Эмми» в номинации «Документальное кино».
https://mus-col.com/events/37304/
Воплощение мечты Петра I. Санкт-Петербург в музейной коллекции
Санкт-Петербург стал воплощением грандиозной мечты Петра I об «окне в Европу». Город начал свою историю в 1703 году с Заячьего острова, где была заложена крепость, позже получившая название Петропавловской. Название острова переводится с финского как «заячий остров». Этот клочок земли был стратегически важен — именно с него началась борьба за выход к Балтийскому морю. Крепость строили около 20 тысяч человек — рабочие, солдаты и пленные шведы — несмотря на тяжёлые условия, без жилья и провизии.
Петр понимал: для преобразования России нужна новая столица. Москва вызывала у него личные негативные воспоминания, а изменить её до европейского образца было сложно и дорого. Он решил строить город с нуля, вдохновляясь архитектурой Амстердама. Уже в 1710 году появился амбициозный проект застройки острова Котлин с системой каналов, улиц и площадей. В 1712 году был издан указ о принудительном переселении на остров дворян, купцов и ремесленников.
Позже активное строительство развернулось на Васильевском острове. Архитектор Доменико Трезини в 1716 году создал генеральный план Петербурга, предусматривавший чёткую сетку улиц-каналов, общественные здания и просторные сады. Хоть задумка не была реализована в полном объёме, идея Петра о кварталах, прорезанных каналами, оставалась основой будущих проектов. Со временем остров стал промышленным районом, но парадный ансамбль Стрелки напоминает о первичном замысле — сделать его городским центром.
Пётр I хотел видеть дома в голландском стиле «фахверк», но суровый климат заставил перейти к каменному строительству. Чтобы ускорить этот процесс, он запретил строить из камня по всей стране, кроме Петербурга, направляя туда всех мастеров. Город рос стремительно: по сменам строились жилые дома, дворцы, соборы, гавани, мощёные улицы и зелёные насаждения, которым Петр придавал особое значение. Уже в 1720-х Санкт-Петербург стал новым культурным, научным и торговым центром России, символом её преобразований и имперского величия.
Коллекция музея предлагает взглянуть на историю города через уникальные артефакты. Среди них – акварель В.С. Садовникова «Панорама Невского проспекта. Правая, теневая сторона» (1830), дающая представление о главной улице Петербурга начала XIX века. Интерес представляет также «Медальон с планом Санкт-Петербурга» 1790 года — миниатюрное изображение города XVIII века в лавровой рамке, созданное И.Х. Набгольцем по рисунку Дейбеля.
В разделе «Русское художественное стекло и керамика» представлены предметы с видами Петербурга: Пласт с изображением Дворцовой площади, Стопка со Стрелкой Васильевского острова, Кубок с портретом Петра I. В коллекции художественного металла — Табакерка с памятником Петру I. Все эти экспонаты — не только произведения искусства, но и отражение духа города.
День города в Санкт-Петербурге — это всегда особенный, многослойный праздник, объединяющий прошлое и настоящее. В 2025 году город на Неве отмечает своё 322-летие.
Поздравляем петербуржцев и гостей города с этим знаменательным днём!
https://mus-col.com/events/37320/
Санкт-Петербург стал воплощением грандиозной мечты Петра I об «окне в Европу». Город начал свою историю в 1703 году с Заячьего острова, где была заложена крепость, позже получившая название Петропавловской. Название острова переводится с финского как «заячий остров». Этот клочок земли был стратегически важен — именно с него началась борьба за выход к Балтийскому морю. Крепость строили около 20 тысяч человек — рабочие, солдаты и пленные шведы — несмотря на тяжёлые условия, без жилья и провизии.
Петр понимал: для преобразования России нужна новая столица. Москва вызывала у него личные негативные воспоминания, а изменить её до европейского образца было сложно и дорого. Он решил строить город с нуля, вдохновляясь архитектурой Амстердама. Уже в 1710 году появился амбициозный проект застройки острова Котлин с системой каналов, улиц и площадей. В 1712 году был издан указ о принудительном переселении на остров дворян, купцов и ремесленников.
