Аквамарин – камень талисман марта
Март – месяц, когда природа пробуждается, а небо становится особенно прозрачным и глубоким, напоминая чистый оттенок аквамарина. Этот самоцвет, чьё название происходит от латинского aqua marina – «морская вода», с древности считается камнем моряков и путешественников, покровителем любви и дружбы, а также защитником от тревог и неверных решений.
Согласно одной из легенд, аквамарин был найден моряками в сундуке русалки, и с тех пор этот камень стал их талисманом. Другая красивая история связывает его с любовью: прозрачные голубые самоцветы – это застывшие слёзы девушки, потерявшей любимого.
Одним из первых, кто подробно описал аквамарин, был Плиний Старший – древнеримский учёный, известный своей естественной историей. Он отмечал, что лучшие образцы бериллов (к которым относится аквамарин) должны напоминать оттенок морской воды.
Аквамарин сопровождает человечество уже несколько тысяч лет. В Древнем Шумере он считался символом богов, в Греции и Риме служил амулетом моряков, а в Китае из него изготавливали линзы для оптических приборов. В средневековье ему приписывали способность нейтрализовать яд, а сегодня он ассоциируется с гармонией, душевным спокойствием и крепкими чувствами.
Аквамарин – это ювелирная разновидность берилла, отличающаяся оттенками от небесно-голубого до зеленовато-синего. Его уникальные характеристики: крупные кристаллы (иногда достигают десятков килограммов), сочетание твёрдости и хрупкости, двухцветность – при изменении угла зрения оттенок может меняться.
Крупнейшие месторождения расположены в Бразилии, России (на Урале и в Забайкалье) и на Мадагаскаре. Бразилия остаётся мировым лидером по добыче аквамаринов – именно там был найден рекордный кристалл весом 105 кг, из которого получили 220 тысяч карат ювелирного материала.
Считается, что аквамарин помогает принимать правильные решения, оберегая от эмоциональных крайностей, укреплять любовь и дружбу, сохраняя гармонию в отношениях, снимать стресс и бороться с депрессией.
В Древнем Риме его использовали для лечения заболеваний печени и горла, а в современной литотерапии он помогает в борьбе с вредными привычками.
Этот камень не теряет популярности в ювелирном искусстве. Мужчины предпочитают запонки, зажимы для галстука и перстни с аквамарином, а для женщин создаются серьги, кольца, браслеты и кулоны. Помимо украшений, из него изготавливают фигурки морских животных – символов его водной природы.
Открыть красоту аквамарина ближе можно в нашей фотогалерее:
🔗 Тематический альбом «Аквамарин – один из камней талисманов марта»
Март – месяц, когда природа пробуждается, а небо становится особенно прозрачным и глубоким, напоминая чистый оттенок аквамарина. Этот самоцвет, чьё название происходит от латинского aqua marina – «морская вода», с древности считается камнем моряков и путешественников, покровителем любви и дружбы, а также защитником от тревог и неверных решений.
Согласно одной из легенд, аквамарин был найден моряками в сундуке русалки, и с тех пор этот камень стал их талисманом. Другая красивая история связывает его с любовью: прозрачные голубые самоцветы – это застывшие слёзы девушки, потерявшей любимого.
Одним из первых, кто подробно описал аквамарин, был Плиний Старший – древнеримский учёный, известный своей естественной историей. Он отмечал, что лучшие образцы бериллов (к которым относится аквамарин) должны напоминать оттенок морской воды.
Аквамарин сопровождает человечество уже несколько тысяч лет. В Древнем Шумере он считался символом богов, в Греции и Риме служил амулетом моряков, а в Китае из него изготавливали линзы для оптических приборов. В средневековье ему приписывали способность нейтрализовать яд, а сегодня он ассоциируется с гармонией, душевным спокойствием и крепкими чувствами.
Аквамарин – это ювелирная разновидность берилла, отличающаяся оттенками от небесно-голубого до зеленовато-синего. Его уникальные характеристики: крупные кристаллы (иногда достигают десятков килограммов), сочетание твёрдости и хрупкости, двухцветность – при изменении угла зрения оттенок может меняться.
Крупнейшие месторождения расположены в Бразилии, России (на Урале и в Забайкалье) и на Мадагаскаре. Бразилия остаётся мировым лидером по добыче аквамаринов – именно там был найден рекордный кристалл весом 105 кг, из которого получили 220 тысяч карат ювелирного материала.
Считается, что аквамарин помогает принимать правильные решения, оберегая от эмоциональных крайностей, укреплять любовь и дружбу, сохраняя гармонию в отношениях, снимать стресс и бороться с депрессией.
В Древнем Риме его использовали для лечения заболеваний печени и горла, а в современной литотерапии он помогает в борьбе с вредными привычками.
Этот камень не теряет популярности в ювелирном искусстве. Мужчины предпочитают запонки, зажимы для галстука и перстни с аквамарином, а для женщин создаются серьги, кольца, браслеты и кулоны. Помимо украшений, из него изготавливают фигурки морских животных – символов его водной природы.
Открыть красоту аквамарина ближе можно в нашей фотогалерее:
🔗 Тематический альбом «Аквамарин – один из камней талисманов марта»
Экспонат в деталях. Музыкальный автоматон «Чаепитие кошек»
В нашем очередном выпуске рубрики «Экспонат в деталях» мы расскажем об экспонате из раздела «Автоматоны» – «Чаепитие кошек», который был создан во Франции около 1892 года.
Музыкальный автоматон в виде фигурок пяти кошечек, сидящих на табуретах за круглым столом, установлен на деревянной подставке. У кошек, обклеенных белым мехом, подвижные головы, рты, лапы и хвосты. На столе, покрытом скатертью из синего бархата, расположены чайные приборы с голубой каемкой и геометрическим узором по центру белого поля.
Управляющий кулачковый механизм и музыкальный механизм с программным валиком, стальной звуковой гребенкой и ручным приводом размещены в подставке, с приводной рукояткой на передней панели.
