К 150-летию со дня премьеры оперы «Кармен» в парижской «Опера-Комик»
В марте 1875 года на сцене театра «Опера-Комик» состоялась премьера оперы Жоржа Бизе «Кармен». Однако первое представление завершилось полным провалом: публика не приняла реалистичный сюжет о страсти, свободе и роковой судьбе, а критики обвинили авторов в аморальности. Несмотря на это, судьба «Кармен» сложилась иначе – сегодня это одна из самых исполняемых опер в мире, ставшая символом драматического искусства.
Литературной основой для либретто послужила новелла Проспера Мериме. Композитор и либреттисты Анри Мельяк и Людовик Галеви значительно переработали сюжет, придав персонажам новые черты. Главный герой, дон Хозе, в оригинале был разбойником, а в опере предстал солдатом, разрывающимся между долгом и всепоглощающей страстью. Его возлюбленная, Микаэла, лишь вскользь упомянутая у Мериме, стала в опере одним из ключевых персонажей, символизируя чистоту и преданность. А тореадор Эскамильо, едва заметный в новелле, в опере превратился в яркий, харизматичный образ.
Но главное изменение коснулось самой Кармен. В отличие от Мериме, Бизе изобразил её не просто коварной соблазнительницей, а женщиной, для которой свобода превыше всего. Её насмешливый, прямолинейный характер подчёркивает независимость и бескомпромиссность. Эта новая Кармен стала воплощением бунтарского духа, что особенно выделялось на фоне строгого, патриархального мира Хозе. Их столкновение и привело к трагическому финалу – финалу, который вызвал протест публики «Опера-Комик».
Директор театра Адольф де Левен пытался убедить Бизе изменить концовку, смягчить драматизм и сделать её более приемлемой для зрителей. Однако композитор отказался идти на компромисс. В результате премьера вызвала шквал критики, аристократическая публика возмущалась, залы пустели, а билеты раздавались бесплатно.
Но интерес к опере постепенно рос. Чайковский называл её гениальной, предсказывая, что она станет шедевром через десять лет. Иван Тургенев сравнивал её значимость с «Фаустом» Гуно. После смерти Бизе его друг Эрнест Гиро переработал партитуру, заменив разговорные сцены речитативами. В этой версии «Кармен» в октябре 1875 года с триумфом прозвучала в Вене, а затем покорила театры Брюсселя, Лондона, Нью-Йорка и Санкт-Петербурга.
Постепенно опера стала культовой. Её музыка, полная испанских мотивов, страсти и ритмов, покорила зрителей. Знаменитые арии – «Хабанера» Кармен, куплеты Эскамильо, дуэт Хозе и Микаэлы – стали настоящими шедеврами. Опера вдохновила не только режиссёров, но и композиторов, балетмейстеров, кинематографистов. Она выходила за пределы оперной сцены, появляясь в эстрадных обработках, фильмах и балетных постановках.
Роль Кармен – одна из самых ярких партий для меццо-сопрано, она раскрыла талант таких великих певиц, как Ирина Архипова, Елена Образцова, Галина Вишневская, Тамара Синявская. Каждая исполнительница по-своему трактовала этот образ, но неизменно передавала его главную суть – дух свободы.
Сегодня «Кармен» продолжает вдохновлять зрителей, режиссёров и музыкантов. Её ставят на крупнейших оперных сценах мира, находя новые интерпретации. Музыка Бизе остаётся актуальной, а трагическая история любви Кармен и Хозе волнует сердца поколение за поколением.
Предлагаем вам насладиться самыми известными фрагментами этого бессмертного шедевра.
https://mus-col.com/music-library/groups.php?section=6660
В марте 1875 года на сцене театра «Опера-Комик» состоялась премьера оперы Жоржа Бизе «Кармен». Однако первое представление завершилось полным провалом: публика не приняла реалистичный сюжет о страсти, свободе и роковой судьбе, а критики обвинили авторов в аморальности. Несмотря на это, судьба «Кармен» сложилась иначе – сегодня это одна из самых исполняемых опер в мире, ставшая символом драматического искусства.
Литературной основой для либретто послужила новелла Проспера Мериме. Композитор и либреттисты Анри Мельяк и Людовик Галеви значительно переработали сюжет, придав персонажам новые черты. Главный герой, дон Хозе, в оригинале был разбойником, а в опере предстал солдатом, разрывающимся между долгом и всепоглощающей страстью. Его возлюбленная, Микаэла, лишь вскользь упомянутая у Мериме, стала в опере одним из ключевых персонажей, символизируя чистоту и преданность. А тореадор Эскамильо, едва заметный в новелле, в опере превратился в яркий, харизматичный образ.
