Тематический альбом «Эмальерные техники» в Фотогалерее музея
Эмальерные техники, применявшиеся в декоративно-прикладном искусстве для декорирования всевозможных изделий из металла - особая страница в истории русского ювелирного искусства. Шкатулки и коробки, табакерки и портсигары, чайные сервизы и другие предметы, украшенные эмалью, превращались в сокровища, а мастера, создававшие эти шедевры, получали мировое признание.
Художественная эмаль – удивительный вид декоративно-прикладного искусства. На протяжении столетий эмальерное дело вызывает неподдельный интерес коллекционеров. Ведь яркость красок, напоминающих драгоценные камни, не тускнеет со временем. Существует более десятка различных эмальерных техник.
На примере изделий, представленных в разделах коллекции музея «Западноевропейская эмаль» и «Русская эмаль», вы можете с ними познакомиться.
Эмаль по скани (филиграни) – разновидность техники перегородчатой эмали. В России она получила широкое распространение. Эта техника заключается в том, что по контуру рисунка, нанесенного на поверхность предмета, напаивают (выкладывют) растительный или геометрический орнамент из перевитой металлической (золотой, серебряной, медной) проволоки, которая образует границы каждой детали рисунка, создавая ячейки, в которые будет положена эмаль определённого цвета. Эмаль по скани не полируют, чтобы не повредить рисунок из сканой проволоки.
Эмаль перегородчатая – в этой технике на поверхности предмета сначала процарапывают (гравируют или прорезают) контур рисунка. Затем по этому контуру напаивают тонкие металлические полоски, поставленные на ребро, создающие тем самым границы деталей рисунка, разделяя их по цвету. Каждую ячейку заполняют определенным цветом до краев перегородок и затем обжигают. После этого эмаль шлифуют и полируют, чтобы эмаль и верх перегородок находились в одной плоскости.
Эмаль выемчатая – для данной техники требуется достаточной толщины предмет, так как изображение наносится путем выемок (вырезов) с поверхности самого предмета. Выемки образуют контур рисунка и ячейки, которые заполняют эмалью, а затем производят обжиг. В данной технике рисунок получается углубленным в толщу поверхности самого предмета.
Эмаль по гильошировке – это вариант техники эмали по гравировке (резьбе). В данном случае гравировка производится не вручную, а с помощью специального станка, который декорирует металлическую поверхность предмета повторяющимся геометрическим рисунком ( волнами, лучами, кругами и др.). В данной технике используют только прозрачные цветные эмали, чтобы просвечивал фон с нанесенным на него рисунком.
Витражная эмаль – эта техника фактически является разновидностью перегородчатой эмали, но без металлической основы. Свое название техника получила из-за сходства с витражами, так как цветная эмаль пропускает свет. В данной технике цветной прозрачной эмалью заполняют ажурный орнамент, который предварительно выпиливают по форме рисунка на металлической основе предмета.
Тематический альбом, в котором представлены предметы из коллекции музея «Собрание», украшенные разнообразными эмалями, размещен в нашей Фотогалерее.
Эмальерные техники, применявшиеся в декоративно-прикладном искусстве для декорирования всевозможных изделий из металла - особая страница в истории русского ювелирного искусства. Шкатулки и коробки, табакерки и портсигары, чайные сервизы и другие предметы, украшенные эмалью, превращались в сокровища, а мастера, создававшие эти шедевры, получали мировое признание.
Художественная эмаль – удивительный вид декоративно-прикладного искусства. На протяжении столетий эмальерное дело вызывает неподдельный интерес коллекционеров. Ведь яркость красок, напоминающих драгоценные камни, не тускнеет со временем. Существует более десятка различных эмальерных техник.
На примере изделий, представленных в разделах коллекции музея «Западноевропейская эмаль» и «Русская эмаль», вы можете с ними познакомиться.
Эмаль по скани (филиграни) – разновидность техники перегородчатой эмали. В России она получила широкое распространение. Эта техника заключается в том, что по контуру рисунка, нанесенного на поверхность предмета, напаивают (выкладывют) растительный или геометрический орнамент из перевитой металлической (золотой, серебряной, медной) проволоки, которая образует границы каждой детали рисунка, создавая ячейки, в которые будет положена эмаль определённого цвета. Эмаль по скани не полируют, чтобы не повредить рисунок из сканой проволоки.
Эмаль перегородчатая – в этой технике на поверхности предмета сначала процарапывают (гравируют или прорезают) контур рисунка. Затем по этому контуру напаивают тонкие металлические полоски, поставленные на ребро, создающие тем самым границы деталей рисунка, разделяя их по цвету. Каждую ячейку заполняют определенным цветом до краев перегородок и затем обжигают. После этого эмаль шлифуют и полируют, чтобы эмаль и верх перегородок находились в одной плоскости.
Эмаль выемчатая – для данной техники требуется достаточной толщины предмет, так как изображение наносится путем выемок (вырезов) с поверхности самого предмета. Выемки образуют контур рисунка и ячейки, которые заполняют эмалью, а затем производят обжиг. В данной технике рисунок получается углубленным в толщу поверхности самого предмета.
Эмаль по гильошировке – это вариант техники эмали по гравировке (резьбе). В данном случае гравировка производится не вручную, а с помощью специального станка, который декорирует металлическую поверхность предмета повторяющимся геометрическим рисунком ( волнами, лучами, кругами и др.). В данной технике используют только прозрачные цветные эмали, чтобы просвечивал фон с нанесенным на него рисунком.
Витражная эмаль – эта техника фактически является разновидностью перегородчатой эмали, но без металлической основы. Свое название техника получила из-за сходства с витражами, так как цветная эмаль пропускает свет. В данной технике цветной прозрачной эмалью заполняют ажурный орнамент, который предварительно выпиливают по форме рисунка на металлической основе предмета.
Тематический альбом, в котором представлены предметы из коллекции музея «Собрание», украшенные разнообразными эмалями, размещен в нашей Фотогалерее.
Фотографические открытки с видами старой Москвы: история открытки
Открытка уже почти три столетия сопровождает нас в передаче весточек, поздравлений и тёплых пожеланий. Несмотря на повсеместное использование, мало кто задумывается о её богатой и необычной истории.
История открытки берёт своё начало в 1777 году, когда почтовая служба Парижа предложила отправлять поздравления и сообщения на специальных гравированных карточках. Эти карточки, отправляемые без упаковки, назывались открытыми письмами. Изобретение приписывают граверу Демезону, а название «открытка» появилось позже, сократив первоначальное «открытое письмо». В XIX – начале XX века такие карточки называли ещё и «артистическими карточками» благодаря изысканным рисункам.
Широкое распространение открытки началось в конце XVIII века в Англии, где художники вручную изготавливали уникальные экземпляры. Для их украшения использовали самые разные материалы: сушёные цветы, кожу, бархат, бисер и шёлк. Открытки часто посвящались Рождеству, Пасхе или Дню святого Патрика.
В 1869 году в Австро-Венгрии профессор Эммануил Герман предложил концепцию почтовой открытки, и 1 октября того же года была выпущена первая «корреспондентская карточка». Она представляла собой простой жёлтый листок с почтовой маркой и без рисунков. Позже появились художественные открытки, ставшие настоящими произведениями искусства.
В Россию открытки пришли в 1872 году. Первые экземпляры были неиллюстрированными и предназначались для письменных сообщений. Их производство находилось под контролем почтового ведомства. Первыми иллюстрированными открытками в России стали видовые фотографии достопримечательностей Москвы, выпущенные в 1895 году.
Важной вехой в развитии открыток в России стало разрешение частного изготовления, выданное в 1894 году министром внутренних дел И.Н. Дурново. Это дало возможность выпускать красочные открытки с видами городов, памятников и событий, что сделало их популярными не только как средство общения, но и как коллекционные предметы.
Сегодня открытки остаются частью истории и культурного наследия. В России работает несколько музеев, посвящённых открыткам. Например, в Калининграде находится Музей открыток «Домик смотрителя Высокого моста», где хранится более 700 немецких почтовых карточек с видами Кёнигсберга. В Санкт-Петербурге действует Музей детской открытки, а тематические коллекции можно найти практически во всех региональных музеях.
В настоящее время в московском музее «Собрание» проходит выставка «Почерк времени. Кабинетные аксессуары и почтовые открытки». На ней представлены открытки с видами старой Москвы, которые хранятся в коллекции музея. Все экспонаты можно также детально рассмотреть в тематическом альбоме Фотогалереи музея, продолжая знакомство с историей открыток.
https://mus-col.com/gallery/list.php?section=6688
Открытка уже почти три столетия сопровождает нас в передаче весточек, поздравлений и тёплых пожеланий. Несмотря на повсеместное использование, мало кто задумывается о её богатой и необычной истории.
История открытки берёт своё начало в 1777 году, когда почтовая служба Парижа предложила отправлять поздравления и сообщения на специальных гравированных карточках. Эти карточки, отправляемые без упаковки, назывались открытыми письмами. Изобретение приписывают граверу Демезону, а название «открытка» появилось позже, сократив первоначальное «открытое письмо». В XIX – начале XX века такие карточки называли ещё и «артистическими карточками» благодаря изысканным рисункам.
Широкое распространение открытки началось в конце XVIII века в Англии, где художники вручную изготавливали уникальные экземпляры. Для их украшения использовали самые разные материалы: сушёные цветы, кожу, бархат, бисер и шёлк. Открытки часто посвящались Рождеству, Пасхе или Дню святого Патрика.