При вращении рукоятки кошечки имитируют чаепитие и оживленную беседу: их головки поворачиваются из стороны в сторону, наклоняются и поднимаются, левые лапки жестикулируют, правые лапки с чашками или чайником двигаются, рты открываются и закрываются, двигаются хвосты.
Во время всего действия звучит мелодия песни «Daisy Bell» («Bicycle Built for Two», «Велосипед, созданный для двоих») британского поэта и композитора Гарри Дейкра (Harry Dacre, 06.09.1857–1922гг.), написанной в 1892 году.
Композиционное решение автоматона, предположительно, имеет в основе сюжет с изображением антропоморфных кошек «Кошачье чаепитие» (The Cats Tea party), выполненным одним из самых известных детских иллюстраторов, художником и страстным любителем животных Харрисон Уэйром (Harrison Weir, 05.05.1824–03.01.1906) в 1871 году.
13 июля 1871 года Харрисон Уэйр организовал в знаменитом Хрустальном Дворце (Crystal Palace) в Лондоне первую выставку кошек, имевшую успех, тем более неожиданный, учитывая, что в викторианскую эпоху британцы не жаловали кошек, считая их истребителями грызунов, но не достойными быть, в отличие от собак, домашними питомцами. После выставки кошки переместись с улиц в аристократические дома, получили нужный уход, заботу и любовь, а Харрисон Уейра стали называть отцом особой культуры любви к кошкам, распространившейся по всему миру, «The Father of the Cat Fancy». Уэйр разработал концепцию выставки и ее регламент, а также определил стандарты пород, ввел градацию по окрасам и длине шерсти. На выставке демонстрировались 170 кошек 25 различных пород. Именно на этой выставке произошло знакомство Европы с загадочными сиамскими кошками (по некоторым сведениями сиамских кошек завезли в Англию в 1884 году). В 1889 году Харрисон Уэйр написал книгу «Сats and All About Them».
https://mus-col.com/events/37066/
В нашем очередном выпуске рубрики «Экспонат в деталях» мы расскажем об экспонате из раздела «Автоматоны» – «Чаепитие кошек», который был создан во Франции около 1892 года.
Музыкальный автоматон в виде фигурок пяти кошечек, сидящих на табуретах за круглым столом, установлен на деревянной подставке. У кошек, обклеенных белым мехом, подвижные головы, рты, лапы и хвосты. На столе, покрытом скатертью из синего бархата, расположены чайные приборы с голубой каемкой и геометрическим узором по центру белого поля.
Управляющий кулачковый механизм и музыкальный механизм с программным валиком, стальной звуковой гребенкой и ручным приводом размещены в подставке, с приводной рукояткой на передней панели.
При вращении рукоятки кошечки имитируют чаепитие и оживленную беседу: их головки поворачиваются из стороны в сторону, наклоняются и поднимаются, левые лапки жестикулируют, правые лапки с чашками или чайником двигаются, рты открываются и закрываются, двигаются хвосты.
Во время всего действия звучит мелодия песни «Daisy Bell» («Bicycle Built for Two», «Велосипед, созданный для двоих») британского поэта и композитора Гарри Дейкра (Harry Dacre, 06.09.1857–1922гг.), написанной в 1892 году.
Композиционное решение автоматона, предположительно, имеет в основе сюжет с изображением антропоморфных кошек «Кошачье чаепитие» (The Cats Tea party), выполненным одним из самых известных детских иллюстраторов, художником и страстным любителем животных Харрисон Уэйром (Harrison Weir, 05.05.1824–03.01.1906) в 1871 году.
13 июля 1871 года Харрисон Уэйр организовал в знаменитом Хрустальном Дворце (Crystal Palace) в Лондоне первую выставку кошек, имевшую успех, тем более неожиданный, учитывая, что в викторианскую эпоху британцы не жаловали кошек, считая их истребителями грызунов, но не достойными быть, в отличие от собак, домашними питомцами. После выставки кошки переместись с улиц в аристократические дома, получили нужный уход, заботу и любовь, а Харрисон Уейра стали называть отцом особой культуры любви к кошкам, распространившейся по всему миру, «The Father of the Cat Fancy». Уэйр разработал концепцию выставки и ее регламент, а также определил стандарты пород, ввел градацию по окрасам и длине шерсти. На выставке демонстрировались 170 кошек 25 различных пород. Именно на этой выставке произошло знакомство Европы с загадочными сиамскими кошками (по некоторым сведениями сиамских кошек завезли в Англию в 1884 году). В 1889 году Харрисон Уэйр написал книгу «Сats and All About Them».
https://mus-col.com/events/37066/
Цветы и цветочные композиции в разделе коллекции «Декоративно прикладное искусство»
Солнечные мартовские дни весеннего равноденствия символизируют приход весны, обновление природы и пробуждение жизни после зимнего сна. А весенние цветы являются уверенными вестниками грядущей смены времени года.
Фотоальбом с изображениями весенних цветов из разделов коллекции «Художественное стекло» и «Изделия из камня», размещенный в Фотогалерее музея, поможет в деталях рассмотреть неувядающую красоту этих рукотворных шедевр
С незапамятных времен человек ценил радующую глаз красоту этих дивных творений природы и, мечтая сохранить их ускользающее очарование, включил цветы в контекст культуры и искусства.
Цветы всегда связывали с высшими силами, они считались символом силы или воли богов и богинь, служили приношением во время религиозных обрядов.
Цветы вдохновляют художников, поэтов, архитекторов, композиторов на создание великих произведений. Цветы и букеты, цветочные и растительные орнаменты отливали в бронзе, гипсе, стекле, вырезали из дерева, мрамора или драгоценных камней.
Цветы – это красота, которая не оставит никого равнодушным. Они дарят светлые и яркие чувства, радуют глаз, исцеляют душу. К сожалению, как и многие другие прекрасные природные явления, цветы недолговечны, их красота быстро увядает.