Но главное изменение коснулось самой Кармен. В отличие от Мериме, Бизе изобразил её не просто коварной соблазнительницей, а женщиной, для которой свобода превыше всего. Её насмешливый, прямолинейный характер подчёркивает независимость и бескомпромиссность. Эта новая Кармен стала воплощением бунтарского духа, что особенно выделялось на фоне строгого, патриархального мира Хозе. Их столкновение и привело к трагическому финалу – финалу, который вызвал протест публики «Опера-Комик».
Директор театра Адольф де Левен пытался убедить Бизе изменить концовку, смягчить драматизм и сделать её более приемлемой для зрителей. Однако композитор отказался идти на компромисс. В результате премьера вызвала шквал критики, аристократическая публика возмущалась, залы пустели, а билеты раздавались бесплатно.
Но интерес к опере постепенно рос. Чайковский называл её гениальной, предсказывая, что она станет шедевром через десять лет. Иван Тургенев сравнивал её значимость с «Фаустом» Гуно. После смерти Бизе его друг Эрнест Гиро переработал партитуру, заменив разговорные сцены речитативами. В этой версии «Кармен» в октябре 1875 года с триумфом прозвучала в Вене, а затем покорила театры Брюсселя, Лондона, Нью-Йорка и Санкт-Петербурга.
Постепенно опера стала культовой. Её музыка, полная испанских мотивов, страсти и ритмов, покорила зрителей. Знаменитые арии – «Хабанера» Кармен, куплеты Эскамильо, дуэт Хозе и Микаэлы – стали настоящими шедеврами. Опера вдохновила не только режиссёров, но и композиторов, балетмейстеров, кинематографистов. Она выходила за пределы оперной сцены, появляясь в эстрадных обработках, фильмах и балетных постановках.
Роль Кармен – одна из самых ярких партий для меццо-сопрано, она раскрыла талант таких великих певиц, как Ирина Архипова, Елена Образцова, Галина Вишневская, Тамара Синявская. Каждая исполнительница по-своему трактовала этот образ, но неизменно передавала его главную суть – дух свободы.
Сегодня «Кармен» продолжает вдохновлять зрителей, режиссёров и музыкантов. Её ставят на крупнейших оперных сценах мира, находя новые интерпретации. Музыка Бизе остаётся актуальной, а трагическая история любви Кармен и Хозе волнует сердца поколение за поколением.
Предлагаем вам насладиться самыми известными фрагментами этого бессмертного шедевра.
https://mus-col.com/music-library/groups.php?section=6660
Поздравление с весенним праздником от основателя музея «Собрание»
Весна – это не только время года, но и состояние души. Сколько надежд, мечтаний о новых чувствах и эмоциях, новых встречах и открытиях она нам готовит!
Сегодня, в день прекрасного весеннего праздника примите искренние поздравления от основателя музея «Собрание» Давида Якобашвили.
Мой тост, конечно же, за вас!
За чистоту любимых глаз!
За этот День международный
И за характер благородный!
За ваши речи сладострастные
И за мгновения прекрасные!
За дерзновенные фантазии,
За красоты разнообразие!
За чистоту и непосредственность,
За преданность и за ответственность!
За ваш талант и за общительность,
За крутизну и восхитительность!
За чувства страсти и азарта,
За святость дня – 8 марта!
Ваш Давид Якобашвили
Весна – это не только время года, но и состояние души. Сколько надежд, мечтаний о новых чувствах и эмоциях, новых встречах и открытиях она нам готовит!
Сегодня, в день прекрасного весеннего праздника примите искренние поздравления от основателя музея «Собрание» Давида Якобашвили.
Мой тост, конечно же, за вас!
За чистоту любимых глаз!
За этот День международный
И за характер благородный!
За ваши речи сладострастные
И за мгновения прекрасные!
За дерзновенные фантазии,
За красоты разнообразие!
За чистоту и непосредственность,
За преданность и за ответственность!
За ваш талант и за общительность,
За крутизну и восхитительность!
За чувства страсти и азарта,
За святость дня – 8 марта!
Ваш Давид Якобашвили
150 лет Морису Равелю. «Болеро»
7 марта 2025 года исполняется 150 лет со дня рождения Мориса Равеля – выдающегося французского композитора и дирижёра, новатора, одного из крупнейших представителей музыкального импрессионизма. Его творчество оставило заметный след в истории музыки, а утончённый стиль сочетал в себе классические традиции, экспрессию и новаторские идеи.