Позже активное строительство развернулось на Васильевском острове. Архитектор Доменико Трезини в 1716 году создал генеральный план Петербурга, предусматривавший чёткую сетку улиц-каналов, общественные здания и просторные сады. Хоть задумка не была реализована в полном объёме, идея Петра о кварталах, прорезанных каналами, оставалась основой будущих проектов. Со временем остров стал промышленным районом, но парадный ансамбль Стрелки напоминает о первичном замысле — сделать его городским центром.
Пётр I хотел видеть дома в голландском стиле «фахверк», но суровый климат заставил перейти к каменному строительству. Чтобы ускорить этот процесс, он запретил строить из камня по всей стране, кроме Петербурга, направляя туда всех мастеров. Город рос стремительно: по сменам строились жилые дома, дворцы, соборы, гавани, мощёные улицы и зелёные насаждения, которым Петр придавал особое значение. Уже в 1720-х Санкт-Петербург стал новым культурным, научным и торговым центром России, символом её преобразований и имперского величия.
Коллекция музея предлагает взглянуть на историю города через уникальные артефакты. Среди них – акварель В.С. Садовникова «Панорама Невского проспекта. Правая, теневая сторона» (1830), дающая представление о главной улице Петербурга начала XIX века. Интерес представляет также «Медальон с планом Санкт-Петербурга» 1790 года — миниатюрное изображение города XVIII века в лавровой рамке, созданное И.Х. Набгольцем по рисунку Дейбеля.
В разделе «Русское художественное стекло и керамика» представлены предметы с видами Петербурга: Пласт с изображением Дворцовой площади, Стопка со Стрелкой Васильевского острова, Кубок с портретом Петра I. В коллекции художественного металла — Табакерка с памятником Петру I. Все эти экспонаты — не только произведения искусства, но и отражение духа города.
День города в Санкт-Петербурге — это всегда особенный, многослойный праздник, объединяющий прошлое и настоящее. В 2025 году город на Неве отмечает своё 322-летие.
Поздравляем петербуржцев и гостей города с этим знаменательным днём!
https://mus-col.com/events/37320/
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
Вспоминая выставку «Красота в глазах смотрящего»
Цикл видео экскурсий «Прогулки по музею» пополнен ещё одним видео роликом по недавно завершившейся в музее «Собрание» выставке «Красота в глазах смотрящего».
Выставка объединила уникальные скульптуры и почтовые открытки из коллекции музея «Собрание» и была посвящена творческому диалогу французских и русских скульпторов второй половины XIX – начала XX веков. Сердцем выставки «Красота в глазах смотрящего» стали произведения Матюрена Моро (Mathurin Moreau; 1822-1912), Антонина Мерсье (Antonin Mercie; 1845-1916), Эммануэля Вилланиса (Emmanuel Villanis; 1858-1914) и Годфруа Девресе (Godefroid Devreese; 1861– 1941). Произведения французских академистов были дополнены скульптурами отечественных мастеров: М.А. Чижова (1838-1916), М.Л. Диллон (1858-1932) и Н.Л. Аронсона (1872-1943).
Яркие творческие биографии этих несправедливо забытых мастеров позволили под новым ракурсом рассмотреть социально-экономические аспекты франко-русских художественных контактов: различия в программах и структуре обучения в академиях, детали организации пенсионерских поездок, особенности коллекционирования и попечительства.
По-новому эти аспекты раскрыли и представленные в экспозиции фотографические открытки конца XIX века с репродукциями скульптур и городскими видами.
https://mus-col.com/events/36794/
Цикл видео экскурсий «Прогулки по музею» пополнен ещё одним видео роликом по недавно завершившейся в музее «Собрание» выставке «Красота в глазах смотрящего».
Выставка объединила уникальные скульптуры и почтовые открытки из коллекции музея «Собрание» и была посвящена творческому диалогу французских и русских скульпторов второй половины XIX – начала XX веков. Сердцем выставки «Красота в глазах смотрящего» стали произведения Матюрена Моро (Mathurin Moreau; 1822-1912), Антонина Мерсье (Antonin Mercie; 1845-1916), Эммануэля Вилланиса (Emmanuel Villanis; 1858-1914) и Годфруа Девресе (Godefroid Devreese; 1861– 1941). Произведения французских академистов были дополнены скульптурами отечественных мастеров: М.А. Чижова (1838-1916), М.Л. Диллон (1858-1932) и Н.Л. Аронсона (1872-1943).