В 1869 году в Австро-Венгрии профессор Эммануил Герман предложил концепцию почтовой открытки, и 1 октября того же года была выпущена первая «корреспондентская карточка». Она представляла собой простой жёлтый листок с почтовой маркой и без рисунков. Позже появились художественные открытки, ставшие настоящими произведениями искусства.
В Россию открытки пришли в 1872 году. Первые экземпляры были неиллюстрированными и предназначались для письменных сообщений. Их производство находилось под контролем почтового ведомства. Первыми иллюстрированными открытками в России стали видовые фотографии достопримечательностей Москвы, выпущенные в 1895 году.
Важной вехой в развитии открыток в России стало разрешение частного изготовления, выданное в 1894 году министром внутренних дел И.Н. Дурново. Это дало возможность выпускать красочные открытки с видами городов, памятников и событий, что сделало их популярными не только как средство общения, но и как коллекционные предметы.
Сегодня открытки остаются частью истории и культурного наследия. В России работает несколько музеев, посвящённых открыткам. Например, в Калининграде находится Музей открыток «Домик смотрителя Высокого моста», где хранится более 700 немецких почтовых карточек с видами Кёнигсберга. В Санкт-Петербурге действует Музей детской открытки, а тематические коллекции можно найти практически во всех региональных музеях.
В настоящее время в московском музее «Собрание» проходит выставка «Почерк времени. Кабинетные аксессуары и почтовые открытки». На ней представлены открытки с видами старой Москвы, которые хранятся в коллекции музея. Все экспонаты можно также детально рассмотреть в тематическом альбоме Фотогалереи музея, продолжая знакомство с историей открыток.
https://mus-col.com/gallery/list.php?section=6688
Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
Эмиль Галле – реформатор художественного стекла XIX века
Всемирный день творчества и вдохновения – это праздник, который побуждает нас искать новые идеи, реализовывать смелые замыслы и делиться своим вдохновением с миром. Этот день подчеркивает важность творчества, как универсального языка, объединяющего людей. Вдохновение – это уникальное состояние, когда эмоции, мысли и усилия сливаются в мощный творческий поток, и именно оно становится основой для рождения произведений искусства, способных затронуть самые глубокие струны души.
Особенным источником вдохновения для многих поколений художников и дизайнеров остаётся природа. И одним из самых ярких её интерпретаторов стал Эмиль Галле – французский мастер, чьи работы являются настоящим гимном природной красоте. Галле, представитель стиля ар-нуво, посвятил своё творчество изучению и преобразованию мотивов окружающего мира. Его стеклянные шедевры полны тонких аллюзий на цветы, растения и насекомых: грациозные стрекозы, роскошные розы, нежные лилии и даже фантазийные насекомые. Эти работы не просто отражают натуру – они раскрывают философию природы, её скрытую символику и неиссякаемую мощь как источника вдохновения.
Его искусство сочетало натурализм и стилизацию. Тщательно изучая ботанику, Галле передавал мельчайшие детали растений, но при этом создавал произведения, в которых органика превращалась в изысканный орнамент, наполненный глубоким смыслом. Даже Оскар Уайльд заметил, что в вазы Галле нельзя ставить цветы, так как они будут выглядеть увядшими на фоне их собственного совершенства.
Сегодня работы Эмиля Галле можно увидеть в коллекции музея «Собрание». В разделе «Видеоархив» представлены видеоролики о его керамических шедеврах, а в «Прогулках по музею» – видеогид по выставке «Баллада о стекле», посвящённой 175-летию мастера. Альбом-раскраска «Вазы Эмиля Галле», доступный в разделе «Печатные материалы», станет отличной возможностью ближе познакомиться с его знаменитыми флоральными мотивами, ставшими синонимом изысканного художественного вкуса.
https://mus-col.com/events/33177/
Всемирный день творчества и вдохновения – это праздник, который побуждает нас искать новые идеи, реализовывать смелые замыслы и делиться своим вдохновением с миром. Этот день подчеркивает важность творчества, как универсального языка, объединяющего людей. Вдохновение – это уникальное состояние, когда эмоции, мысли и усилия сливаются в мощный творческий поток, и именно оно становится основой для рождения произведений искусства, способных затронуть самые глубокие струны души.
Особенным источником вдохновения для многих поколений художников и дизайнеров остаётся природа. И одним из самых ярких её интерпретаторов стал Эмиль Галле – французский мастер, чьи работы являются настоящим гимном природной красоте. Галле, представитель стиля ар-нуво, посвятил своё творчество изучению и преобразованию мотивов окружающего мира. Его стеклянные шедевры полны тонких аллюзий на цветы, растения и насекомых: грациозные стрекозы, роскошные розы, нежные лилии и даже фантазийные насекомые. Эти работы не просто отражают натуру – они раскрывают философию природы, её скрытую символику и неиссякаемую мощь как источника вдохновения.
Его искусство сочетало натурализм и стилизацию. Тщательно изучая ботанику, Галле передавал мельчайшие детали растений, но при этом создавал произведения, в которых органика превращалась в изысканный орнамент, наполненный глубоким смыслом. Даже Оскар Уайльд заметил, что в вазы Галле нельзя ставить цветы, так как они будут выглядеть увядшими на фоне их собственного совершенства.
Сегодня работы Эмиля Галле можно увидеть в коллекции музея «Собрание». В разделе «Видеоархив» представлены видеоролики о его керамических шедеврах, а в «Прогулках по музею» – видеогид по выставке «Баллада о стекле», посвящённой 175-летию мастера. Альбом-раскраска «Вазы Эмиля Галле», доступный в разделе «Печатные материалы», станет отличной возможностью ближе познакомиться с его знаменитыми флоральными мотивами, ставшими синонимом изысканного художественного вкуса.
https://mus-col.com/events/33177/
Продолжая тему творчества, мы благодарим за поддержку партнера нашей новой выставки «Почерк времени» бренд «Виста-Артиста», крупнейшего отечественного производителя самых разнообразных товаров для творчества.
Загляните к ним на страницу, друзья, мы уверены, что новые идеи и вдохновение не заставят себя долго ждать.
Кстати, совместно с «Виста-Артиста» мы готовим серию публикаций, приуроченных к выставке «Почерк времени» и её уникальным экспонатам. Следите за новостями на нашем сайте и в социальных сетях, чтобы не пропустить интересные материалы!
https://www.tg-me.com/vista_artista
https://vk.com/vista_artista
И отличная идея для семейного творчества в выходные - разнообразные альбомы для раскрашивания в разделе «Печатная продукция» на сайте музея:
https://mus-col.com/about/printed-materials.php
Загляните к ним на страницу, друзья, мы уверены, что новые идеи и вдохновение не заставят себя долго ждать.
Кстати, совместно с «Виста-Артиста» мы готовим серию публикаций, приуроченных к выставке «Почерк времени» и её уникальным экспонатам. Следите за новостями на нашем сайте и в социальных сетях, чтобы не пропустить интересные материалы!
https://www.tg-me.com/vista_artista
https://vk.com/vista_artista
И отличная идея для семейного творчества в выходные - разнообразные альбомы для раскрашивания в разделе «Печатная продукция» на сайте музея:
https://mus-col.com/about/printed-materials.php
Экскурсия по выставке «Красота в глазах смотрящего»
Цикл видео экскурсий «Прогулки по музею» пополнен новым видео роликом по недавно прошедшей в музее «Собрание» выставке «Красота в глазах смотрящего». Выставка объединила уникальные скульптуры и почтовые открытки из коллекции музея «Собрание» и была посвящена творческому диалогу французских и русских скульпторов второй половины XIX – начала XX веков. Сердцем выставки «Красота в глазах смотрящего» стали произведения Матюрена Моро (Mathurin Moreau; 1822-1912), Антонина Мерсье (Antonin Mercie; 1845-1916), Эммануэля Вилланиса (Emmanuel Villanis; 1858-1914) и Годфруа Девресе (Godefroid Devreese; 1861– 1941). Произведения французских академистов были дополнены скульптурами отечественных мастеров: М.А. Чижова (1838-1916), М.Л. Диллон (1858-1932) и Н.Л. Аронсона (1872-1943).
Яркие творческие биографии этих несправедливо забытых мастеров позволили под новым ракурсом рассмотреть социально-экономические аспекты франко-русских художественных контактов: различия в программах и структуре обучения в академиях, детали организации пенсионерских поездок, особенности коллекционирования и попечительства.
По-новому эти аспекты раскрыли и представленные в экспозиции фотографические открытки конца XIX века с репродукциями скульптур и городскими видами.
https://mus-col.com/the-video-archive/groups.php?section=3050#
Цикл видео экскурсий «Прогулки по музею» пополнен новым видео роликом по недавно прошедшей в музее «Собрание» выставке «Красота в глазах смотрящего». Выставка объединила уникальные скульптуры и почтовые открытки из коллекции музея «Собрание» и была посвящена творческому диалогу французских и русских скульпторов второй половины XIX – начала XX веков. Сердцем выставки «Красота в глазах смотрящего» стали произведения Матюрена Моро (Mathurin Moreau; 1822-1912), Антонина Мерсье (Antonin Mercie; 1845-1916), Эммануэля Вилланиса (Emmanuel Villanis; 1858-1914) и Годфруа Девресе (Godefroid Devreese; 1861– 1941). Произведения французских академистов были дополнены скульптурами отечественных мастеров: М.А. Чижова (1838-1916), М.Л. Диллон (1858-1932) и Н.Л. Аронсона (1872-1943).