Творческое наследие Равеля относительно невелико, но каждое его произведение – это совершенный музыкальный мир. Он был настоящим перфекционистом, тщательно продумывал каждую деталь, доводя композиции до идеала. Музыка Равеля уникальна: в ней слышны отголоски импрессионизма, французской барочной традиции, испанских ритмов и даже джаза.
«Болеро» – одно из самых известных произведений Равеля, написанное в 1928 году. Поводом для его создания стало желание танцовщицы Иды Рубинштейн получить балетный номер в испанском стиле. Равель подошёл к задаче нестандартно: он создал не просто танцевальную мелодию, а гипнотическую оркестровую композицию, построенную на монотонном ритме и постепенно нарастающем звучании.
Премьера «Болеро» состоялась 22 ноября 1928 года в парижской Гранд-Опера и имела оглушительный успех. Хореографом постановки выступила Бронислава Нижинская, сценографом – Александр Бенуа. Интересно, что изначально Равель задумывал действие на фоне индустриального пейзажа, где из заводского здания выходят рабочие, а неподалёку разворачивается коррида. Однако Ида Рубинштейн предложила перенести балет в таверну: танцовщица появляется в центре комнаты, начинает свой плавный, завораживающий танец, постепенно привлекая внимание окружающих. В конце все присутствующие оказываются вовлечены в магическое действо.
Музыкальная структура «Болеро» необычна. В основе лежит две простые темы, которые попеременно повторяются на протяжении всей пьесы. Однако каждый повтор звучит в новом инструментальном окрасе – от лёгких, едва слышных оттенков до мощного, разрастающегося звучания всего оркестра. Постепенное добавление тембров создаёт эффект нарастающего напряжения, а финальный аккорд разрывает это музыкальное заклинание. После премьеры весь Париж напевал мотив «Болеро», а музыковеды обсуждали этот оригинальный приём.
Сам Равель сдержанно отзывался о своём произведении, называя его «музыкальным трюком», но очевидно, что это кокетство. За простотой формы скрывается гениальная идея – доказательство того, что музыка может завораживать не сложностью, а постепенным развитием и мастерством инструментовки.
В течение XX века балет неоднократно ставился величайшими хореографами мира. Среди них – Михаил Фокин, Серж Лифарь, Морис Бежар, Алексей Ратманский. «Болеро» – один из немногих балетов, в которых существует и женская, и мужская версии исполнения.
Сейчас этот шедевр входит в репертуар лучших театров мира. Его ритм и мелодия используются в кино, рекламе, и даже в современных аранжировках.
Прослушать «Болеро» Мориса Равеля – музыку, которая не стареет и продолжает покорять сердца слушателей по всему миру, – Вы можете на сайте музея «Собрание»
https://mus-col.com/events/37000/
7 марта 2025 года исполняется 150 лет со дня рождения Мориса Равеля – выдающегося французского композитора и дирижёра, новатора, одного из крупнейших представителей музыкального импрессионизма. Его творчество оставило заметный след в истории музыки, а утончённый стиль сочетал в себе классические традиции, экспрессию и новаторские идеи.
Творческое наследие Равеля относительно невелико, но каждое его произведение – это совершенный музыкальный мир. Он был настоящим перфекционистом, тщательно продумывал каждую деталь, доводя композиции до идеала. Музыка Равеля уникальна: в ней слышны отголоски импрессионизма, французской барочной традиции, испанских ритмов и даже джаза.
«Болеро» – одно из самых известных произведений Равеля, написанное в 1928 году. Поводом для его создания стало желание танцовщицы Иды Рубинштейн получить балетный номер в испанском стиле. Равель подошёл к задаче нестандартно: он создал не просто танцевальную мелодию, а гипнотическую оркестровую композицию, построенную на монотонном ритме и постепенно нарастающем звучании.
Премьера «Болеро» состоялась 22 ноября 1928 года в парижской Гранд-Опера и имела оглушительный успех. Хореографом постановки выступила Бронислава Нижинская, сценографом – Александр Бенуа. Интересно, что изначально Равель задумывал действие на фоне индустриального пейзажа, где из заводского здания выходят рабочие, а неподалёку разворачивается коррида. Однако Ида Рубинштейн предложила перенести балет в таверну: танцовщица появляется в центре комнаты, начинает свой плавный, завораживающий танец, постепенно привлекая внимание окружающих. В конце все присутствующие оказываются вовлечены в магическое действо.