Яркие творческие биографии этих несправедливо забытых мастеров позволили под новым ракурсом рассмотреть социально-экономические аспекты франко-русских художественных контактов: различия в программах и структуре обучения в академиях, детали организации пенсионерских поездок, особенности коллекционирования и попечительства.
По-новому эти аспекты раскрыли и представленные в экспозиции фотографические открытки конца XIX века с репродукциями скульптур и городскими видами.
https://mus-col.com/events/36794/
Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
Тематическая программа к международному Дню защиты детей в музее «Собрание»
Ежегодно 1-го июня отмечается международный День защиты детей, учреждённый решением конгресса Международной демократической федерации женщин в ноябре 1949 года в Париже. Идею федерации об организации праздника охотно поддержали – и, в результате, в ряде стран мира одновременно начали проводить просветительские и благотворительные акции в защиту детей. Впервые праздник отмечался 1 июня 1950 года.
В 2025 году День защиты детей выпадает на выходной день – воскресенье. А это значит, что у родителей будет возможность посвятить своим чадам всё время с утра до самого вечера.
В честь Дня защиты детей музей «Собрание» подготовил тематическую программу:
31.05.2025 в 12:00
Экскурсия «Ожившие куклы и музыкальные инструменты» (для детей 6-9 лет);
01.06.2025 в 12:00
Экскурсия «Путешествие в мир музыки и механики» (для детей 10-13 лет).
Запись уже открыта в разделе «Контакты», «Записаться на экскурсию».
В видеоархиве музея в разделе «Прогулки по музею» можно посмотреть видео экскурсию «Занимательные куклы-автоматоны».
Тем, у кого не будет возможности посетить экскурсию в музее «Собрание», но кто захочет узнать интересные факты об автоматонах и встроенных в них механизмах, предлагаем заглянуть в раздел коллекции музея «Занимательные автоматы».
На обложке предмет из коллекции музея «Собрание» Автоматон музыкальный «Дети с корзиной цветов»
Ежегодно 1-го июня отмечается международный День защиты детей, учреждённый решением конгресса Международной демократической федерации женщин в ноябре 1949 года в Париже. Идею федерации об организации праздника охотно поддержали – и, в результате, в ряде стран мира одновременно начали проводить просветительские и благотворительные акции в защиту детей. Впервые праздник отмечался 1 июня 1950 года.
В 2025 году День защиты детей выпадает на выходной день – воскресенье. А это значит, что у родителей будет возможность посвятить своим чадам всё время с утра до самого вечера.
В честь Дня защиты детей музей «Собрание» подготовил тематическую программу:
31.05.2025 в 12:00
Экскурсия «Ожившие куклы и музыкальные инструменты» (для детей 6-9 лет);
01.06.2025 в 12:00
Экскурсия «Путешествие в мир музыки и механики» (для детей 10-13 лет).
Запись уже открыта в разделе «Контакты», «Записаться на экскурсию».
В видеоархиве музея в разделе «Прогулки по музею» можно посмотреть видео экскурсию «Занимательные куклы-автоматоны».
Тем, у кого не будет возможности посетить экскурсию в музее «Собрание», но кто захочет узнать интересные факты об автоматонах и встроенных в них механизмах, предлагаем заглянуть в раздел коллекции музея «Занимательные автоматы».
На обложке предмет из коллекции музея «Собрание» Автоматон музыкальный «Дети с корзиной цветов»
Экспонат в деталях: дорожные рюмки в форме разъёмного яйца
3 июня в некоторых странах отмечается необычный праздник – Национальный день яйца (National egg day). В этот день можно поговорить не только об одном из самых популярных продуктов практически всех мировых кухонь, но и о самых разных воплощениях его формы в истории культуры.