Яркие творческие биографии этих несправедливо забытых мастеров позволили под новым ракурсом рассмотреть социально-экономические аспекты франко-русских художественных контактов: различия в программах и структуре обучения в академиях, детали организации пенсионерских поездок, особенности коллекционирования и попечительства.
По-новому эти аспекты раскрыли и представленные в экспозиции фотографические открытки конца XIX века с репродукциями скульптур и городскими видами.
https://mus-col.com/the-video-archive/groups.php?section=3050#
Сердолик – талисман января
Сердолик, известный также как карнеол, – разновидность халцедона, поражающая богатством оттенков: от нежно-оранжевого до кроваво-красного. Этот камень добывают в России, Индии, Бразилии и Уругвае. Своей окраской он обязан соединениям железа, а благодаря твердости (6,5–7 по шкале Мооса) и легкости обработки сердолик широко применяется в ювелирном деле. Особенно ценятся экземпляры с белыми прожилками, подчеркивающими природную красоту камня.
Сердолик окружен множеством легенд. В Древнем Египте его называли «застывшим в камне закатом солнца» и использовали для украшений фараонов. На Руси он упоминается с IV века как один из самых ценных камней, наравне с жемчугом и алмазом. Средневековая Европа видела в сердолике защиту от колдовства и магии, а в XVIII–XIX веках этот камень стал символом камнерезного искусства.
Сердолик вдохновлял великих: Александр Пушкин, Джордж Байрон и Иоганн Гёте носили его как талисман. Гёте называл сердолик «камнем, дарующим вдохновение», и считал, что он защищает от невзгод и помогает найти внутренний покой. Камню также приписывали свойства оберега от болезней, злых духов и даже ударов молнии.
В современной литотерапии сердолик используется для лечения инфекций и снятия напряжения благодаря своей естественной, но безопасной радиоактивности. Он улучшает настроение, помогает сосредоточиться и дарит ощущение гармонии.
В нашей коллекции представлены изысканные изделия из сердолика – шедевры декоративно-прикладного искусства, которые поражают своим мастерством и красотой. Приглашаем вас полюбоваться ими в альбоме на сайте музея «Собрание» и вдохновиться этим удивительным камнем, символом радости и вдохновения.
https://mus-col.com/gallery/list.php?section=6690
Сердолик, известный также как карнеол, – разновидность халцедона, поражающая богатством оттенков: от нежно-оранжевого до кроваво-красного. Этот камень добывают в России, Индии, Бразилии и Уругвае. Своей окраской он обязан соединениям железа, а благодаря твердости (6,5–7 по шкале Мооса) и легкости обработки сердолик широко применяется в ювелирном деле. Особенно ценятся экземпляры с белыми прожилками, подчеркивающими природную красоту камня.
Сердолик окружен множеством легенд. В Древнем Египте его называли «застывшим в камне закатом солнца» и использовали для украшений фараонов. На Руси он упоминается с IV века как один из самых ценных камней, наравне с жемчугом и алмазом. Средневековая Европа видела в сердолике защиту от колдовства и магии, а в XVIII–XIX веках этот камень стал символом камнерезного искусства.
Сердолик вдохновлял великих: Александр Пушкин, Джордж Байрон и Иоганн Гёте носили его как талисман. Гёте называл сердолик «камнем, дарующим вдохновение», и считал, что он защищает от невзгод и помогает найти внутренний покой. Камню также приписывали свойства оберега от болезней, злых духов и даже ударов молнии.
В современной литотерапии сердолик используется для лечения инфекций и снятия напряжения благодаря своей естественной, но безопасной радиоактивности. Он улучшает настроение, помогает сосредоточиться и дарит ощущение гармонии.
В нашей коллекции представлены изысканные изделия из сердолика – шедевры декоративно-прикладного искусства, которые поражают своим мастерством и красотой. Приглашаем вас полюбоваться ими в альбоме на сайте музея «Собрание» и вдохновиться этим удивительным камнем, символом радости и вдохновения.
https://mus-col.com/gallery/list.php?section=6690
В рамках выставки «Почерк времени» отмечаем День ручного письма
День ручного письма, или День почерка отмечается ежегодно 23 января. Праздник был инициирован Ассоциацией производителей пишущих инструментов в 1737 году. Отмечается он именно в этот день в честь дня рождения Джона Хэнкока1), который первым в 1776 году подписал Декларацию о независимости США.
Графология, наука, изучающая почерк, начала развиваться с XVII века и помогает определить индивидуальные особенности человека. Каждый почерк уникален, как отпечатки пальцев! Специалисты по графологии могут анализировать различные аспекты почерка — наклон, размер букв, расстояние между словами и даже давление на бумагу. Эти детали могут многое рассказать о личности автора: его эмоциональном состоянии, уровне стресса и даже характере.
В эпоху цифровых технологий рукописные письма становятся редкостью, но они сохраняют важные истории и эмоции. Письма А.П. Чехова и фронтовые послания солдат — это настоящие сокровища нашей культуры. Они не только передают информацию, но и несут в себе тепло человеческих отношений, искренность и личные переживания.
Ручное письмо помогает развивать креативность и улучшает память. Исследования показывают, что написание от руки активирует области мозга, отвечающие за запоминание и понимание информации. Кроме того, это отличный способ выразить свои мысли и чувства более глубоко и осмысленно.
В музее «Собрание» проходит выставка «Почерк времени. Кабинетные аксессуары и почтовые открытки Серебряного века», посвященная русской эпистолярной культуре конца XIX – начала XX века. Она объединяет фотографические открытки старой Москвы и кабинетные аксессуары этой эпохи. В 1880-е годы в Российской империи активно развивалась почтовая инфраструктура, а искусство написания писем совершенствовалось, устанавливая определенные рамки для деловой и личной корреспонденции.
Привилегия всех хранилищ памятников истории и культуры и, в том числе, музея «Собрание» состоит в возможности познавать и демонстрировать разнообразные аспекты истории и жизни людей. Рукописное наследие наших предков всегда будем значимым как для исследователей, так и для всех нас – неравнодушных и любопытных зрителей.
По традиции, в рамках выставки музей «Собрание» подготовил экскурсионную программу. Гости музея смогут осмотреть и камерную экспозицию, разместившуюся на минус первом этаже, и часть постоянной экспозиции, расположенной на третьем этаже. Записаться на экскурсию можно на сайте музея в разделе «Контакты».
День ручного письма, или День почерка отмечается ежегодно 23 января. Праздник был инициирован Ассоциацией производителей пишущих инструментов в 1737 году. Отмечается он именно в этот день в честь дня рождения Джона Хэнкока1), который первым в 1776 году подписал Декларацию о независимости США.
Графология, наука, изучающая почерк, начала развиваться с XVII века и помогает определить индивидуальные особенности человека. Каждый почерк уникален, как отпечатки пальцев! Специалисты по графологии могут анализировать различные аспекты почерка — наклон, размер букв, расстояние между словами и даже давление на бумагу. Эти детали могут многое рассказать о личности автора: его эмоциональном состоянии, уровне стресса и даже характере.
В эпоху цифровых технологий рукописные письма становятся редкостью, но они сохраняют важные истории и эмоции. Письма А.П. Чехова и фронтовые послания солдат — это настоящие сокровища нашей культуры. Они не только передают информацию, но и несут в себе тепло человеческих отношений, искренность и личные переживания.
Ручное письмо помогает развивать креативность и улучшает память. Исследования показывают, что написание от руки активирует области мозга, отвечающие за запоминание и понимание информации. Кроме того, это отличный способ выразить свои мысли и чувства более глубоко и осмысленно.
В музее «Собрание» проходит выставка «Почерк времени. Кабинетные аксессуары и почтовые открытки Серебряного века», посвященная русской эпистолярной культуре конца XIX – начала XX века. Она объединяет фотографические открытки старой Москвы и кабинетные аксессуары этой эпохи. В 1880-е годы в Российской империи активно развивалась почтовая инфраструктура, а искусство написания писем совершенствовалось, устанавливая определенные рамки для деловой и личной корреспонденции.
Привилегия всех хранилищ памятников истории и культуры и, в том числе, музея «Собрание» состоит в возможности познавать и демонстрировать разнообразные аспекты истории и жизни людей. Рукописное наследие наших предков всегда будем значимым как для исследователей, так и для всех нас – неравнодушных и любопытных зрителей.
По традиции, в рамках выставки музей «Собрание» подготовил экскурсионную программу. Гости музея смогут осмотреть и камерную экспозицию, разместившуюся на минус первом этаже, и часть постоянной экспозиции, расположенной на третьем этаже. Записаться на экскурсию можно на сайте музея в разделе «Контакты».
Мы сдадим последние экзамены 1961 г., муз. Э. Колмановского, сл.…
К 270-летию со дня основания МГУ: через века и пространства
Московский государственный университет имени М.В. Ломоносова, основанный в 1755 году по инициативе выдающегося ученого Михаила Васильевича Ломоносова и при поддержке Ивана Ивановича Шувалова, стал первой светской образовательной и научной организацией в России. Его создание ознаменовало новый этап в развитии высшего образования, внедряя демократические принципы и делая науку доступной для представителей различных сословий.