Музыкальная структура «Болеро» необычна. В основе лежит две простые темы, которые попеременно повторяются на протяжении всей пьесы. Однако каждый повтор звучит в новом инструментальном окрасе – от лёгких, едва слышных оттенков до мощного, разрастающегося звучания всего оркестра. Постепенное добавление тембров создаёт эффект нарастающего напряжения, а финальный аккорд разрывает это музыкальное заклинание. После премьеры весь Париж напевал мотив «Болеро», а музыковеды обсуждали этот оригинальный приём.
Сам Равель сдержанно отзывался о своём произведении, называя его «музыкальным трюком», но очевидно, что это кокетство. За простотой формы скрывается гениальная идея – доказательство того, что музыка может завораживать не сложностью, а постепенным развитием и мастерством инструментовки.
В течение XX века балет неоднократно ставился величайшими хореографами мира. Среди них – Михаил Фокин, Серж Лифарь, Морис Бежар, Алексей Ратманский. «Болеро» – один из немногих балетов, в которых существует и женская, и мужская версии исполнения.
Сейчас этот шедевр входит в репертуар лучших театров мира. Его ритм и мелодия используются в кино, рекламе, и даже в современных аранжировках.
Прослушать «Болеро» Мориса Равеля – музыку, которая не стареет и продолжает покорять сердца слушателей по всему миру, – Вы можете на сайте музея «Собрание»
https://mus-col.com/events/37000/
Забытые имена: русский скрипач Дмитрий Цыганов
Дмитрий Михайлович Цыганов (1903–1992) – выдающийся советский скрипач, педагог, основатель и первая скрипка Квартета имени Бетховена, сыгравший значительную роль в развитии камерного исполнительства в СССР.
Родился в Саратове в семье скрипача, с детства обучался музыке. Под руководством отца освоил нотную грамоту и основы игры на скрипке. В девять лет поступил в музыкальные классы при Саратовской консерватории, а затем продолжил обучение в самой консерватории. В 1918 году начал профессиональную карьеру, выступая как солист, ансамблист и оркестрант. В годы Гражданской войны добровольно вступил в Красную армию, был концертмейстером Симфонического оркестра политотдела, играл первую скрипку в квартете. В 1920 году композитор Александр Гречанинов услышал его выступление и посоветовал продолжить обучение в Москве.
В столице Цыганов окончил Московскую консерваторию с золотой медалью, обучаясь у Александра Могилевского и Георгия Катуара. В студенческие годы играл в оркестре Большого театра, что стало важным этапом его становления как музыканта.
В 1923 году стал одним из основателей Квартета имени Бетховена, в котором исполнял партию первой скрипки на протяжении нескольких десятилетий. Ансамбль успешно выступал в СССР и за рубежом, завоевывая признание на международных конкурсах и гастролях. Квартет исполнил более 600 произведений, записал свыше 200 сочинений русской и мировой классики. Особое место в его репертуаре заняли произведения Дмитрия Шостаковича, с которым у ансамбля сложились тесные творческие связи. Композитор посвятил музыкантам несколько своих квартетов, а партии первой скрипки писал, учитывая исполнительские возможности Цыганова.
С 1930 по 1985 год Дмитрий Михайлович преподавал в Московской консерватории, воспитал многих выдающихся скрипачей. В годы Великой Отечественной войны, как и многие советские музыканты, выступал перед солдатами на фронтах. В 1946 году был удостоен Сталинской премии.
Цыганов играл в ансамблях с крупнейшими пианистами своего времени – Генрихом Нейгаузом, Марией Юдиной, Владимиром Софроницким, Эмилем Гилельсом, Святославом Рихтером и другими. Был членом жюри престижных международных конкурсов скрипачей в Брюсселе, Монреале, Генуе, Праге, Бухаресте, Женеве, Мюнхене, Зальцбурге, Познани, Будапеште, Берлине, а также постоянным членом жюри Международного конкурса имени Чайковского.
Автор множества скрипичных транскрипций и обработок, среди которых особенно известны переложения прелюдий Шостаковича. Написал статьи по вопросам скрипичного исполнительства.