История этого праздника уходит корнями в древние времена. Яйцо всегда считалось символом жизни и плодородия, символом мироздания, силы и мощи жизни. Именно поэтому его образ получил широкое распространение в мифологии, религии и искусстве самых разных сообществ. Про христианство и Пасху известно всем – про простые крашеные яйца, которые так любят дети, и про искусные писанки и крашенки со сложной символикой (в городе Коломыя есть даже музей Писанки), а уж тем более про легендарные ювелирные яйца – шедевры фирмы Карла Фаберже.
Форма яйца, как яркий мифологический образ, несущий глубокую философскую и психологическую нагрузку, прочно вошла в произведения искусства и архитектуры многих стран. Это простая и совершенная форма, вдохновляющая многих мастеров дизайна и архитектуры на создание необычных и удивительных по красоте и креативности творений. Говорят, архитектор Антонио Гауди подаривший нам удивительную архитектуру Барселоны, ненавидевший прямые формы и линии и считавший яйцо образцом совершенства и природной целостности, какое-то время носил с собой в кармане сырые яйца. Яйцо является опорной или отправной точкой для многих произведений Сальвадора Дали, символизируя начало новой жизни. Гигантские яйца расположены на крыше здания «Театра-музея Дали» в Фигерасе (Figueres).
В 1958 году Арне Якобсен (Arne Jacobsen) создал кресло в форме яйца для фойе отеля SAS Royal в Копенгагене. Простое, удобное и привлекательное кресло-яйцо стало классикой дизайна.
Современные мастера архитектуры и дизайна тоже порой делают ставку на идеальный овал. В 2009 году в Мумбаи появилось 13-ти этажное коммерческое здание в форме яйца под названием Cybertecture Egg. Площадь офисных помещений в здании составила 33 000 кв. метра. Концепцию проекта его автор продумывал с позиции планетарного масштаба: здание задумывалось как единая экосистема со своим микроклиматом, в котором людям было бы комфортно работать.
40-этажный яйцеобразный небоскрёб Мэри-Экс возвышается в Лондоне. Это здание – одна из лучших работ известного британского архитектора Нормана Фостера (Norman Foster).
Яйцо – безусловный шедевр природной формы. Совершенство как эстетическое, так и функциональное. Если овал похож на яйцо, то и яйцо похоже на овал, но с характерным геометрическим построением.
В мире есть совсем немного людей, жизнь и творчество которых напрямую связано с искусством ажурной резьбы по яичной скорлупе (Eggshell Carving) и яйцами как материалом для их творчества. Это старинное искусство зародилось в Китае, а в Древнем Египте яичная скорлупа использовалась для создания декоративных элементов и амулетов.
Со временем, техника резьбы изменилась. Сегодня мастера используют в работе бормашины и граверные инструменты. Узоры можно вырезать на любой скорлупе: страусиной, гусиной, куриной, перепелиной и т.д.
Конечно, в гораздо большей степени, распространение в мире получили не предметы, изготовленные из скорлупы яиц, а выполненные в виде овала – овоидные. Можно вспомнить старинные самовары, сладости в форме яйца, шкатулки, ювелирные украшения, баночки для кремов и флаконы для духов, сувениры из дерева и камня, светильники, игрушки, созданные по принципу матрешки.
В сегодняшней рубрике «Экспонат в деталях» – предмет, представленный в разделе коллекции музея «Русская эмаль»: Рюмки дорожные в форме разъёмного яйца. Фирма О. Курлюкова. Россия, Москва, 1908-1917 гг.
Яйцо-трансформер, в собранном виде представляющее собой пасхальное яйцо на кольцевом основании (ножке), в разобранном – две рюмки. Рюмки на высоких ножках, одна из которых съёмная и убирается внутрь яйца. Поверхность рюмок декорирована эмалевым по скани стилизованным растительным узором из фантастических цветов в трёхлопастных рамочных обрамлениях.
3 июня в некоторых странах отмечается необычный праздник – Национальный день яйца (National egg day). В этот день можно поговорить не только об одном из самых популярных продуктов практически всех мировых кухонь, но и о самых разных воплощениях его формы в истории культуры.