Изначально в университете было открыто три факультета: философский, юридический и медицинский. Обучение начиналось с философских дисциплин, которые давали фундаментальные знания в области гуманитарных и естественных наук. Такой подход позволял студентам выбирать дальнейшую специализацию. Прогрессивной особенностью университета стало преподавание на русском языке, что было редкостью для того времени, когда латынь оставалась языком науки.
Созданный как центр образования, МГУ сразу стал местом распространения знаний. Уже в 1756 году при университете открылась первая типография, началось издание газет и журналов, включая «Московские ведомости» и «Полезное увеселение». Университетская библиотека, открывшаяся через год после основания, выполняла функции первой общедоступной библиотеки в Москве, способствуя просвещению широких слоев населения.
В XIX веке университет укрепил свою роль как центра российской науки и культуры. Здесь образовались первые научные общества: Испытателей природы, Истории и древностей российских, Любителей российской словесности. Просветительская и научная деятельность университета способствовала созданию на его базе таких крупных культурных и образовательных учреждений, как Казанский университет, Академия художеств, Малый театр.
Финансирование университета во многом обеспечивалось меценатами и выпускниками. Такие выдающиеся личности, как Демидовы, Строгановы, Е.Р. Дашкова, приобретали для университета научные приборы, книги, учреждали стипендии, а профессора часто завещали свои личные библиотеки. Это не только укрепляло материальную базу университета, но и формировало традицию активной поддержки образования.
Сегодня МГУ — крупнейший классический университет России, символ её науки и культуры. На 40 факультетах и в 15 научных институтах обучаются более 45 тысяч студентов, а около 750 кафедр и лабораторий ведут научные исследования мирового уровня. Университет располагает Научной библиотекой, Ботаническим садом, Научным парком, Медицинским научно-образовательным центром, а также филиалами в Севастополе, Ташкенте, Астане, Баку, Душанбе и Ереване.
МГУ по-прежнему остаётся одним из главных символов преемственности научных традиций, прогресса и служения обществу, соединяя в своей деятельности задачи образования, науки и культуры, вдохновляя студентов и преподавателей на новые достижения.
Московский государственный университет имени М.В. Ломоносова, основанный в 1755 году по инициативе выдающегося ученого Михаила Васильевича Ломоносова и при поддержке Ивана Ивановича Шувалова, стал первой светской образовательной и научной организацией в России. Его создание ознаменовало новый этап в развитии высшего образования, внедряя демократические принципы и делая науку доступной для представителей различных сословий.
Изначально в университете было открыто три факультета: философский, юридический и медицинский. Обучение начиналось с философских дисциплин, которые давали фундаментальные знания в области гуманитарных и естественных наук. Такой подход позволял студентам выбирать дальнейшую специализацию. Прогрессивной особенностью университета стало преподавание на русском языке, что было редкостью для того времени, когда латынь оставалась языком науки.
Созданный как центр образования, МГУ сразу стал местом распространения знаний. Уже в 1756 году при университете открылась первая типография, началось издание газет и журналов, включая «Московские ведомости» и «Полезное увеселение». Университетская библиотека, открывшаяся через год после основания, выполняла функции первой общедоступной библиотеки в Москве, способствуя просвещению широких слоев населения.
В XIX веке университет укрепил свою роль как центра российской науки и культуры. Здесь образовались первые научные общества: Испытателей природы, Истории и древностей российских, Любителей российской словесности. Просветительская и научная деятельность университета способствовала созданию на его базе таких крупных культурных и образовательных учреждений, как Казанский университет, Академия художеств, Малый театр.
Финансирование университета во многом обеспечивалось меценатами и выпускниками. Такие выдающиеся личности, как Демидовы, Строгановы, Е.Р. Дашкова, приобретали для университета научные приборы, книги, учреждали стипендии, а профессора часто завещали свои личные библиотеки. Это не только укрепляло материальную базу университета, но и формировало традицию активной поддержки образования.
Сегодня МГУ — крупнейший классический университет России, символ её науки и культуры. На 40 факультетах и в 15 научных институтах обучаются более 45 тысяч студентов, а около 750 кафедр и лабораторий ведут научные исследования мирового уровня. Университет располагает Научной библиотекой, Ботаническим садом, Научным парком, Медицинским научно-образовательным центром, а также филиалами в Севастополе, Ташкенте, Астане, Баку, Душанбе и Ереване.
МГУ по-прежнему остаётся одним из главных символов преемственности научных традиций, прогресса и служения обществу, соединяя в своей деятельности задачи образования, науки и культуры, вдохновляя студентов и преподавателей на новые достижения.
Звезды джаза: Стефан Граппелли
Стефан Граппелли (1908–1997) – легендарный скрипач, который изменил джаз, сделав скрипку одним из его выразительных инструментов. Этот невероятный музыкант прожил насыщенную жизнь, оставаясь верным джазу и вдохновляя слушателей по всему миру.
Родился он в Париже в итальянской семье. После потери матери и мобилизации отца мальчик оказался в приюте. Но даже такие обстоятельства не помешали его любви к музыке. В 12 лет отец заложил костюм, чтобы купить ему первую скрипку. Стефан учился играть самостоятельно, вдохновляясь уличными музыкантами, а позже поступил в Парижскую консерваторию. Уже тогда он совмещал учебу с игрой на Монмартре и работой тапёром в кинотеатрах.
Квинтет «Hot Club of France», который Граппелли создал в 1934 году вместе с культовым гитаристом Джанго Рейнхардтом, стал настоящим феноменом. Их первый тираж пластинок был выпущен в 1935 году и принес международное признание. Рейнхардт и Граппелли создавали магию, выступая в сопровождении контрабаса и гитар – без барабанов, но с невероятной энергетикой.
В годы войны Граппелли жил в Англии, где играл с пианистом Джорджем Ширингом, а позже возобновил сотрудничество с Рейнхардтом. Он выступал с лучшими музыкантами своего времени, записывая множество альбомов и создавая уникальные музыкальные комбинации, от свинга до модерн-джаза.
Особый взлет его карьеры начался в 1970-х. Совместная работа с легендарным скрипачом Иегуди Менухиным стала важным этапом. Их дуэты объединили джаз и классическую музыку, а выступления, например, в Карнеги-холле, вызывали бурные овации.
Граппелли оставался активным до конца своей жизни. Даже в 87 лет он выпустил альбом «Live At The Blue Note». В 1997 году маэстро был удостоен Грэмми за достижения всей жизни. Его скрипка стала символом джаза, а он сам – его ярчайшей звездой.
Стефан Граппелли доказал, что джаз может быть лиричным, утонченным и в то же время невероятно энергичным. Он подарил миру новое звучание скрипки, и его музыка до сих пор вдохновляет музыкантов.
Стефан Граппелли (1908–1997) – легендарный скрипач, который изменил джаз, сделав скрипку одним из его выразительных инструментов. Этот невероятный музыкант прожил насыщенную жизнь, оставаясь верным джазу и вдохновляя слушателей по всему миру.
Родился он в Париже в итальянской семье. После потери матери и мобилизации отца мальчик оказался в приюте. Но даже такие обстоятельства не помешали его любви к музыке. В 12 лет отец заложил костюм, чтобы купить ему первую скрипку. Стефан учился играть самостоятельно, вдохновляясь уличными музыкантами, а позже поступил в Парижскую консерваторию. Уже тогда он совмещал учебу с игрой на Монмартре и работой тапёром в кинотеатрах.
Квинтет «Hot Club of France», который Граппелли создал в 1934 году вместе с культовым гитаристом Джанго Рейнхардтом, стал настоящим феноменом. Их первый тираж пластинок был выпущен в 1935 году и принес международное признание. Рейнхардт и Граппелли создавали магию, выступая в сопровождении контрабаса и гитар – без барабанов, но с невероятной энергетикой.
В годы войны Граппелли жил в Англии, где играл с пианистом Джорджем Ширингом, а позже возобновил сотрудничество с Рейнхардтом. Он выступал с лучшими музыкантами своего времени, записывая множество альбомов и создавая уникальные музыкальные комбинации, от свинга до модерн-джаза.
Особый взлет его карьеры начался в 1970-х. Совместная работа с легендарным скрипачом Иегуди Менухиным стала важным этапом. Их дуэты объединили джаз и классическую музыку, а выступления, например, в Карнеги-холле, вызывали бурные овации.
Граппелли оставался активным до конца своей жизни. Даже в 87 лет он выпустил альбом «Live At The Blue Note». В 1997 году маэстро был удостоен Грэмми за достижения всей жизни. Его скрипка стала символом джаза, а он сам – его ярчайшей звездой.
Стефан Граппелли доказал, что джаз может быть лиричным, утонченным и в то же время невероятно энергичным. Он подарил миру новое звучание скрипки, и его музыка до сих пор вдохновляет музыкантов.
Год Деревянной Змеи: мудрость, обновление и гармония
Китайский Новый год — это не просто смена даты, а настоящее торжество жизни, традиций и семейных ценностей. Он отмечается уже более 3,5 тысяч лет, объединяя миллионы людей по всему миру. В отличие от европейского Нового года, китайский праздник следует лунному календарю, поэтому его дата меняется ежегодно. В 2025 году его будут встречать 29 января, открывая Год Деревянной Змеи.
Восточный гороскоп основан на 12-летнем цикле животных и 5 стихиях — Металл, Дерево, Вода, Огонь и Земля. Они формируют 60-летний цикл, где каждый год сочетает определённое животное и его стихию. В 2025 году хозяйкой года станет Змея, а её стихией — Дерево, связанное с гармонией, ростом и обновлением.