Цветы любого цвета и формы можно вырезать и из камня. Для настоящего мастера «дело чести» создать цветок «как живой» – с листочками, прожилками, тычинками. Данила мастер из знаменитого уральского сказа Павла Бажова «Хозяйка медной горы» (сборник «Малахитовая шкатулка», 1936), пытался сделать свою работу по образу дурмана-цветка. Известно, что знаменитый Карл Фаберже, один из преданных ценителей русских самоцветов, создавая серию работ «Одинокие цветки в вазе», помещал «цветы» в прозрачную вазу с «водой», а «воду» делал из горного хрусталя.
Говоря о современном камнерезном искусстве нельзя обойти вниманием удивительный немецкий городок Идар-Оберштайн. Он входит, в так называемую немецкую дорогу драгоценных камней, основанную в 1974 году. Существует гипотеза, будто бы впервые камнерезное искусство зародилось в этом немецком городе в 50 году до нашей эры, когда это место посетил Юлий Цезарь. Однако в 1609 году «отцы города» постановили: «никакой чужеземец не может присоединиться к камнерезному искусству в Идар-Оберштайне, а навыки должны передаваться из поколения в поколение». Поэтому официально считается, что искусство резьбы по камню зародилось здесь, и начало активно развиваться в начале XVII столетия.
На протяжении веков основным занятием жителей этих мест была добыча, шлифовка и огранка драгоценных, полудрагоценных и поделочных камней. И в наше время Идар-Оберштайн называют «городом драгоценностей и ювелиров».
В коллекции «Музея Собрания» представлены работы самобытных мастеров – Пауля Дрейера, Манфреда Вильда, Луиса Альберто Куиспе Апарисио, Эберхарда Бэнка, Карла Фаберже, Эмиля Галле и других.
https://mus-col.com/events/24006/
Солнечные мартовские дни весеннего равноденствия символизируют приход весны, обновление природы и пробуждение жизни после зимнего сна. А весенние цветы являются уверенными вестниками грядущей смены времени года.
Фотоальбом с изображениями весенних цветов из разделов коллекции «Художественное стекло» и «Изделия из камня», размещенный в Фотогалерее музея, поможет в деталях рассмотреть неувядающую красоту этих рукотворных шедевр
С незапамятных времен человек ценил радующую глаз красоту этих дивных творений природы и, мечтая сохранить их ускользающее очарование, включил цветы в контекст культуры и искусства.
Цветы всегда связывали с высшими силами, они считались символом силы или воли богов и богинь, служили приношением во время религиозных обрядов.
Цветы вдохновляют художников, поэтов, архитекторов, композиторов на создание великих произведений. Цветы и букеты, цветочные и растительные орнаменты отливали в бронзе, гипсе, стекле, вырезали из дерева, мрамора или драгоценных камней.
Цветы – это красота, которая не оставит никого равнодушным. Они дарят светлые и яркие чувства, радуют глаз, исцеляют душу. К сожалению, как и многие другие прекрасные природные явления, цветы недолговечны, их красота быстро увядает.
Цветы любого цвета и формы можно вырезать и из камня. Для настоящего мастера «дело чести» создать цветок «как живой» – с листочками, прожилками, тычинками. Данила мастер из знаменитого уральского сказа Павла Бажова «Хозяйка медной горы» (сборник «Малахитовая шкатулка», 1936), пытался сделать свою работу по образу дурмана-цветка. Известно, что знаменитый Карл Фаберже, один из преданных ценителей русских самоцветов, создавая серию работ «Одинокие цветки в вазе», помещал «цветы» в прозрачную вазу с «водой», а «воду» делал из горного хрусталя.
Говоря о современном камнерезном искусстве нельзя обойти вниманием удивительный немецкий городок Идар-Оберштайн. Он входит, в так называемую немецкую дорогу драгоценных камней, основанную в 1974 году. Существует гипотеза, будто бы впервые камнерезное искусство зародилось в этом немецком городе в 50 году до нашей эры, когда это место посетил Юлий Цезарь. Однако в 1609 году «отцы города» постановили: «никакой чужеземец не может присоединиться к камнерезному искусству в Идар-Оберштайне, а навыки должны передаваться из поколения в поколение». Поэтому официально считается, что искусство резьбы по камню зародилось здесь, и начало активно развиваться в начале XVII столетия.
На протяжении веков основным занятием жителей этих мест была добыча, шлифовка и огранка драгоценных, полудрагоценных и поделочных камней. И в наше время Идар-Оберштайн называют «городом драгоценностей и ювелиров».
В коллекции «Музея Собрания» представлены работы самобытных мастеров – Пауля Дрейера, Манфреда Вильда, Луиса Альберто Куиспе Апарисио, Эберхарда Бэнка, Карла Фаберже, Эмиля Галле и других.
https://mus-col.com/events/24006/
Музыкальная подборка к 125-летнему юбилею Ивана Козловского
В этом году исполняется 125 лет со дня рождения выдающегося оперного певца Ивана Семеновича Козловского(1900–1993) . Его творчество представляет целую эпоху в отечественном оперном искусстве. Козловский является продолжателем и хранителем лучших исполнительских традиций, идущих от Леонида Собинова, Антонины Неждановой, Фёдора Шаляпина. В утвержденной Министерством культуры программе юбилея певца – более 30 событий по разным направлениям: концерты, конкурсы, выставочные проекты, телевизионные программы, показы документальных фильмов.
Активное участие в наполнении плана принимали Государственный академический Большой театр России, Московская государственная консерватория имени Петра Ильича Чайковского, Российский национальный музей музыки, Департамент культуры Москвы и телеканал «Россия-Культура».
Козловский был совершенно уникальной, удивительной фигурой в культурном пространстве своего времени. Он был обладателем потрясающего голоса – за высокий (лирический) тенор очень красивого тембра его часто называли «русским соловьём» и «чародеем оперы». В репертуаре Ивана Семеновича насчитывалось около 50 оперных партий: Ленский, Фауст, Лоэнгрин, Царь Берендей, Герцог, Юродивый, Трике – разноплановые роли, которые были объединены его необычным, пронзающим голосом – до ре-бемоля третьей октавы, как у контратенора, самого высокого мужского голоса.