Оставил значительный след в истории отечественной музыкальной культуры. Скончался 25 марта 1992 года, похоронен на Ваганьковском кладбище. Музыкальная подборка к его дню рождения размещена в Фонотеке музея «Собрание».
https://mus-col.com/events/33577/
Дмитрий Михайлович Цыганов (1903–1992) – выдающийся советский скрипач, педагог, основатель и первая скрипка Квартета имени Бетховена, сыгравший значительную роль в развитии камерного исполнительства в СССР.
Родился в Саратове в семье скрипача, с детства обучался музыке. Под руководством отца освоил нотную грамоту и основы игры на скрипке. В девять лет поступил в музыкальные классы при Саратовской консерватории, а затем продолжил обучение в самой консерватории. В 1918 году начал профессиональную карьеру, выступая как солист, ансамблист и оркестрант. В годы Гражданской войны добровольно вступил в Красную армию, был концертмейстером Симфонического оркестра политотдела, играл первую скрипку в квартете. В 1920 году композитор Александр Гречанинов услышал его выступление и посоветовал продолжить обучение в Москве.
В столице Цыганов окончил Московскую консерваторию с золотой медалью, обучаясь у Александра Могилевского и Георгия Катуара. В студенческие годы играл в оркестре Большого театра, что стало важным этапом его становления как музыканта.
В 1923 году стал одним из основателей Квартета имени Бетховена, в котором исполнял партию первой скрипки на протяжении нескольких десятилетий. Ансамбль успешно выступал в СССР и за рубежом, завоевывая признание на международных конкурсах и гастролях. Квартет исполнил более 600 произведений, записал свыше 200 сочинений русской и мировой классики. Особое место в его репертуаре заняли произведения Дмитрия Шостаковича, с которым у ансамбля сложились тесные творческие связи. Композитор посвятил музыкантам несколько своих квартетов, а партии первой скрипки писал, учитывая исполнительские возможности Цыганова.
С 1930 по 1985 год Дмитрий Михайлович преподавал в Московской консерватории, воспитал многих выдающихся скрипачей. В годы Великой Отечественной войны, как и многие советские музыканты, выступал перед солдатами на фронтах. В 1946 году был удостоен Сталинской премии.
Цыганов играл в ансамблях с крупнейшими пианистами своего времени – Генрихом Нейгаузом, Марией Юдиной, Владимиром Софроницким, Эмилем Гилельсом, Святославом Рихтером и другими. Был членом жюри престижных международных конкурсов скрипачей в Брюсселе, Монреале, Генуе, Праге, Бухаресте, Женеве, Мюнхене, Зальцбурге, Познани, Будапеште, Берлине, а также постоянным членом жюри Международного конкурса имени Чайковского.
Автор множества скрипичных транскрипций и обработок, среди которых особенно известны переложения прелюдий Шостаковича. Написал статьи по вопросам скрипичного исполнительства.
Оставил значительный след в истории отечественной музыкальной культуры. Скончался 25 марта 1992 года, похоронен на Ваганьковском кладбище. Музыкальная подборка к его дню рождения размещена в Фонотеке музея «Собрание».
https://mus-col.com/events/33577/
Выставка «Почерк времени»: фотопечать на открытках
Музей «Собрание» приглашает познакомиться с историей открыток и их художественным оформлением. В коллекции музея представлены тысячи экземпляров, охватывающих различные темы: городские улицы и архитектурные памятники, портреты знаменитых артистов, танцовщиц, певцов, писателей, а также бытовые сцены и театральные декорации, созданные выдающимися художниками.
Открытки – это не просто изображения, а свидетельства ушедшей эпохи. Они хранят тепло человеческих рук, эмоции отправителей и получателей, которые жили десятилетия назад. Их строки, написанные чернилами, карандашами или шариковыми ручками, создают уникальную связь между прошлым и настоящим.
История почтовых открыток началась в XIX веке. Первую официальную «карточку для корреспонденции» выпустили в 1869 году в Австро-Венгрии. В России первые немаркированные открытки появились 26 марта 1872 года под названием «Открытое письмо». Они выглядели как бланки с инструкцией по оплате и написанию текста. Долгое время выпуск открыток контролировало почтовое ведомство, не допуская изображений. Только с 1895 года, после разрешения Министерства внутренних дел России, частные издатели начали создавать иллюстрированные открытки, что открыло новую главу в их истории.
На рубеже XIX–XX веков открытки переживали пик популярности. Они стали тематическими, позволяя отправителям подбирать изображения к различным случаям. Использовались не только для переписки, но и для агитации, благотворительных акций. Распространение грамотности и доступность образования способствовали их широкому распространению, особенно в городах.