Змея в китайской культуре — символ мудрости и рассудительности. Она не действует импульсивно, а тщательно продумывает свои шаги. Её характерные качества — терпение, умение адаптироваться и стремление к знаниям. Деревянная Змея действует четко и безошибочно, концентрируясь на достижении своих целей.
В Китае есть понятие «Benmingnian» – это так называемый Год Судьбы, который совпадает со знаком рождения человека. В 2025 году его встретят те, кто родился в год Змеи. Это время больших перемен, важных решений и осознания жизненных приоритетов. Последний раз Год Деревянной Змеи был 60 лет назад, и его возвращение символизирует новый этап в цикле китайского календаря.
Змея — один из древнейших тотемов китайского народа. В мифологии она связана с богиней Нюйва — создательницей человечества, покровительницей брака и спасительницей мира. В Китае до сих пор верят: если змея появилась во дворе, это сулит удачу.
Год Деревянной Змеи обещает быть спокойным, но наполненным важными событиями. Он подходит для развития, построения крепких отношений и достижения поставленных целей.
Познакомьтесь с символом 2025 года!
В Фотогалерее музея представлен тематический альбом с изображениями Змеи, а в рубрике «Аудио рассказы» можно узнать больше о восточном календаре и традициях празднования Китайского Нового года.
https://mus-col.com/events/36618/
Китайский Новый год — это не просто смена даты, а настоящее торжество жизни, традиций и семейных ценностей. Он отмечается уже более 3,5 тысяч лет, объединяя миллионы людей по всему миру. В отличие от европейского Нового года, китайский праздник следует лунному календарю, поэтому его дата меняется ежегодно. В 2025 году его будут встречать 29 января, открывая Год Деревянной Змеи.
Восточный гороскоп основан на 12-летнем цикле животных и 5 стихиях — Металл, Дерево, Вода, Огонь и Земля. Они формируют 60-летний цикл, где каждый год сочетает определённое животное и его стихию. В 2025 году хозяйкой года станет Змея, а её стихией — Дерево, связанное с гармонией, ростом и обновлением.
Змея в китайской культуре — символ мудрости и рассудительности. Она не действует импульсивно, а тщательно продумывает свои шаги. Её характерные качества — терпение, умение адаптироваться и стремление к знаниям. Деревянная Змея действует четко и безошибочно, концентрируясь на достижении своих целей.
В Китае есть понятие «Benmingnian» – это так называемый Год Судьбы, который совпадает со знаком рождения человека. В 2025 году его встретят те, кто родился в год Змеи. Это время больших перемен, важных решений и осознания жизненных приоритетов. Последний раз Год Деревянной Змеи был 60 лет назад, и его возвращение символизирует новый этап в цикле китайского календаря.
Змея — один из древнейших тотемов китайского народа. В мифологии она связана с богиней Нюйва — создательницей человечества, покровительницей брака и спасительницей мира. В Китае до сих пор верят: если змея появилась во дворе, это сулит удачу.
Год Деревянной Змеи обещает быть спокойным, но наполненным важными событиями. Он подходит для развития, построения крепких отношений и достижения поставленных целей.
Познакомьтесь с символом 2025 года!
В Фотогалерее музея представлен тематический альбом с изображениями Змеи, а в рубрике «Аудио рассказы» можно узнать больше о восточном календаре и традициях празднования Китайского Нового года.
https://mus-col.com/events/36618/
Международный День ювелира в музее «Собрание»
31 января отмечается профессиональный праздник – международный День ювелира. Ювелирное дело – это искусство обработки драгоценных материалов и изготовления украшений, разновидность декоративно-прикладного искусства. Его история уходит в далекое прошлое. Люди издавна украшали себя, изготавливая из ракушек, клыков, камней подвески, бусы и браслеты. Затем материалом для украшений стали металлы: метеоритное железо, медь, бронза, золото, серебро, платина. В разные эпохи создавались украшения, присущие именно этому времени, что находило отражение в выборе материала, способах его обработки, технике и языке художественных форм.
В коллекции музея «Собрание» представлены изделия русских и европейских мастеров ювелирного искусства, которые создавали не только украшения, но и изысканные предметы бытового обихода. Эти изделия изготавливались из различных материалов – драгоценных металлов, фарфора и слоновой кости, поделочных камней, стекла и керамики. Они украшались резьбой, чеканкой, гравировкой, могли быть покрыты эмалью и инкрустированы драгоценными камнями. Это были самые разные бытовые предметы – карманные несессеры, флаконы для духов и ароматических солей, папиросницы, мундштуки, трости, печати и разнообразные настольные безделушки.
К международному Дню ювелира мы подготовили тематический альбом, в котором представлены ювелирные изделия бытового обихода из коллекции музея «Собрание», изготовленные известными ювелирными мастерскими и компаниями.
В разделе «Авторы/Производители» размещены биографии всемирно известных мастеров золотого и серебряного дела и истории создания ювелирных компаний, фабрик и мастерских. Среди них фирма «Фаберже», фирма «Болин», мастерская золотых и серебряных изделий М. Перхина, фирма И.П. Хлебникова, фабрика по производству серебряных, эмалевых изделий Ф. Рюкерта, мастерская Ю.А. Раппопорта, Фирма Ф. Лорие, ювелирная фирма «Сазиков», фабрика братьев Грачевых и другие.
06 февраля, в четверг – наш традиционный лекционный день, приглашаем вас
на лекцию «Карл Фаберже: ювелирных дел менеджер». Лектор Ольга Меликьян
Как небольшая мастерская стала создавать предметы для императорской семьи? Чем выделялся управленческий подход Карла Фаберже? Какие особенности работы с материалами принесли Фаберже всемирную известность?
Эти и другие вопросы мы обсудим на лекции, посвящённой Карлу Фаберже и его времени.
Начало лекции в 18:00. Продолжительность 60 минут.
Зарегистрироваться на лекцию можно на сайте музея, в разделе «Лекторий».
https://mus-col.com/contacts/lectures.php
31 января отмечается профессиональный праздник – международный День ювелира. Ювелирное дело – это искусство обработки драгоценных материалов и изготовления украшений, разновидность декоративно-прикладного искусства. Его история уходит в далекое прошлое. Люди издавна украшали себя, изготавливая из ракушек, клыков, камней подвески, бусы и браслеты. Затем материалом для украшений стали металлы: метеоритное железо, медь, бронза, золото, серебро, платина. В разные эпохи создавались украшения, присущие именно этому времени, что находило отражение в выборе материала, способах его обработки, технике и языке художественных форм.
В коллекции музея «Собрание» представлены изделия русских и европейских мастеров ювелирного искусства, которые создавали не только украшения, но и изысканные предметы бытового обихода. Эти изделия изготавливались из различных материалов – драгоценных металлов, фарфора и слоновой кости, поделочных камней, стекла и керамики. Они украшались резьбой, чеканкой, гравировкой, могли быть покрыты эмалью и инкрустированы драгоценными камнями. Это были самые разные бытовые предметы – карманные несессеры, флаконы для духов и ароматических солей, папиросницы, мундштуки, трости, печати и разнообразные настольные безделушки.
К международному Дню ювелира мы подготовили тематический альбом, в котором представлены ювелирные изделия бытового обихода из коллекции музея «Собрание», изготовленные известными ювелирными мастерскими и компаниями.
В разделе «Авторы/Производители» размещены биографии всемирно известных мастеров золотого и серебряного дела и истории создания ювелирных компаний, фабрик и мастерских. Среди них фирма «Фаберже», фирма «Болин», мастерская золотых и серебряных изделий М. Перхина, фирма И.П. Хлебникова, фабрика по производству серебряных, эмалевых изделий Ф. Рюкерта, мастерская Ю.А. Раппопорта, Фирма Ф. Лорие, ювелирная фирма «Сазиков», фабрика братьев Грачевых и другие.
06 февраля, в четверг – наш традиционный лекционный день, приглашаем вас
на лекцию «Карл Фаберже: ювелирных дел менеджер». Лектор Ольга Меликьян
Как небольшая мастерская стала создавать предметы для императорской семьи? Чем выделялся управленческий подход Карла Фаберже? Какие особенности работы с материалами принесли Фаберже всемирную известность?
Эти и другие вопросы мы обсудим на лекции, посвящённой Карлу Фаберже и его времени.
Начало лекции в 18:00. Продолжительность 60 минут.
Зарегистрироваться на лекцию можно на сайте музея, в разделе «Лекторий».
https://mus-col.com/contacts/lectures.php
150 лет со дня рождения Фрица Крейслера
Фриц Крейслер — один из величайших скрипачей XX века, чьё имя стало символом утончённости, романтизма и неповторимого исполнительского стиля. Его манера игры сочетала виртуозность с удивительной лёгкостью, элегантность с искренностью, а звук его скрипки был наполнен теплом и мягкостью, создавая тот самый «тающий» тон, ставший визитной карточкой венской скрипичной школы. Крейслер не просто исполнял музыку — он вдохновенно пересказывал её, наполняя каждое произведение индивидуальным настроением и неподражаемым обаянием.