С 1926 года Иван Козловский жил в Москве и пел в Большом театре. В 1938 году певец создал Государственный ансамбль оперы СССР — коллектив, который популяризировал классическую музыку.
Власти были благосклонны к Козловскому – его даже называли любимым певцом Сталина, который слушал Козловского не только в Большом театре. Иногда тенора привозили в Кремль ночью и он пел специально для Сталина. Карьера оперного певца в Большом театре продолжалась 28 лет. За это время Козловский исполнил более полусотни партий из знаменитых опер. В 1954 году певец, к огромному сожалению многотысячной армии своих поклонниц, внезапно решил уйти из театра. Он оставался в прекрасной форме, продолжал петь, и для многих это решение стало полной неожиданностью. После ухода из Большого театра музыку певец не оставил. Он стал много гастролировать с концертами. Включал в свой репертуар народные песни. Козловский стал первым исполнителем романса «Я встретил вас», который написал на стихи Фёдора Тютчева композитор Леонид Малашкин. Однажды певец зашёл в один из букинистических магазинов и увидел сборник старинных партитур, в котором и были напечатаны слова романса. Впоследствии с легкой руки Ивана Козловского романс «Я встретил вас» с удовольствием стали исполнять и другие вокалисты.
Музыковеды считают, что голос Ивана Козловского нельзя назвать мощным, но у него были другие преимущества – свободное извлечение звука, умение концентрировать его, эластичность дыхания, особая легкость в верхнем регистре. Важной для певца была и безупречная дикция. Причем с годами его искусство только совершенствовалось. Все это давало Ивану Семеновичу возможность петь под аккомпанемент любого оркестра или с любым ансамблем. Например, Козловский неоднократно выступал вместе с созданным в 1936 году государственным джаз-оркестром СССР под управлением Виктора Кнушевицкого.
Иван Семёнович Козловский «больше всего на свете любил музыку, и ради этой страсти готов был жертвовать всем», – вспоминала его дочь Анастасия. «Бог наградил его уникальными вокальными данными. И отец свято берёг этот божий дар, стараясь не растратить понапрасну, не повредить, как будто бы нёс за него огромную ответственность перед Богом и людьми. Это был мучительный труд – сохранить голос до старости. И ему это удалось». Козловскому также удалось стать легендой и символом русской вокальной школы XX века.
Козловский давал концерты до 87 лет. В последние годы жизни артист писал мемуары. В 1992 году он опубликовал книгу воспоминаний «Музыка — радость и боль моя».
К юбилею певца мы оцифровали записи с грампластинок из музыкальной библиотеки музея «Собрание».
https://mus-col.com/events/23984/
В этом году исполняется 125 лет со дня рождения выдающегося оперного певца Ивана Семеновича Козловского(1900–1993) . Его творчество представляет целую эпоху в отечественном оперном искусстве. Козловский является продолжателем и хранителем лучших исполнительских традиций, идущих от Леонида Собинова, Антонины Неждановой, Фёдора Шаляпина. В утвержденной Министерством культуры программе юбилея певца – более 30 событий по разным направлениям: концерты, конкурсы, выставочные проекты, телевизионные программы, показы документальных фильмов.
Активное участие в наполнении плана принимали Государственный академический Большой театр России, Московская государственная консерватория имени Петра Ильича Чайковского, Российский национальный музей музыки, Департамент культуры Москвы и телеканал «Россия-Культура».
Козловский был совершенно уникальной, удивительной фигурой в культурном пространстве своего времени. Он был обладателем потрясающего голоса – за высокий (лирический) тенор очень красивого тембра его часто называли «русским соловьём» и «чародеем оперы». В репертуаре Ивана Семеновича насчитывалось около 50 оперных партий: Ленский, Фауст, Лоэнгрин, Царь Берендей, Герцог, Юродивый, Трике – разноплановые роли, которые были объединены его необычным, пронзающим голосом – до ре-бемоля третьей октавы, как у контратенора, самого высокого мужского голоса.
С 1926 года Иван Козловский жил в Москве и пел в Большом театре. В 1938 году певец создал Государственный ансамбль оперы СССР — коллектив, который популяризировал классическую музыку.
Власти были благосклонны к Козловскому – его даже называли любимым певцом Сталина, который слушал Козловского не только в Большом театре. Иногда тенора привозили в Кремль ночью и он пел специально для Сталина. Карьера оперного певца в Большом театре продолжалась 28 лет. За это время Козловский исполнил более полусотни партий из знаменитых опер. В 1954 году певец, к огромному сожалению многотысячной армии своих поклонниц, внезапно решил уйти из театра. Он оставался в прекрасной форме, продолжал петь, и для многих это решение стало полной неожиданностью. После ухода из Большого театра музыку певец не оставил. Он стал много гастролировать с концертами. Включал в свой репертуар народные песни. Козловский стал первым исполнителем романса «Я встретил вас», который написал на стихи Фёдора Тютчева композитор Леонид Малашкин. Однажды певец зашёл в один из букинистических магазинов и увидел сборник старинных партитур, в котором и были напечатаны слова романса. Впоследствии с легкой руки Ивана Козловского романс «Я встретил вас» с удовольствием стали исполнять и другие вокалисты.
Музыковеды считают, что голос Ивана Козловского нельзя назвать мощным, но у него были другие преимущества – свободное извлечение звука, умение концентрировать его, эластичность дыхания, особая легкость в верхнем регистре. Важной для певца была и безупречная дикция. Причем с годами его искусство только совершенствовалось. Все это давало Ивану Семеновичу возможность петь под аккомпанемент любого оркестра или с любым ансамблем. Например, Козловский неоднократно выступал вместе с созданным в 1936 году государственным джаз-оркестром СССР под управлением Виктора Кнушевицкого.
Иван Семёнович Козловский «больше всего на свете любил музыку, и ради этой страсти готов был жертвовать всем», – вспоминала его дочь Анастасия. «Бог наградил его уникальными вокальными данными. И отец свято берёг этот божий дар, стараясь не растратить понапрасну, не повредить, как будто бы нёс за него огромную ответственность перед Богом и людьми. Это был мучительный труд – сохранить голос до старости. И ему это удалось». Козловскому также удалось стать легендой и символом русской вокальной школы XX века.