История этого праздника уходит корнями в древние времена. Яйцо всегда считалось символом жизни и плодородия, символом мироздания, силы и мощи жизни. Именно поэтому его образ получил широкое распространение в мифологии, религии и искусстве самых разных сообществ. Про христианство и Пасху известно всем – про простые крашеные яйца, которые так любят дети, и про искусные писанки и крашенки со сложной символикой (в городе Коломыя есть даже музей Писанки), а уж тем более про легендарные ювелирные яйца – шедевры фирмы Карла Фаберже.
Форма яйца, как яркий мифологический образ, несущий глубокую философскую и психологическую нагрузку, прочно вошла в произведения искусства и архитектуры многих стран. Это простая и совершенная форма, вдохновляющая многих мастеров дизайна и архитектуры на создание необычных и удивительных по красоте и креативности творений. Говорят, архитектор Антонио Гауди подаривший нам удивительную архитектуру Барселоны, ненавидевший прямые формы и линии и считавший яйцо образцом совершенства и природной целостности, какое-то время носил с собой в кармане сырые яйца. Яйцо является опорной или отправной точкой для многих произведений Сальвадора Дали, символизируя начало новой жизни. Гигантские яйца расположены на крыше здания «Театра-музея Дали» в Фигерасе (Figueres).
В 1958 году Арне Якобсен (Arne Jacobsen) создал кресло в форме яйца для фойе отеля SAS Royal в Копенгагене. Простое, удобное и привлекательное кресло-яйцо стало классикой дизайна.
Современные мастера архитектуры и дизайна тоже порой делают ставку на идеальный овал. В 2009 году в Мумбаи появилось 13-ти этажное коммерческое здание в форме яйца под названием Cybertecture Egg. Площадь офисных помещений в здании составила 33 000 кв. метра. Концепцию проекта его автор продумывал с позиции планетарного масштаба: здание задумывалось как единая экосистема со своим микроклиматом, в котором людям было бы комфортно работать.
40-этажный яйцеобразный небоскрёб Мэри-Экс возвышается в Лондоне. Это здание – одна из лучших работ известного британского архитектора Нормана Фостера (Norman Foster).
Яйцо – безусловный шедевр природной формы. Совершенство как эстетическое, так и функциональное. Если овал похож на яйцо, то и яйцо похоже на овал, но с характерным геометрическим построением.
В мире есть совсем немного людей, жизнь и творчество которых напрямую связано с искусством ажурной резьбы по яичной скорлупе (Eggshell Carving) и яйцами как материалом для их творчества. Это старинное искусство зародилось в Китае, а в Древнем Египте яичная скорлупа использовалась для создания декоративных элементов и амулетов.
Со временем, техника резьбы изменилась. Сегодня мастера используют в работе бормашины и граверные инструменты. Узоры можно вырезать на любой скорлупе: страусиной, гусиной, куриной, перепелиной и т.д.
Конечно, в гораздо большей степени, распространение в мире получили не предметы, изготовленные из скорлупы яиц, а выполненные в виде овала – овоидные. Можно вспомнить старинные самовары, сладости в форме яйца, шкатулки, ювелирные украшения, баночки для кремов и флаконы для духов, сувениры из дерева и камня, светильники, игрушки, созданные по принципу матрешки.
В сегодняшней рубрике «Экспонат в деталях» – предмет, представленный в разделе коллекции музея «Русская эмаль»: Рюмки дорожные в форме разъёмного яйца. Фирма О. Курлюкова. Россия, Москва, 1908-1917 гг.
Яйцо-трансформер, в собранном виде представляющее собой пасхальное яйцо на кольцевом основании (ножке), в разобранном – две рюмки. Рюмки на высоких ножках, одна из которых съёмная и убирается внутрь яйца. Поверхность рюмок декорирована эмалевым по скани стилизованным растительным узором из фантастических цветов в трёхлопастных рамочных обрамлениях.
К 220-летию Петра Карловича Клодта. Фотоальбом
5 июня 1805 года родился Пётр Карлович Клодт — выдающийся русский скульптор немецкого происхождения, представитель известного рода Клодтов фон Юргенсбург. В историю он вошёл как мастер анималистической скульптуры, автор культовых произведений, украсивших Санкт-Петербург и Москву.