Музыкальный путь Крейслера начался рано: уже в семь лет он поступил в Венскую консерваторию, став её самым юным студентом. Вскоре он совершенствовал мастерство в Парижской консерватории, а затем отправился в концертное турне по США. Однако первый успех был сдержанным, и Крейслер на некоторое время оставил музыку, изучая медицину и даже служа в армии. Лишь в 1899 году, после триумфального выступления с Берлинским филармоническим оркестром, он по-настоящему заявил о себе как о великом мастере. В последующие десятилетия Крейслер покорил Лондон, Париж, Нью-Йорк и другие мировые сцены, став одной из самых ярких фигур скрипичного искусства.
Но Крейслер был не только выдающимся исполнителем, но и талантливым композитором. Он создал множество произведений, вдохновлённых венской музыкальной традицией: «Радость любви», «Прекрасный розмарин», «Китайский тамбурин» и другие стали настоящими хитами, которые до сих пор звучат в исполнении ведущих скрипачей мира. Особое место в его творчестве занимают музыкальные мистификации — произведения, которые он намеренно приписывал композиторам прошлых веков, таким как Гаэтано Пуньяни и Джузеппе Тартини. Когда в 1935 году Крейслер признался в их авторстве, это вызвало настоящий скандал в музыкальном мире, но в конечном итоге лишь подтвердило его гениальность.
Жизнь Крейслера была полна драматических событий. Во время Первой мировой войны он служил в австрийской армии и получил ранение, после чего переехал в США. В 1938 году, спасаясь от нацистских настроений в Европе, он вновь эмигрировал в Америку, где принял гражданство. Несмотря на тяжёлую автокатастрофу в 1941 году, он продолжал концертную деятельность, пока ухудшающееся здоровье не заставило его уйти со сцены. Последние годы Крейслер провёл в уединении в Нью-Йорке, оставив миру не только свои записи, но и богатое композиторское наследие.
В честь 150-летия со дня рождения Фрица Крейслера в Фонотеке музея представлена музыкальная подборка его произведений — как авторских, так и виртуозно исполненных им самим. Приглашаем вас познакомиться с уникальным наследием этого великого музыканта и насладиться звучанием его волшебной скрипки!
https://mus-col.com/events/33315/
Фриц Крейслер — один из величайших скрипачей XX века, чьё имя стало символом утончённости, романтизма и неповторимого исполнительского стиля. Его манера игры сочетала виртуозность с удивительной лёгкостью, элегантность с искренностью, а звук его скрипки был наполнен теплом и мягкостью, создавая тот самый «тающий» тон, ставший визитной карточкой венской скрипичной школы. Крейслер не просто исполнял музыку — он вдохновенно пересказывал её, наполняя каждое произведение индивидуальным настроением и неподражаемым обаянием.
Музыкальный путь Крейслера начался рано: уже в семь лет он поступил в Венскую консерваторию, став её самым юным студентом. Вскоре он совершенствовал мастерство в Парижской консерватории, а затем отправился в концертное турне по США. Однако первый успех был сдержанным, и Крейслер на некоторое время оставил музыку, изучая медицину и даже служа в армии. Лишь в 1899 году, после триумфального выступления с Берлинским филармоническим оркестром, он по-настоящему заявил о себе как о великом мастере. В последующие десятилетия Крейслер покорил Лондон, Париж, Нью-Йорк и другие мировые сцены, став одной из самых ярких фигур скрипичного искусства.
Но Крейслер был не только выдающимся исполнителем, но и талантливым композитором. Он создал множество произведений, вдохновлённых венской музыкальной традицией: «Радость любви», «Прекрасный розмарин», «Китайский тамбурин» и другие стали настоящими хитами, которые до сих пор звучат в исполнении ведущих скрипачей мира. Особое место в его творчестве занимают музыкальные мистификации — произведения, которые он намеренно приписывал композиторам прошлых веков, таким как Гаэтано Пуньяни и Джузеппе Тартини. Когда в 1935 году Крейслер признался в их авторстве, это вызвало настоящий скандал в музыкальном мире, но в конечном итоге лишь подтвердило его гениальность.
Жизнь Крейслера была полна драматических событий. Во время Первой мировой войны он служил в австрийской армии и получил ранение, после чего переехал в США. В 1938 году, спасаясь от нацистских настроений в Европе, он вновь эмигрировал в Америку, где принял гражданство. Несмотря на тяжёлую автокатастрофу в 1941 году, он продолжал концертную деятельность, пока ухудшающееся здоровье не заставило его уйти со сцены. Последние годы Крейслер провёл в уединении в Нью-Йорке, оставив миру не только свои записи, но и богатое композиторское наследие.
В честь 150-летия со дня рождения Фрица Крейслера в Фонотеке музея представлена музыкальная подборка его произведений — как авторских, так и виртуозно исполненных им самим. Приглашаем вас познакомиться с уникальным наследием этого великого музыканта и насладиться звучанием его волшебной скрипки!
https://mus-col.com/events/33315/
Эволюция чернил: от древности до современности
История чернил берет свое начало с первых попыток человека зафиксировать мысли и наблюдения. Долгое время чернила существовали как отдельный от пишущего инструмента материал и хранились в специальных ёмкостях — чернильницах, куда макали кончик пера или тростинки.
Название «чернила» в русском языке связано со словом «чёрный», однако уже с древности использовались чернила самых разных оттенков. В Древнем Египте для письма на папирусе применялись чернила на основе угольной пыли и сока галловых растений. В Китае чернила были гуще и известны как «тушь» — они создавались из сажи, смолы и животного клея. В античной Греции и Риме чернила изготавливали на основе сажи, графита и масел.
Примерно в XII веке в Европе появились железо-галловые чернила. Они изготавливались из чернильных орешков, железного купороса и гуммиарабика, а их оттенок зависел от состава — от коричневого до насыщенного черного. Эти чернила широко использовались вплоть до XIX века.
В эпоху Нового времени произошли значительные изменения в технологии изготовления чернил. Масляные чернила получали путем нагревания масла и добавления различных пигментов. Красный оттенок давал кармин, оранжевый — сиена, синий — индиго. В конце XIX века профессор Кристиан Леонгарди изобрел ализариновые чернила с глубоким и насыщенным цветом, но их стремительное загустение усложняло использование. Позднее появились искусственные красители, а в XX веке — синтетические чернила, которые стали дешевыми и удобными в производстве.
Во все времена в состав чернил входили три основных компонента:
– растворитель или дисперсная среда;
– красящее вещество (пигмент в случае пигментных чернил);
– модификаторы, влияющие на вязкость, стойкость, консистенцию и срок хранения.
Современные чернила значительно отличаются от своих предшественников. Сегодня это многокомпонентные жидкости, включающие от четырех до двадцати элементов. В зависимости от назначения чернила различаются по составу: одни используются в принтерах, другие подходят для шариковых, гелевых и перьевых ручек.
Выставка «Почерк времени» в музее «Собрание»
На выставке представлены изысканные письменные приборы XVIII–XIX веков, созданные лучшими мастерами-ювелирами того времени, такими как Карл Фаберже, Братья Грачёвы, Павел Буре, И.П. Сазиков, И.П. Хлебников. В ходе экскурсии посетители смогут увидеть широкий спектр кабинетных аксессуаров: от перьевых ручек и чернильниц до визитниц и марочниц, а также узнать больше о русской эпистолярной культуре конца XIX – начала XX века.
Выставка проходит на двух уровнях экспозиции музея. Записаться на экскурсию можно на сайте музея в разделе «Контакты». Продолжительность программы — 1 час.
https://mus-col.com/events/36894/
История чернил берет свое начало с первых попыток человека зафиксировать мысли и наблюдения. Долгое время чернила существовали как отдельный от пишущего инструмента материал и хранились в специальных ёмкостях — чернильницах, куда макали кончик пера или тростинки.
Название «чернила» в русском языке связано со словом «чёрный», однако уже с древности использовались чернила самых разных оттенков. В Древнем Египте для письма на папирусе применялись чернила на основе угольной пыли и сока галловых растений. В Китае чернила были гуще и известны как «тушь» — они создавались из сажи, смолы и животного клея. В античной Греции и Риме чернила изготавливали на основе сажи, графита и масел.
Примерно в XII веке в Европе появились железо-галловые чернила. Они изготавливались из чернильных орешков, железного купороса и гуммиарабика, а их оттенок зависел от состава — от коричневого до насыщенного черного. Эти чернила широко использовались вплоть до XIX века.
В эпоху Нового времени произошли значительные изменения в технологии изготовления чернил. Масляные чернила получали путем нагревания масла и добавления различных пигментов. Красный оттенок давал кармин, оранжевый — сиена, синий — индиго. В конце XIX века профессор Кристиан Леонгарди изобрел ализариновые чернила с глубоким и насыщенным цветом, но их стремительное загустение усложняло использование. Позднее появились искусственные красители, а в XX веке — синтетические чернила, которые стали дешевыми и удобными в производстве.
Во все времена в состав чернил входили три основных компонента:
– растворитель или дисперсная среда;
– красящее вещество (пигмент в случае пигментных чернил);
– модификаторы, влияющие на вязкость, стойкость, консистенцию и срок хранения.
Современные чернила значительно отличаются от своих предшественников. Сегодня это многокомпонентные жидкости, включающие от четырех до двадцати элементов. В зависимости от назначения чернила различаются по составу: одни используются в принтерах, другие подходят для шариковых, гелевых и перьевых ручек.