Козловский давал концерты до 87 лет. В последние годы жизни артист писал мемуары. В 1992 году он опубликовал книгу воспоминаний «Музыка — радость и боль моя».
К юбилею певца мы оцифровали записи с грампластинок из музыкальной библиотеки музея «Собрание».
https://mus-col.com/events/23984/
Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
Обновления на сайте музея в разделе «Занимательные автоматы»
Сайт музея постоянно пополняться новыми экспонатами. Сегодня мы представляем вашему вниманию обновления в разделе сайта «Занимательные автоматоны».
Коллекция занимательных автоматонов музея «Собрание» уникальна, она является единственной в своем роде в России, и признана экспертами одной из самых полных в мире. В нашем музее представлены все виды и формы механических игрушек XVIII–XX веков.
Подробнее узнать о коллекции кукол-автоматонов, хранящейся в музее «Собрание», можно посмотрев видео-гид «Занимательные куклы-автоматоны», размещенный в Видеоархиве музея.
После просмотра вы получите ответы на многие вопросы, возникающие при знакомстве с диковинными экспонатами, созданными в Париже конца XIX – начала XX веков в мастерской Александра Теруда (Aléxandre Théroude), фирмой Рулле и Декампа (Roullet & Decamps), на фабрике Густава Виши (Gustave Vichy); на предприятиях Жана Мари Фалибуа (Jean Marie Phalibois) и Блеза Бонтама (Blaise Bontems). Мастера-изобретатели – великие волшебники минувших веков создавали технические и художественные шедевры. Эти удивительные предметы с тщательно выполненными деталями; персонажи, одетые в изысканные костюмы из старинных тканей и способные выполнять головокружительно сложные движения – представлены в разделе коллекции «Автоматоны».
https://mus-col.com/events/33591/
Сайт музея постоянно пополняться новыми экспонатами. Сегодня мы представляем вашему вниманию обновления в разделе сайта «Занимательные автоматоны».
Коллекция занимательных автоматонов музея «Собрание» уникальна, она является единственной в своем роде в России, и признана экспертами одной из самых полных в мире. В нашем музее представлены все виды и формы механических игрушек XVIII–XX веков.
Подробнее узнать о коллекции кукол-автоматонов, хранящейся в музее «Собрание», можно посмотрев видео-гид «Занимательные куклы-автоматоны», размещенный в Видеоархиве музея.
После просмотра вы получите ответы на многие вопросы, возникающие при знакомстве с диковинными экспонатами, созданными в Париже конца XIX – начала XX веков в мастерской Александра Теруда (Aléxandre Théroude), фирмой Рулле и Декампа (Roullet & Decamps), на фабрике Густава Виши (Gustave Vichy); на предприятиях Жана Мари Фалибуа (Jean Marie Phalibois) и Блеза Бонтама (Blaise Bontems). Мастера-изобретатели – великие волшебники минувших веков создавали технические и художественные шедевры. Эти удивительные предметы с тщательно выполненными деталями; персонажи, одетые в изысканные костюмы из старинных тканей и способные выполнять головокружительно сложные движения – представлены в разделе коллекции «Автоматоны».
https://mus-col.com/events/33591/
Сегодня день рождения Мстислава Леопольдовича Ростроповича
Выдающийся музыкант стоял у истоков создания нашего музея.
Давид и Михаил Якобашвили долгие годы были очень дружны с Мстиславом Ростроповичем. В его честь мы делимся трогательными строками, написанными Владимиром Слепаком при жизни маэстро.
Непостижимый Ростропович!
Маэстро, не могу понять:
Как каждый раз с такой любовью
Вам удаётся мир обнять?!
Пусть рядом нет виолончели,
И город за окном во мгле,
Но ярче свечи заблестели,
При Вас, на праздничном столе,
В хрустальных искренних фужерах
Искрится терпкий, гордый вкус,
Вы людям возвратили веру
В единство сокровенных чувств!
Вы дорожите званием Друга,
У сердца лишь один закон,
И от Баку до Оренбурга
Вас все считают земляком!
Вы без жеманства и бравады
И, несмотря на времена,
Могли любому врезать правду,
Когда нуждалась в ней страна!
Все знают - совесть неразменна,
Но только Вас избрал Творец
Быть гражданином всей Вселенной
И камертоном для сердец!
Тут дело не в учете званий,
Обязан гений все постичь,
Но Бог позволил Вам в изгнаньи
Вершин сияющих достичь!
И ни при чем тут чувство боли,
Все живы праведным трудом...
Вас одарила Божья воля
Талантом честью и добром!
Париж скучает в чашке кофе,
Мелькают силуэты дам,
И кажется звучит Прокофьев
В зеркальных окнах Norte Dame,
Не может жизнь сложиться плохо,
Вдоль Сены мельтешит народ,
Уходит старая эпоха,
Вновь наступает Новый год,
Рвёт ветер хлипкие афиши,
На мостовой лежат цветы,
Но грешный мир свободой дышит,
А значит сбудутся мечты!
Пусть в небе Музыка витает,
И шутки радуют до слёз,
Но как в Париже не хватает
Прекрасных Жуковских берёз!
И снова тянет на Рублевку,
К давно знакомому столу,
Где можно выпить поллитровку
Под дефицитную икру,
Где только отворив калитку,
Заслышав ржавых петель стон,
Вдруг ловишь диссонансы Шнитке,
Обыкновенным естеством,
Где лают за забором псины,
Тревожа дачный контингент,
Где чудный запах керосинок
Перебивает мастердент,
Где помнят местные красотки
Мычащий трепетно клаксон,
Где потом политые сотки
И безмятежный, чистый сон,
Где перепутанные мнения
Рассудку не дают остыть,
Где есть возможность откровения
И некуда совсем спешить!
И ради этого угара
Вас каждый раз влечёт сюда,
Чтоб под кабацкую гитару
Спеть про минувшие года,
Чтоб на мгновение забыться,
Услышав от Земли ответ,
И вновь душой к любви стремиться
Во имя будущих побед!