Важнейшую роль в развитии почтовых карточек сыграли технологии печати. Одним из самых качественных методов тиражирования изображений была фототипия – фотомеханический процесс, разработанный в 1855 году французским химиком Альфонсом Пуатвеном. Этот способ позволял воспроизводить изображения с высокой детализацией и тональными переходами. Фототипия использовалась для печати репродукций картин, гравюр, фотографий, а также почтовых открыток.
Основное преимущество фототипии заключалось в её способности точно передавать текстуры, оттенки света и тени. Этот метод позволял тиражировать фотографии в больших количествах с минимальными затратами по сравнению с ручными способами печати. В России крупными издательствами, использовавшими фототипию, были «Фототипия Шерер, Набгольц и Ко.», «Типография и художественная фототипия А.Ф. Дресслера» и другие.
Первые фототипийные открытки были черно-белыми или монохромными, часто выполненными в голубоватых тонах. Однако спрос на цветные изображения заставил издателей искать способы «раскрашивания» карточек. На лицевой стороне таких открыток указывались сюжетные названия, номера серий, имена издателей, а стиль оформления мог отличаться в зависимости от типографии, что позволяло коллекционерам легко узнавать работы того или иного мастера.
Хотя со временем фототипия уступила место более технологичным методам печати, она оставила значительный след в истории полиграфии. С распространением офсетной печати фототипия вышла из массового производства и использовалась в основном для факсимильного воспроизведения произведений искусства.
Выставка «Почерк времени» посвящена не только открыткам, но и русской эпистолярной культуре конца XIX – начала XX века. В рамках экспозиции представлены редкие серии открыток ведущих типографий и фотоателье, а также кабинетные аксессуары – от перьевых ручек и чернильниц до марочниц и визитниц. Многие из этих предметов были изготовлены знаменитыми ювелирными домами, такими как Фаберже, Грачёвы, Буре, Сазиков, Хлебников и другие.
Выставка расположена на двух уровнях музея: камерная экспозиция – на минус первом этаже, а основная часть – на третьем этаже. Посетители смогут не только увидеть уникальные экспонаты, но и принять участие в экскурсионной программе, раскрывающей тайны почтовой корреспонденции и культуры письма прошлого столетия.
Записаться на экскурсию можно на сайте музея в разделе «Контакты». Продолжительность программы – 1 час.
https://mus-col.com/events/369
Музей «Собрание» приглашает познакомиться с историей открыток и их художественным оформлением. В коллекции музея представлены тысячи экземпляров, охватывающих различные темы: городские улицы и архитектурные памятники, портреты знаменитых артистов, танцовщиц, певцов, писателей, а также бытовые сцены и театральные декорации, созданные выдающимися художниками.
Открытки – это не просто изображения, а свидетельства ушедшей эпохи. Они хранят тепло человеческих рук, эмоции отправителей и получателей, которые жили десятилетия назад. Их строки, написанные чернилами, карандашами или шариковыми ручками, создают уникальную связь между прошлым и настоящим.
История почтовых открыток началась в XIX веке. Первую официальную «карточку для корреспонденции» выпустили в 1869 году в Австро-Венгрии. В России первые немаркированные открытки появились 26 марта 1872 года под названием «Открытое письмо». Они выглядели как бланки с инструкцией по оплате и написанию текста. Долгое время выпуск открыток контролировало почтовое ведомство, не допуская изображений. Только с 1895 года, после разрешения Министерства внутренних дел России, частные издатели начали создавать иллюстрированные открытки, что открыло новую главу в их истории.
На рубеже XIX–XX веков открытки переживали пик популярности. Они стали тематическими, позволяя отправителям подбирать изображения к различным случаям. Использовались не только для переписки, но и для агитации, благотворительных акций. Распространение грамотности и доступность образования способствовали их широкому распространению, особенно в городах.
Важнейшую роль в развитии почтовых карточек сыграли технологии печати. Одним из самых качественных методов тиражирования изображений была фототипия – фотомеханический процесс, разработанный в 1855 году французским химиком Альфонсом Пуатвеном. Этот способ позволял воспроизводить изображения с высокой детализацией и тональными переходами. Фототипия использовалась для печати репродукций картин, гравюр, фотографий, а также почтовых открыток.
Основное преимущество фототипии заключалось в её способности точно передавать текстуры, оттенки света и тени. Этот метод позволял тиражировать фотографии в больших количествах с минимальными затратами по сравнению с ручными способами печати. В России крупными издательствами, использовавшими фототипию, были «Фототипия Шерер, Набгольц и Ко.», «Типография и художественная фототипия А.Ф. Дресслера» и другие.