Выставка «Почерк времени» в музее «Собрание»
На выставке представлены изысканные письменные приборы XVIII–XIX веков, созданные лучшими мастерами-ювелирами того времени, такими как Карл Фаберже, Братья Грачёвы, Павел Буре, И.П. Сазиков, И.П. Хлебников. В ходе экскурсии посетители смогут увидеть широкий спектр кабинетных аксессуаров: от перьевых ручек и чернильниц до визитниц и марочниц, а также узнать больше о русской эпистолярной культуре конца XIX – начала XX века.
Выставка проходит на двух уровнях экспозиции музея. Записаться на экскурсию можно на сайте музея в разделе «Контакты». Продолжительность программы — 1 час.
https://mus-col.com/events/36894/
Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
Экспонат в деталях: музыкальные часы с четвертным боем и календарем
8 февраля ежегодно отмечается День российской науки – праздник, установленный указом Президента Российской Федерации 7 июня 1999 года. Его история восходит к XVIII веку, когда Пётр I уделил особое внимание развитию образования и науки. По его указу 8 февраля 1724 года была основана Российская Академия наук и художеств – уникальное учреждение, объединяющее научную деятельность, просвещение и образование.
На протяжении трёх столетий Академия переживала различные эпохи – от Российской империи до современности. Несмотря на политические изменения, её главная миссия оставалась неизменной: поиск научных истин и служение отечеству. Сегодня 8 февраля учёных чествуют на государственном уровне – проходят торжественные мероприятия, присуждаются награды и выделяются гранты на новые исследования.
Наука неразрывно связана с материальным наследием. С 1992 года в России действует программа «Памятники науки и техники», в рамках которой статус памятника присваивается значимым техническим и научным объектам. На сегодняшний день в этот список включены более 1645 предметов из 127 российских музеев.
В декабре 2024 года музей «Собрание» представил на Экспертный Совет Политехнического музея пять экспонатов из коллекции «Музыкальные механические инструменты и предметы», которые получили статус «Памятник науки и техники».
Одним из уникальных экспонатов, получивших этот статус, стали «Часы настенные музыкальные с четвертным боем и календарем», изготовленные около 1750 года. Этот редкий экземпляр представляет собой сложный механический прибор, сочетающий точное времяизмерение и музыкальное сопровождение. Часы были созданы известным британским мастером Джозефом Филлипсом из Бристоля, что подтверждает надпись на циферблате: «Joseph Phillips in Easttown by Bristoll». Они предназначались для размещения в королевской приёмной, как гласит пластина с соответствующей гравировкой: «To be placed in the King's Ante Room».
Часы заключены в корпус из дуба с изысканным декором: на фронтоне расположен резной позолоченный герб города Бристоля, боковые стороны украшены ажурными дверцами с внутренней отделкой из красной ткани. Центральное место занимает циферблатное поле с богатым орнаментом в виде купидонов и цветочных гирлянд, а литые золотистые накладки придают часам особую изысканность.
Техническое устройство часов представляет собой сложный многофункциональный механизм:
- Индикация времени – часы, минуты, секунды, а также день месяца
- Четвертной бой – каждые 15 минут звучит определённый вид перезвона на шести колокольчиках
- Часовой бой – по крупному колоколу, с отдельным механизмом счета
- Репетир – механизм повтора звучания боя
- Календарь – отображение текущей даты
- Музыкальный механизм – карильон из восьми колокольчиков, который каждые четыре часа воспроизводит мелодию, записанную на программном валике
Этот музыкальный элемент делает часы не просто измерительным прибором, а полноценным художественным объектом. Каждый четвертый час раздаётся мелодия, закодированная на металлическом программном валике, что придаёт устройству особую ценность как с технической, так и с эстетической точки зрения.
Подобные сложные часы с музыкальными механизмами во второй половине XVIII века изготавливались в Бристоле – богатом портовом городе, который был важным центром британской торговли. Такие изделия украшали дома состоятельных людей и официальные залы присутственных мест. Отличительной чертой этих механизмов была не только безупречная точность хода, но и сложность конструкции, требующая исключительного мастерства при сборке и настройке.
Благодаря программе «Памятники науки и техники» этот редкий экземпляр получил заслуженное признание как значимый объект исторического и научного наследия. Музей «Собрание» продолжает эту традицию, сохраняя уникальные артефакты, которые помогают нам лучше понять прошлое и ценить достижения науки и техники.
https://mus-col.com/events/36868/
8 февраля ежегодно отмечается День российской науки – праздник, установленный указом Президента Российской Федерации 7 июня 1999 года. Его история восходит к XVIII веку, когда Пётр I уделил особое внимание развитию образования и науки. По его указу 8 февраля 1724 года была основана Российская Академия наук и художеств – уникальное учреждение, объединяющее научную деятельность, просвещение и образование.
На протяжении трёх столетий Академия переживала различные эпохи – от Российской империи до современности. Несмотря на политические изменения, её главная миссия оставалась неизменной: поиск научных истин и служение отечеству. Сегодня 8 февраля учёных чествуют на государственном уровне – проходят торжественные мероприятия, присуждаются награды и выделяются гранты на новые исследования.
Наука неразрывно связана с материальным наследием. С 1992 года в России действует программа «Памятники науки и техники», в рамках которой статус памятника присваивается значимым техническим и научным объектам. На сегодняшний день в этот список включены более 1645 предметов из 127 российских музеев.
В декабре 2024 года музей «Собрание» представил на Экспертный Совет Политехнического музея пять экспонатов из коллекции «Музыкальные механические инструменты и предметы», которые получили статус «Памятник науки и техники».
Одним из уникальных экспонатов, получивших этот статус, стали «Часы настенные музыкальные с четвертным боем и календарем», изготовленные около 1750 года. Этот редкий экземпляр представляет собой сложный механический прибор, сочетающий точное времяизмерение и музыкальное сопровождение. Часы были созданы известным британским мастером Джозефом Филлипсом из Бристоля, что подтверждает надпись на циферблате: «Joseph Phillips in Easttown by Bristoll». Они предназначались для размещения в королевской приёмной, как гласит пластина с соответствующей гравировкой: «To be placed in the King's Ante Room».
Часы заключены в корпус из дуба с изысканным декором: на фронтоне расположен резной позолоченный герб города Бристоля, боковые стороны украшены ажурными дверцами с внутренней отделкой из красной ткани. Центральное место занимает циферблатное поле с богатым орнаментом в виде купидонов и цветочных гирлянд, а литые золотистые накладки придают часам особую изысканность.
Техническое устройство часов представляет собой сложный многофункциональный механизм:
- Индикация времени – часы, минуты, секунды, а также день месяца
- Четвертной бой – каждые 15 минут звучит определённый вид перезвона на шести колокольчиках
- Часовой бой – по крупному колоколу, с отдельным механизмом счета
- Репетир – механизм повтора звучания боя
- Календарь – отображение текущей даты
- Музыкальный механизм – карильон из восьми колокольчиков, который каждые четыре часа воспроизводит мелодию, записанную на программном валике
Этот музыкальный элемент делает часы не просто измерительным прибором, а полноценным художественным объектом. Каждый четвертый час раздаётся мелодия, закодированная на металлическом программном валике, что придаёт устройству особую ценность как с технической, так и с эстетической точки зрения.
Подобные сложные часы с музыкальными механизмами во второй половине XVIII века изготавливались в Бристоле – богатом портовом городе, который был важным центром британской торговли. Такие изделия украшали дома состоятельных людей и официальные залы присутственных мест. Отличительной чертой этих механизмов была не только безупречная точность хода, но и сложность конструкции, требующая исключительного мастерства при сборке и настройке.
Благодаря программе «Памятники науки и техники» этот редкий экземпляр получил заслуженное признание как значимый объект исторического и научного наследия. Музей «Собрание» продолжает эту традицию, сохраняя уникальные артефакты, которые помогают нам лучше понять прошлое и ценить достижения науки и техники.
https://mus-col.com/events/36868/
Рассказ о русской эмали в нашей постоянной рубрике «Аудио рассказы»
Сегодня в новом выпуске нашей рубрике «Аудио рассказы» – рассказ о русской эмали, об истории её появления и о технических приемах её нанесения, об известных мастерах, создававших шедевры эмальерного дела.
В подразделе коллекции музея «Русская эмаль» представлены замечательные образцы русского эмальерного искусства XVII – начала XX веков. Все экспонаты коллекции отличает безупречная цветовая палитра, филигранность отделки и разнообразие декоративных приемов. Созданные как неизвестными мастерами, так крупнейшими художниками и ведущими ювелирными предприятиями, предметы коллекции показывают уровень развития эмальерного дела, богатство художественного языка мастеров-эмальеров и их стилистические предпочтения.
Эмальерные техники, применявшиеся в декоративно-прикладном искусстве для декорирования всевозможных изделий из металла – особая страница в истории ювелирного искусства. Шкатулки, табакерки, чайные сервизы и другие предметы, украшенные эмалью, превращались в сокровища, а мастера, создававшие эти шедевры, получали мировое признание.
Русская эмаль – особая страница художественной культуры и поистине уникальное явление в мировой истории ювелирного дела. В изделиях, украшенных эмалью, нашли воплощение национальный характер, исторические традиции и уникальные достижения отечественных мастеров. Каждый мастер обладает особым почерком и стремится к осмысленному выбору сюжетов и цветовых решений.