Выдающийся музыкант стоял у истоков создания нашего музея.
Давид и Михаил Якобашвили долгие годы были очень дружны с Мстиславом Ростроповичем. В его честь мы делимся трогательными строками, написанными Владимиром Слепаком при жизни маэстро.
Непостижимый Ростропович!
Маэстро, не могу понять:
Как каждый раз с такой любовью
Вам удаётся мир обнять?!
Пусть рядом нет виолончели,
И город за окном во мгле,
Но ярче свечи заблестели,
При Вас, на праздничном столе,
В хрустальных искренних фужерах
Искрится терпкий, гордый вкус,
Вы людям возвратили веру
В единство сокровенных чувств!
Вы дорожите званием Друга,
У сердца лишь один закон,
И от Баку до Оренбурга
Вас все считают земляком!
Вы без жеманства и бравады
И, несмотря на времена,
Могли любому врезать правду,
Когда нуждалась в ней страна!
Все знают - совесть неразменна,
Но только Вас избрал Творец
Быть гражданином всей Вселенной
И камертоном для сердец!
Тут дело не в учете званий,
Обязан гений все постичь,
Но Бог позволил Вам в изгнаньи
Вершин сияющих достичь!
И ни при чем тут чувство боли,
Все живы праведным трудом...
Вас одарила Божья воля
Талантом честью и добром!
Париж скучает в чашке кофе,
Мелькают силуэты дам,
И кажется звучит Прокофьев
В зеркальных окнах Norte Dame,
Не может жизнь сложиться плохо,
Вдоль Сены мельтешит народ,
Уходит старая эпоха,
Вновь наступает Новый год,
Рвёт ветер хлипкие афиши,
На мостовой лежат цветы,
Но грешный мир свободой дышит,
А значит сбудутся мечты!
Пусть в небе Музыка витает,
И шутки радуют до слёз,
Но как в Париже не хватает
Прекрасных Жуковских берёз!
И снова тянет на Рублевку,
К давно знакомому столу,
Где можно выпить поллитровку
Под дефицитную икру,
Где только отворив калитку,
Заслышав ржавых петель стон,
Вдруг ловишь диссонансы Шнитке,
Обыкновенным естеством,
Где лают за забором псины,
Тревожа дачный контингент,
Где чудный запах керосинок
Перебивает мастердент,
Где помнят местные красотки
Мычащий трепетно клаксон,
Где потом политые сотки
И безмятежный, чистый сон,
Где перепутанные мнения
Рассудку не дают остыть,
Где есть возможность откровения
И некуда совсем спешить!
И ради этого угара
Вас каждый раз влечёт сюда,
Чтоб под кабацкую гитару
Спеть про минувшие года,
Чтоб на мгновение забыться,
Услышав от Земли ответ,
И вновь душой к любви стремиться
Во имя будущих побед!
День основания Большого театра. История создания
Большой театр был основан как частный театр русского антрепренера, князя Петра Васильевича Урусова. 28 марта 1776 года Екатерина II подписала привилегию на организацию спектаклей, балов и других культурных мероприятий. Это событие считается днем основания театра. Вместе с Урусовым в создании театра принимал участие англичанин Майкл Меддокс, который прибыл в Россию, чтобы преподавать математику будущему императору Павлу I, но увлекся театральным искусством и стал важной фигурой в театральной жизни страны.
Изначально театральная труппа состояла из 43 человек, включая актеров, актрис, танцовщиц, танцоров и музыкантов. На первом этапе существования театра опера и драма были объединены в единую труппу, состав которой был очень разнообразным, включая как русских артистов, так и приглашенных звезд из-за границы. Театр получил название Петровский, так как располагался на улице Петровка, и открылся 30 декабря 1780 года. Это был первый в Москве публичный театр, который был построен за рекордные сроки и стал одним из самых крупных и красивых театральных зданий города.
Однако в 1805 году старое здание театра сгорело, и труппа начала давать спектакли на частных сценах. В 1820 году началось строительство нового театра, который стал бы центральной частью новой градостроительной композиции площади. В 1825 году открылся новый Петровский театр, который стал значительно больше прежнего и был назван Большим Петровским. На торжественном открытии театра были исполнены специально написанный пролог и балет. Вскоре Большой Петровский театр стал центром культурной жизни Москвы, и в его репертуар начали входить не только драматические постановки, но и оперы, балеты, произведения известных композиторов того времени.
В 1853 году и это здание театра сгорело, что привело к его восстановлению. Театр продолжал свою работу, несмотря на трудности, и после революции 1917 года стал Государственным Большим театром. В 1922 году театр был спасен от закрытия, и его здание адаптировалось для нужд новой власти. В это время в Большом театре проводились важнейшие политические события, включая Всероссийские съезды Советов и заседания ВЦИК.
Во время Великой Отечественной войны театр пострадал от бомбардировок, но уже осенью 1943 года он возобновил свою работу, постановкой оперы М. Глинки «Иван Сусанин». В годы войны многие артисты театра выступали в составе фронтовых бригад или ушли на фронт, но театр продолжал оставаться важным культурным центром.
После войны театр продолжал развиваться, претерпев несколько значительных реконструкций и реформ. В 2002 году была открыта Новая сцена, а в 2005 году началась очередная реконструкция главного здания театра, что стало знаковым событием для всей театральной и культурной жизни страны. Театр продолжает оставаться важнейшей культурной и архитектурной жемчужиной Москвы.
В честь дня основания Большого театра мы подготовили музыкальную подборку записей голосов оперных певцов, которые входили в его труппу в конце XIX – начале XX веков.
https://mus-col.com/events/23724/
Большой театр был основан как частный театр русского антрепренера, князя Петра Васильевича Урусова. 28 марта 1776 года Екатерина II подписала привилегию на организацию спектаклей, балов и других культурных мероприятий. Это событие считается днем основания театра. Вместе с Урусовым в создании театра принимал участие англичанин Майкл Меддокс, который прибыл в Россию, чтобы преподавать математику будущему императору Павлу I, но увлекся театральным искусством и стал важной фигурой в театральной жизни страны.