Особую любовь Петра Клодта снискали его кони — они и сегодня украшают Нарвские триумфальные ворота и Аничков мост, став неотъемлемой частью архитектурного облика Северной столицы. Скульптору удалось достичь редкого сочетания анатомической точности, динамики и поэтичности образа животного — кони Клодта словно живые.
Хотя Клодт готовился к военной службе, судьба привела его к искусству. В юности он увлекался рисованием и резьбой по дереву. Будучи еще юнкером в училище, Клодт вырезал для сына писателя Николая Ивановича Греча деревянную лошадку. На одном из литературных собраний участники случайно обратили внимание на детскую лошадку и пришли в такое восхищение, что разыграли ее между собой, а на вырученные деньги купили Петру Клодту набор инструментов для резьбы.
По легенде одна из статуэток была преподнесена самому Николаю I. Фигурка так понравилась, что молодому человеку назначили высочайшую аудиенцию. После такого внимания государя многие захотели иметь у себя статуэтки Клодта. А молодой скульптор начал получать пенсион от Комитета Общества поощрения художников.
Свое обучение Петр Клодт продолжил в Академии художеств, где изучал не только скульптуру, но и литейное дело.
Первый крупный правительственный заказ Клодт получил в 1832 году: нужно было сделать шестерку коней для колесницы Славы, украшающей Нарвские триумфальные ворота. Доверить такую важную работу молодому самоучке было рискованно, да и для самого скульптора это могло закончиться крахом, но он рискнул. Кони удались, а барону сразу пожаловали звание профессора и директора Литейного двора Императорской академии художеств.
В Москве Пётр Клодт создал квадригу Аполлона для фронтона Большого театра — один из главных символов здания. А в Санкт-Петербурге его скульптурная композиция «Конь с возничим» стала шедевром, принесшим ему европейскую славу. На её создание ушло почти 20 лет. Автор подчёркивал, что главным героем здесь является именно Конь — образ, воплощающий силу, благородство и красоту.
Творчество мастера получило признание не только в России, но и за рубежом: Клодт был почётным членом академий искусств в Берлине и Риме. Его работы украшали не только мосты и театры, но и мемориальные памятники: Крылову в Летнем саду, Петру I в Кронштадте, атаману Платову в Новочеркасске, Мартину Лютеру в Эстляндии. Он участвовал в оформлении храма Христа Спасителя, Исаакиевского собора, Мраморного дворца.
Кульминацией карьеры стало создание монумента Николаю I на Исаакиевской площади. Конная статуя с двумя точками опоры без дополнительной подпорки — уникальный инженерный и художественный шедевр. За эту работу Клодт был пожалован в чин действительного статского советника.
Скончался скульптор в Петербурге, в своём доме, занимаясь резьбой лошадки для внучки. Похоронен на Смоленском кладбище, позже перезахоронен в Некрополе мастеров искусств Александро-Невской лавры.
Фотоальбом с яркими работами Петра Карловича Клодта размещен в Фотогалерее музея.
5 июня 1805 года родился Пётр Карлович Клодт — выдающийся русский скульптор немецкого происхождения, представитель известного рода Клодтов фон Юргенсбург. В историю он вошёл как мастер анималистической скульптуры, автор культовых произведений, украсивших Санкт-Петербург и Москву.
Особую любовь Петра Клодта снискали его кони — они и сегодня украшают Нарвские триумфальные ворота и Аничков мост, став неотъемлемой частью архитектурного облика Северной столицы. Скульптору удалось достичь редкого сочетания анатомической точности, динамики и поэтичности образа животного — кони Клодта словно живые.
Хотя Клодт готовился к военной службе, судьба привела его к искусству. В юности он увлекался рисованием и резьбой по дереву. Будучи еще юнкером в училище, Клодт вырезал для сына писателя Николая Ивановича Греча деревянную лошадку. На одном из литературных собраний участники случайно обратили внимание на детскую лошадку и пришли в такое восхищение, что разыграли ее между собой, а на вырученные деньги купили Петру Клодту набор инструментов для резьбы.