Самые древние металлические находки, покрытые декоративной эмалью, и найденные на территории Древней Руси датируются X – началом XIII века. Художественную эмаль в то время называли финифтью, от греческого слова «фингитис», которое переводится как «светлый, блестящий камень». Традиции перегородчатой и выемчатой эмали русские мастера заимствовали у византийцев. Этими техниками, как правило, украшали изделия из золота, реже – из серебра. От кельтов на Древнюю Русь пришла техника эмали по литью. Её обычно использовали на бронзе или меди. Крупнейшие центры эмалирования находились в Киеве, Чернигове, Галиче, Владимире, Рязани, Новгороде.
К XIX веку ведущими центрами изготовления эмали стали Москва, Ростов Великий и Санкт-Петербург. В середине этого столетия начинается новый виток развития русской эмали, связанный с повышением интереса к древнерусским традициям. Появляется своеобразный «русский стиль», яркой чертой которого становится новая волна популярности эмали по скани. Эмалевое производство становится массовым и теперь доступно различным слоям русского общества. Новый этап развития художественной эмали был связан с деятельностью ювелирных фирм, которые расширили ассортимент изделий с эмалью благодаря использованию достижений химии и возникновению новых эмальерных технологий, которые позволили перейти к промышленному изготовлению изделий с эмалью.
Среди самых известных российских фирм, занимавшихся ювелирным делом на рубеже XIX-XX веков, можно назвать фабрики братьев Грачевых, Немирова-Колодкина, Овчинникова П.А., Сазикова И.П., Фаберже К. и др. Они, а также мелкие ювелирные мастерские и артели активно изготавливали разнообразные изделия с художественной эмалью. Свой вклад в производство изделий с эмалью вносили и мелкие ювелирные мастерские и артели.
Развитие искусства нанесения эмали быстро превратило ее в самостоятельный декоративный элемент бытового изделия или украшения. Если раньше эмалевые вставки лишь подчеркивали рельеф металла или красоту вставок из декоративных камней, то уже в XVIII веке они стали основным украшением, которое не требовало дополнения или усиления с помощью других технологий.
https://mus-col.com/music-library/groups.php?section=3771
Сегодня в новом выпуске нашей рубрике «Аудио рассказы» – рассказ о русской эмали, об истории её появления и о технических приемах её нанесения, об известных мастерах, создававших шедевры эмальерного дела.
В подразделе коллекции музея «Русская эмаль» представлены замечательные образцы русского эмальерного искусства XVII – начала XX веков. Все экспонаты коллекции отличает безупречная цветовая палитра, филигранность отделки и разнообразие декоративных приемов. Созданные как неизвестными мастерами, так крупнейшими художниками и ведущими ювелирными предприятиями, предметы коллекции показывают уровень развития эмальерного дела, богатство художественного языка мастеров-эмальеров и их стилистические предпочтения.
Эмальерные техники, применявшиеся в декоративно-прикладном искусстве для декорирования всевозможных изделий из металла – особая страница в истории ювелирного искусства. Шкатулки, табакерки, чайные сервизы и другие предметы, украшенные эмалью, превращались в сокровища, а мастера, создававшие эти шедевры, получали мировое признание.
Русская эмаль – особая страница художественной культуры и поистине уникальное явление в мировой истории ювелирного дела. В изделиях, украшенных эмалью, нашли воплощение национальный характер, исторические традиции и уникальные достижения отечественных мастеров. Каждый мастер обладает особым почерком и стремится к осмысленному выбору сюжетов и цветовых решений.
Самые древние металлические находки, покрытые декоративной эмалью, и найденные на территории Древней Руси датируются X – началом XIII века. Художественную эмаль в то время называли финифтью, от греческого слова «фингитис», которое переводится как «светлый, блестящий камень». Традиции перегородчатой и выемчатой эмали русские мастера заимствовали у византийцев. Этими техниками, как правило, украшали изделия из золота, реже – из серебра. От кельтов на Древнюю Русь пришла техника эмали по литью. Её обычно использовали на бронзе или меди. Крупнейшие центры эмалирования находились в Киеве, Чернигове, Галиче, Владимире, Рязани, Новгороде.
К XIX веку ведущими центрами изготовления эмали стали Москва, Ростов Великий и Санкт-Петербург. В середине этого столетия начинается новый виток развития русской эмали, связанный с повышением интереса к древнерусским традициям. Появляется своеобразный «русский стиль», яркой чертой которого становится новая волна популярности эмали по скани. Эмалевое производство становится массовым и теперь доступно различным слоям русского общества. Новый этап развития художественной эмали был связан с деятельностью ювелирных фирм, которые расширили ассортимент изделий с эмалью благодаря использованию достижений химии и возникновению новых эмальерных технологий, которые позволили перейти к промышленному изготовлению изделий с эмалью.
Среди самых известных российских фирм, занимавшихся ювелирным делом на рубеже XIX-XX веков, можно назвать фабрики братьев Грачевых, Немирова-Колодкина, Овчинникова П.А., Сазикова И.П., Фаберже К. и др. Они, а также мелкие ювелирные мастерские и артели активно изготавливали разнообразные изделия с художественной эмалью. Свой вклад в производство изделий с эмалью вносили и мелкие ювелирные мастерские и артели.
Развитие искусства нанесения эмали быстро превратило ее в самостоятельный декоративный элемент бытового изделия или украшения. Если раньше эмалевые вставки лишь подчеркивали рельеф металла или красоту вставок из декоративных камней, то уже в XVIII веке они стали основным украшением, которое не требовало дополнения или усиления с помощью других технологий.
https://mus-col.com/music-library/groups.php?section=3771
Читает Василий Качалов. Подборка к 150-летнему юбилею актера
Один из ведущих актеров труппы Московского художественного театра Василий Качалов покорил зрителей удивительной пластикой и голосом с завораживающим тембром и богатой интонацией. Василий Качалов играл в пьесах Чехова, Горького, Андреева, Шекспира, Ибсена, Гамсуна, Л. Толстого, Островского, Гауптмана, не имея приверженности какому-либо одному актерскому амплуа. Много выступал с художественным чтением на концертах, превращая свое выступление в особый спектакль, где он был одновременно актером и режиссером. Сохранились записи голоса Качалова, сделанные на радио.
В подборке, размещенной в Фонотеке музея «Собрание», можно послушать записи голоса Василия Качалова, сделанные в разные годы его жизни.
Это стихотворение В. Маяковского «Во весь голос», отрывок из романа Л.Н. Толстого «Воскресение», монолог Сатина из IV действия пьесы «На дне» Максима Горького и монолог Бориса из драмы «Борис Годунов» А.С. Пушкина, а также стихотворение «Брожу ли я вдоль улиц шумных…» А.С. Пушкина.
Биография В.И. Качалова размещена в разделе «Авторы/Производители».
https://mus-col.com/events/30752/
Один из ведущих актеров труппы Московского художественного театра Василий Качалов покорил зрителей удивительной пластикой и голосом с завораживающим тембром и богатой интонацией. Василий Качалов играл в пьесах Чехова, Горького, Андреева, Шекспира, Ибсена, Гамсуна, Л. Толстого, Островского, Гауптмана, не имея приверженности какому-либо одному актерскому амплуа. Много выступал с художественным чтением на концертах, превращая свое выступление в особый спектакль, где он был одновременно актером и режиссером. Сохранились записи голоса Качалова, сделанные на радио.
В подборке, размещенной в Фонотеке музея «Собрание», можно послушать записи голоса Василия Качалова, сделанные в разные годы его жизни.
Это стихотворение В. Маяковского «Во весь голос», отрывок из романа Л.Н. Толстого «Воскресение», монолог Сатина из IV действия пьесы «На дне» Максима Горького и монолог Бориса из драмы «Борис Годунов» А.С. Пушкина, а также стихотворение «Брожу ли я вдоль улиц шумных…» А.С. Пушкина.
Биография В.И. Качалова размещена в разделе «Авторы/Производители».
https://mus-col.com/events/30752/
Анонс: лекция «Эмиль Галле и Рене Лалик: магия стекла»
Продолжает работу Лекторий музея «Собрание».
13 февраля, в четверг – наш традиционный лекционный день, в 18:00 состоится лекция «Эмиль Галле и Рене Лалик: магия стекла».
На лекции вы познакомитесь с работами двух выдающихся новаторов и блистательных мастеров стекольного дела Эмилем Галле и Рене Лаликом. На примерах шедевров из коллекции музея «Собрания» в лекции рассматриваются материалы и технологии производства художественного стекла, изобретенные талантливыми художниками, чьи достижения определили вектор развития стекольного дела.
Зарегистрироваться на лекцию «Эмиль Галле и Рене Лалик: магия стекла», можно на сайте музея, в разделе «Лекторий».
https://mus-col.com/contacts/lectures.php
Продолжает работу Лекторий музея «Собрание».
13 февраля, в четверг – наш традиционный лекционный день, в 18:00 состоится лекция «Эмиль Галле и Рене Лалик: магия стекла».
На лекции вы познакомитесь с работами двух выдающихся новаторов и блистательных мастеров стекольного дела Эмилем Галле и Рене Лаликом. На примерах шедевров из коллекции музея «Собрания» в лекции рассматриваются материалы и технологии производства художественного стекла, изобретенные талантливыми художниками, чьи достижения определили вектор развития стекольного дела.
Зарегистрироваться на лекцию «Эмиль Галле и Рене Лалик: магия стекла», можно на сайте музея, в разделе «Лекторий».
https://mus-col.com/contacts/lectures.php