Изначально театральная труппа состояла из 43 человек, включая актеров, актрис, танцовщиц, танцоров и музыкантов. На первом этапе существования театра опера и драма были объединены в единую труппу, состав которой был очень разнообразным, включая как русских артистов, так и приглашенных звезд из-за границы. Театр получил название Петровский, так как располагался на улице Петровка, и открылся 30 декабря 1780 года. Это был первый в Москве публичный театр, который был построен за рекордные сроки и стал одним из самых крупных и красивых театральных зданий города.
Однако в 1805 году старое здание театра сгорело, и труппа начала давать спектакли на частных сценах. В 1820 году началось строительство нового театра, который стал бы центральной частью новой градостроительной композиции площади. В 1825 году открылся новый Петровский театр, который стал значительно больше прежнего и был назван Большим Петровским. На торжественном открытии театра были исполнены специально написанный пролог и балет. Вскоре Большой Петровский театр стал центром культурной жизни Москвы, и в его репертуар начали входить не только драматические постановки, но и оперы, балеты, произведения известных композиторов того времени.
В 1853 году и это здание театра сгорело, что привело к его восстановлению. Театр продолжал свою работу, несмотря на трудности, и после революции 1917 года стал Государственным Большим театром. В 1922 году театр был спасен от закрытия, и его здание адаптировалось для нужд новой власти. В это время в Большом театре проводились важнейшие политические события, включая Всероссийские съезды Советов и заседания ВЦИК.
Во время Великой Отечественной войны театр пострадал от бомбардировок, но уже осенью 1943 года он возобновил свою работу, постановкой оперы М. Глинки «Иван Сусанин». В годы войны многие артисты театра выступали в составе фронтовых бригад или ушли на фронт, но театр продолжал оставаться важным культурным центром.
После войны театр продолжал развиваться, претерпев несколько значительных реконструкций и реформ. В 2002 году была открыта Новая сцена, а в 2005 году началась очередная реконструкция главного здания театра, что стало знаковым событием для всей театральной и культурной жизни страны. Театр продолжает оставаться важнейшей культурной и архитектурной жемчужиной Москвы.
В честь дня основания Большого театра мы подготовили музыкальную подборку записей голосов оперных певцов, которые входили в его труппу в конце XIX – начале XX веков.
https://mus-col.com/events/23724/
Звезды джаза: Пол Уайтмен
В эти мартовские дни, когда мы отмечаем 135-летие со дня рождения Пола Уайтмена – рассказ о жизни музыканта рубрике «Звезды джаза» и подборка музыкальных композиций в его исполнении в нашей Фонотеке.
Пол Уайтмен, чьё полное имя – Пол Сэмюэл Уайтмен, родился 28 марта 1890 года в Денвере, Колорадо. Музыкант оставил неизгладимый след в истории джаза как бэнд-лидер, композитор и скрипач. Оркестр Пола, основанный в Калифорнии в 1918 году, быстро стал одним из самых популярных на джазовой сцене 1920-х годов. Как пишет «Британская энциклопедия», именно Уайтмен сделал джаз более доступным для широкой публики, и в 1920-е – 1930-е годы превратил джаз в популярный музыкальный жанр.
Уайтмен значительно упрощал джазовые ритмы, благодаря чему музыка легче воспринималась слушателями – именно за такой подход музыканта и хвалили, и критиковали одновременно.
Пол Уайтмен начал свою карьеру как классический скрипач, но его интерес к популярной музыке привёл его к джазу. Во время Первой мировой войны музыкант руководил большим оркестром военно-морского флота, а после войны сформировал свой первый танцевальный оркестр. В 1920 году Уайтмен переехал в Нью-Йорк, где его оркестр начал записываться для «Victor Talking Machine Company». Первые записи оркестра, такие как «Japanese Sandman» и «Whispering», разошлись большими тиражами, а имя Пола Уайтмена стало широко узнаваемым. Он был известен тем, что нанимал лучших музыкантов и аранжировщиков, включая Фердинанда Грофе, который отвечал за знаменитое звучание оркестра Уайтмена.
Одним из самых значительных моментов в карьере Пола была премьера «Рапсодии в стиле блюз» Джорджа Гершвина в 1924 году, где Уайтмен выступал в качестве бэнд-лидера, а Гершвин – как солист. Именно «Рапсодия» стала визитной карточкой оркестра и демонстрацией его высочайшего мастерства. Для неизощренной публики сам этот оркестр олицетворял джаз. Его звучание – это, как правило, сочетание симфонической и популярной музыки с небольшой примесью джаза, способствовало восприятию джаза широкой публикой. При этом Уайтмен приглашал в свой оркестр лучших музыкантов, каких только мог найти и платил им больше, чем в других коллективах. По-настоящему сильный состав оркестра сложился в 1927 году, когда в него пришли Бикс Бейдербек и Фрэнки Трумбауэр; вокалисты Бинг Кросби, Милдред Бейли, Джонни Мерсер; а несколько позже, – скрипач Джо Венути и гитарист Эдди Лэнг. Пол Уайтмен собирал афроамериканские музыкальные таланты и изначально планировал нанимать белых и черных музыкантов, но в конце концов менеджеры убедили его в том, что из-за расовой напряженности и сегрегации в Америке того времени такая политика стала бы «профессиональным самоубийством». И все же Пол нередко пренебрегал рекомендациями, нанимая черных музыкантов и аранжировщиков, например Флетчера Хендерсона, для участия в записях и гастрольных турах.
Звёздные оркестровые составы оркестра задали тон для наступающей эпохи биг-бэндов, однако к началу эры свинга музыка Уайтмана (оркестр которого почти не свинговал) стала считаться старомодной, а в начале 1940-х годов Уайтмен практически отошёл от дел, лишь изредка выступая в качестве приглашённого исполнителя. Он сосредоточился на поиске новых талантов и занимал должность директора канала «ABC Radio Network».