По легенде одна из статуэток была преподнесена самому Николаю I. Фигурка так понравилась, что молодому человеку назначили высочайшую аудиенцию. После такого внимания государя многие захотели иметь у себя статуэтки Клодта. А молодой скульптор начал получать пенсион от Комитета Общества поощрения художников.
Свое обучение Петр Клодт продолжил в Академии художеств, где изучал не только скульптуру, но и литейное дело.
Первый крупный правительственный заказ Клодт получил в 1832 году: нужно было сделать шестерку коней для колесницы Славы, украшающей Нарвские триумфальные ворота. Доверить такую важную работу молодому самоучке было рискованно, да и для самого скульптора это могло закончиться крахом, но он рискнул. Кони удались, а барону сразу пожаловали звание профессора и директора Литейного двора Императорской академии художеств.
В Москве Пётр Клодт создал квадригу Аполлона для фронтона Большого театра — один из главных символов здания. А в Санкт-Петербурге его скульптурная композиция «Конь с возничим» стала шедевром, принесшим ему европейскую славу. На её создание ушло почти 20 лет. Автор подчёркивал, что главным героем здесь является именно Конь — образ, воплощающий силу, благородство и красоту.
Творчество мастера получило признание не только в России, но и за рубежом: Клодт был почётным членом академий искусств в Берлине и Риме. Его работы украшали не только мосты и театры, но и мемориальные памятники: Крылову в Летнем саду, Петру I в Кронштадте, атаману Платову в Новочеркасске, Мартину Лютеру в Эстляндии. Он участвовал в оформлении храма Христа Спасителя, Исаакиевского собора, Мраморного дворца.
Кульминацией карьеры стало создание монумента Николаю I на Исаакиевской площади. Конная статуя с двумя точками опоры без дополнительной подпорки — уникальный инженерный и художественный шедевр. За эту работу Клодт был пожалован в чин действительного статского советника.
Скончался скульптор в Петербурге, в своём доме, занимаясь резьбой лошадки для внучки. Похоронен на Смоленском кладбище, позже перезахоронен в Некрополе мастеров искусств Александро-Невской лавры.
Фотоальбом с яркими работами Петра Карловича Клодта размещен в Фотогалерее музея.
Пушкинский день: модель памятника поэту работы Александра Опекушина
6 июня в России отмечается Пушкинский день — памятная дата, приуроченная ко дню рождения Александра Сергеевича Пушкина. Он стал не только основоположником современного литературного русского языка, но и символом русской культуры, национального духа и свободы мысли. С 2010 года этот день признан ООН международным Днём русского языка, а в 2011-м получил официальный статус памятной даты в России.
Пушкин заложил фундамент современного литературного языка, сделав его выразительным и живым. Он разрушил иерархию стилей, уравняв «высокое» и «низкое», и наполнил поэзию интонациями разговорной речи. Его произведения стали образцом гармонии формы и содержания, примером свободы и художественной силы. «У каждого из нас — свой Пушкин, остающийся одним для всех», — говорил Александр Твардовский.
6 июня 1880 года, в день рождения поэта, в Москве был торжественно открыт первый в истории памятник Пушкину. Автором стал Александр Михайлович Опекушин (1838–1923), известный скульптор, создавший более 30 образов Пушкина в процессе работы. Победа в конкурсе досталась ему за образ поэта, который сочетал строгость, внутреннее достоинство и поэтическую вдохновенность.
Идея установить памятник родилась ещё в 1860-е годы. Сначала удалось собрать только 13 тысяч рублей, чего было недостаточно для полноценного проекта. Второй этап сбора средств начался в 1870 году под руководством академика Я. К. Грота. За десять лет удалось собрать 160 575 рублей 10 копеек. Средства поступали от меценатов, лицея, государственных учреждений и простых граждан.
Опекушин при поддержке архитектора И. С. Богомолова создал десятки пластилиновых и глиняных моделей, набросков и чертежей, прорабатывая каждый жест, поворот головы, движение складок одежды. Для изготовления памятника использовали бронзу и сердобольский гранит тёмно-красного оттенка. Отливка прошла на одном из лучших заводов Петербурга.