Первые фототипийные открытки были черно-белыми или монохромными, часто выполненными в голубоватых тонах. Однако спрос на цветные изображения заставил издателей искать способы «раскрашивания» карточек. На лицевой стороне таких открыток указывались сюжетные названия, номера серий, имена издателей, а стиль оформления мог отличаться в зависимости от типографии, что позволяло коллекционерам легко узнавать работы того или иного мастера.
Хотя со временем фототипия уступила место более технологичным методам печати, она оставила значительный след в истории полиграфии. С распространением офсетной печати фототипия вышла из массового производства и использовалась в основном для факсимильного воспроизведения произведений искусства.
Выставка «Почерк времени» посвящена не только открыткам, но и русской эпистолярной культуре конца XIX – начала XX века. В рамках экспозиции представлены редкие серии открыток ведущих типографий и фотоателье, а также кабинетные аксессуары – от перьевых ручек и чернильниц до марочниц и визитниц. Многие из этих предметов были изготовлены знаменитыми ювелирными домами, такими как Фаберже, Грачёвы, Буре, Сазиков, Хлебников и другие.
Выставка расположена на двух уровнях музея: камерная экспозиция – на минус первом этаже, а основная часть – на третьем этаже. Посетители смогут не только увидеть уникальные экспонаты, но и принять участие в экскурсионной программе, раскрывающей тайны почтовой корреспонденции и культуры письма прошлого столетия.
Записаться на экскурсию можно на сайте музея в разделе «Контакты». Продолжительность программы – 1 час.
https://mus-col.com/events/369
Лекция «Николай Рерих и Мария Тенишева: грани содружества»
Продолжает работу Лекторий музея «Собрание».
20 марта, в четверг – наш традиционный лекционный день, в 18:00 состоится лекция «Николай Рерих и Мария Тенишева: грани содружества».
В ходе лекции Ирина Кеня – историк-исследователь, директор музея брянских меценатов, основательница Тенишевского клуба, автор двадцати книг по истории российской благотворительности и её персоналиям и более ста научных статей, познакомит слушателей с историей дружбы двух знаковых личностей российской истории и культуры – Николая Рериха и Марии Тенишевой, и их плодотворного сотрудничества, направленного на сохранение и возрождение русского национального искусства.
Записаться на лекцию можно на сайте музея в разделе «Лекторий».
Обращаем Ваше внимание, что посещение лекции с детьми младше 7 лет не рекомендовано. На каждого посетителя оформляется отдельная заявка.
Продолжительность лекции 60 минут
Возрастное ограничение 7+
Продолжает работу Лекторий музея «Собрание».
20 марта, в четверг – наш традиционный лекционный день, в 18:00 состоится лекция «Николай Рерих и Мария Тенишева: грани содружества».
В ходе лекции Ирина Кеня – историк-исследователь, директор музея брянских меценатов, основательница Тенишевского клуба, автор двадцати книг по истории российской благотворительности и её персоналиям и более ста научных статей, познакомит слушателей с историей дружбы двух знаковых личностей российской истории и культуры – Николая Рериха и Марии Тенишевой, и их плодотворного сотрудничества, направленного на сохранение и возрождение русского национального искусства.
Записаться на лекцию можно на сайте музея в разделе «Лекторий».
Обращаем Ваше внимание, что посещение лекции с детьми младше 7 лет не рекомендовано. На каждого посетителя оформляется отдельная заявка.
Продолжительность лекции 60 минут
Возрастное ограничение 7+
Сложные термины простым языком: рокайль
Рокайль – это декоративный элемент или орнаментальный мотив в архитектуре, который выглядит как стилизованная раковина или камешек. Иногда так называют стиль рококо.
Слово «рокайль» происходит от французского rocaille, что переводится как «обломок камня, щебень, осколок раковины». От него же образовалось название «рококо».
Орнаменты в виде раковин наиболее характерны для рококо – стиля, который был популярен в Европе в первой половине XVIII века. Он возник во Франции и особенно ярко проявился в живописи и декоративно-прикладном искусстве. Рококо отражало настроения аристократии перед Великой французской революцией: оно было романтическим, игривым, театрализованным. Авторы Большой российской энциклопедии отмечают, что рококо отличалось «легкостью, шутливостью и элегантностью фривольного толка, тяготением к камерности и интимности».
Впервые слово «рокайль» использовал ювелир и рисовальщик-орнаменталист Жан Мондон, сын в 1736 году. Он выпустил альбом гравюр «Первая книга форм рокайль и картель». Картелями называли узор, который напоминал рулон бумаги с надорванным краем. Ученые считают, что рокайлем раньше также могли называть любой выпуклый рисунок.
Во второй половине XVIII века это слово часто употребляли в ироническом смысле как синоним слова «обезьянничанье». Такие примеры можно встретить в текстах философа эпохи Просвещения Жан-Жака Руссо, который негативно относился к стилистическим тенденциям начала столетия.
Ученые связывают возникновение узоров и декора в виде раковин с павильонами с морскими мотивами, популярными в предыдущую эпоху барокко. Их стилизовали под царство древнеримского бога воды Нептуна, а стены украшали лепниной в виде раковин – символов божества.
Рокайли отличались от похожих элементов периода Возрождения тем, что по форме напоминали сложный завиток и не были симметричными. Исследователи отмечали, что важным свойством этих элементов была их атектоничность – несвязанность с функциональными частями здания, декоративность. Рокайли встречались только как украшения.
В России рокайли активно использовали во время позднего елизаветинского барокко, примерно в 1750-е годы. Этим элементом декорировали здания зодчие Франческо Бартоломео Растрелли, Дмитрий Ухтомский, Савва Чевакинский. Также рокайли украшают Екатерининский дворец в Царском Селе, над которым работал Растрелли. Во дворце ракушки встречаются, например, в позолоченном оформлении зеркал.
Тематический альбом с фотографиями предметов коллекции музея «Собрание», в декоре которых присутствуют рокайльные элементы, размещен в нашей Фотогалерее.
На обложке: Несессер для шитья. Германия, Аугсбург. Середина XVIII века
https://mus-col.com/events/37056/
Рокайль – это декоративный элемент или орнаментальный мотив в архитектуре, который выглядит как стилизованная раковина или камешек. Иногда так называют стиль рококо.
Слово «рокайль» происходит от французского rocaille, что переводится как «обломок камня, щебень, осколок раковины». От него же образовалось название «рококо».
Орнаменты в виде раковин наиболее характерны для рококо – стиля, который был популярен в Европе в первой половине XVIII века. Он возник во Франции и особенно ярко проявился в живописи и декоративно-прикладном искусстве. Рококо отражало настроения аристократии перед Великой французской революцией: оно было романтическим, игривым, театрализованным. Авторы Большой российской энциклопедии отмечают, что рококо отличалось «легкостью, шутливостью и элегантностью фривольного толка, тяготением к камерности и интимности».
Впервые слово «рокайль» использовал ювелир и рисовальщик-орнаменталист Жан Мондон, сын в 1736 году. Он выпустил альбом гравюр «Первая книга форм рокайль и картель». Картелями называли узор, который напоминал рулон бумаги с надорванным краем. Ученые считают, что рокайлем раньше также могли называть любой выпуклый рисунок.
Во второй половине XVIII века это слово часто употребляли в ироническом смысле как синоним слова «обезьянничанье». Такие примеры можно встретить в текстах философа эпохи Просвещения Жан-Жака Руссо, который негативно относился к стилистическим тенденциям начала столетия.
Ученые связывают возникновение узоров и декора в виде раковин с павильонами с морскими мотивами, популярными в предыдущую эпоху барокко. Их стилизовали под царство древнеримского бога воды Нептуна, а стены украшали лепниной в виде раковин – символов божества.
Рокайли отличались от похожих элементов периода Возрождения тем, что по форме напоминали сложный завиток и не были симметричными. Исследователи отмечали, что важным свойством этих элементов была их атектоничность – несвязанность с функциональными частями здания, декоративность. Рокайли встречались только как украшения.
В России рокайли активно использовали во время позднего елизаветинского барокко, примерно в 1750-е годы. Этим элементом декорировали здания зодчие Франческо Бартоломео Растрелли, Дмитрий Ухтомский, Савва Чевакинский. Также рокайли украшают Екатерининский дворец в Царском Селе, над которым работал Растрелли. Во дворце ракушки встречаются, например, в позолоченном оформлении зеркал.
Тематический альбом с фотографиями предметов коллекции музея «Собрание», в декоре которых присутствуют рокайльные элементы, размещен в нашей Фотогалерее.
На обложке: Несессер для шитья. Германия, Аугсбург. Середина XVIII века
https://mus-col.com/events/37056/