Монтаж памятника сопровождался трудностями: пьедестал был повреждён, дату открытия переносили несколько раз — сначала на 26 мая (день рождения Пушкина по старому стилю), затем на 6 июня по новому стилю. Открытие стало народным праздником. В торжественной церемонии приняли участие И. С. Тургенев, Ф. М. Достоевский и другие выдающиеся современники, для которых Пушкин был символом русской словесности.
В коллекции музея «Собрание» хранится бронзовый бюст поэта, являющийся зеркальным повторением (копией) в уменьшенном виде верхней части памятника поэту, который был установлен ровно 145 лет назад. Этот экспонат отражает трудоёмкий процесс создания монумента, предшествовавший окончательному выбору образа. Скульптура передаёт внутреннюю сосредоточенность, благородство и поэтическую силу — качества, которые стали неотъемлемой частью восприятия Пушкина в национальной культуре.
Образ Пушкина в памятнике Опекушина — не просто портрет. Это художественный символ, вобравший в себя лучшие представления о русской поэзии и её основателе. Через скульптуру мы ощущаем присутствие поэта в культурной жизни и в языке, на котором продолжаем говорить и мыслить по-пушкински.
6 июня в России отмечается Пушкинский день — памятная дата, приуроченная ко дню рождения Александра Сергеевича Пушкина. Он стал не только основоположником современного литературного русского языка, но и символом русской культуры, национального духа и свободы мысли. С 2010 года этот день признан ООН международным Днём русского языка, а в 2011-м получил официальный статус памятной даты в России.
Пушкин заложил фундамент современного литературного языка, сделав его выразительным и живым. Он разрушил иерархию стилей, уравняв «высокое» и «низкое», и наполнил поэзию интонациями разговорной речи. Его произведения стали образцом гармонии формы и содержания, примером свободы и художественной силы. «У каждого из нас — свой Пушкин, остающийся одним для всех», — говорил Александр Твардовский.
6 июня 1880 года, в день рождения поэта, в Москве был торжественно открыт первый в истории памятник Пушкину. Автором стал Александр Михайлович Опекушин (1838–1923), известный скульптор, создавший более 30 образов Пушкина в процессе работы. Победа в конкурсе досталась ему за образ поэта, который сочетал строгость, внутреннее достоинство и поэтическую вдохновенность.
Идея установить памятник родилась ещё в 1860-е годы. Сначала удалось собрать только 13 тысяч рублей, чего было недостаточно для полноценного проекта. Второй этап сбора средств начался в 1870 году под руководством академика Я. К. Грота. За десять лет удалось собрать 160 575 рублей 10 копеек. Средства поступали от меценатов, лицея, государственных учреждений и простых граждан.
Опекушин при поддержке архитектора И. С. Богомолова создал десятки пластилиновых и глиняных моделей, набросков и чертежей, прорабатывая каждый жест, поворот головы, движение складок одежды. Для изготовления памятника использовали бронзу и сердобольский гранит тёмно-красного оттенка. Отливка прошла на одном из лучших заводов Петербурга.
Монтаж памятника сопровождался трудностями: пьедестал был повреждён, дату открытия переносили несколько раз — сначала на 26 мая (день рождения Пушкина по старому стилю), затем на 6 июня по новому стилю. Открытие стало народным праздником. В торжественной церемонии приняли участие И. С. Тургенев, Ф. М. Достоевский и другие выдающиеся современники, для которых Пушкин был символом русской словесности.
В коллекции музея «Собрание» хранится бронзовый бюст поэта, являющийся зеркальным повторением (копией) в уменьшенном виде верхней части памятника поэту, который был установлен ровно 145 лет назад. Этот экспонат отражает трудоёмкий процесс создания монумента, предшествовавший окончательному выбору образа. Скульптура передаёт внутреннюю сосредоточенность, благородство и поэтическую силу — качества, которые стали неотъемлемой частью восприятия Пушкина в национальной культуре.
Образ Пушкина в памятнике Опекушина — не просто портрет. Это художественный символ, вобравший в себя лучшие представления о русской поэзии и её основателе. Через скульптуру мы ощущаем присутствие поэта в культурной жизни и в языке, на котором продолжаем говорить и мыслить по-пушкински.