Последние годы жизни Пол Уайтмен провел в Пенсильвании. Он умер 29 декабря 1967 года.
Наследие музыканта потрясает воображение. Он сделал около трёх тысяч аранжировок, написал музыку для шести бродвейских шоу и записал множество пластинок. Его вклад в развитие джаза огромен.
https://mus-col.com/events/33639/
В эти мартовские дни, когда мы отмечаем 135-летие со дня рождения Пола Уайтмена – рассказ о жизни музыканта рубрике «Звезды джаза» и подборка музыкальных композиций в его исполнении в нашей Фонотеке.
Пол Уайтмен, чьё полное имя – Пол Сэмюэл Уайтмен, родился 28 марта 1890 года в Денвере, Колорадо. Музыкант оставил неизгладимый след в истории джаза как бэнд-лидер, композитор и скрипач. Оркестр Пола, основанный в Калифорнии в 1918 году, быстро стал одним из самых популярных на джазовой сцене 1920-х годов. Как пишет «Британская энциклопедия», именно Уайтмен сделал джаз более доступным для широкой публики, и в 1920-е – 1930-е годы превратил джаз в популярный музыкальный жанр.
Уайтмен значительно упрощал джазовые ритмы, благодаря чему музыка легче воспринималась слушателями – именно за такой подход музыканта и хвалили, и критиковали одновременно.
Пол Уайтмен начал свою карьеру как классический скрипач, но его интерес к популярной музыке привёл его к джазу. Во время Первой мировой войны музыкант руководил большим оркестром военно-морского флота, а после войны сформировал свой первый танцевальный оркестр. В 1920 году Уайтмен переехал в Нью-Йорк, где его оркестр начал записываться для «Victor Talking Machine Company». Первые записи оркестра, такие как «Japanese Sandman» и «Whispering», разошлись большими тиражами, а имя Пола Уайтмена стало широко узнаваемым. Он был известен тем, что нанимал лучших музыкантов и аранжировщиков, включая Фердинанда Грофе, который отвечал за знаменитое звучание оркестра Уайтмена.
Одним из самых значительных моментов в карьере Пола была премьера «Рапсодии в стиле блюз» Джорджа Гершвина в 1924 году, где Уайтмен выступал в качестве бэнд-лидера, а Гершвин – как солист. Именно «Рапсодия» стала визитной карточкой оркестра и демонстрацией его высочайшего мастерства. Для неизощренной публики сам этот оркестр олицетворял джаз. Его звучание – это, как правило, сочетание симфонической и популярной музыки с небольшой примесью джаза, способствовало восприятию джаза широкой публикой. При этом Уайтмен приглашал в свой оркестр лучших музыкантов, каких только мог найти и платил им больше, чем в других коллективах. По-настоящему сильный состав оркестра сложился в 1927 году, когда в него пришли Бикс Бейдербек и Фрэнки Трумбауэр; вокалисты Бинг Кросби, Милдред Бейли, Джонни Мерсер; а несколько позже, – скрипач Джо Венути и гитарист Эдди Лэнг. Пол Уайтмен собирал афроамериканские музыкальные таланты и изначально планировал нанимать белых и черных музыкантов, но в конце концов менеджеры убедили его в том, что из-за расовой напряженности и сегрегации в Америке того времени такая политика стала бы «профессиональным самоубийством». И все же Пол нередко пренебрегал рекомендациями, нанимая черных музыкантов и аранжировщиков, например Флетчера Хендерсона, для участия в записях и гастрольных турах.
Звёздные оркестровые составы оркестра задали тон для наступающей эпохи биг-бэндов, однако к началу эры свинга музыка Уайтмана (оркестр которого почти не свинговал) стала считаться старомодной, а в начале 1940-х годов Уайтмен практически отошёл от дел, лишь изредка выступая в качестве приглашённого исполнителя. Он сосредоточился на поиске новых талантов и занимал должность директора канала «ABC Radio Network».
Последние годы жизни Пол Уайтмен провел в Пенсильвании. Он умер 29 декабря 1967 года.
Наследие музыканта потрясает воображение. Он сделал около трёх тысяч аранжировок, написал музыку для шести бродвейских шоу и записал множество пластинок. Его вклад в развитие джаза огромен.
https://mus-col.com/events/33639/
Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
Международный день птиц. Механические поющие птички
День птиц – это начало весны, время наступления первых теплых солнечных дней и возвращения перелетных птиц с зимовок.
Экспонаты с птичками представлены в нескольких разделах коллекции музея «Собрание», на сайте музея выложены около 300 предметов с фигурками или изображениями самых разных птичек. Среди них есть изделия из камня, золота и серебра.
В разделе коллекции «Занимательные автоматы» представлены разнообразные поющие и двигающиеся экспонаты.
Известно, что механические поющие птички в клетках, с заводными механизмами пользовались большой популярностью в Европе XVIII-XIX веках. Первоначально их использовали как механизм для обучения пению домашних канареек. А затем механические птички стали распространенным домашним аксессуаром.
Все помнят сказку «Соловей». Подобную птичку в самом начале нашего тысячелетия придумал греческий математик и механик, один из величайших инженеров в истории человечества – Герон Александрийский.
Конструкция Герона была чрезвычайно простой. Птичка сидела на крышке сосуда, в который вливалась вода. Она вытесняла воздух в трубку, проведенную в горлышко птички. Когда сосуд заполнялся доверху, птичка умолкала, вода из сосуда автоматически выливалась через сифон, а затем все повторялось сначала.
Продолжая сложившуюся традицию, мы публикуем очередной видео ролик об уникальных экспонатах, хранящихся в коллекции музея «Собрание». Сегодня это сказочное дерево с разнообразными клетками с весело щебечущими птичками.
Более детально эти экспонаты можно рассмотреть в разделе коллекции «Поющие птички».
День птиц – это начало весны, время наступления первых теплых солнечных дней и возвращения перелетных птиц с зимовок.
Экспонаты с птичками представлены в нескольких разделах коллекции музея «Собрание», на сайте музея выложены около 300 предметов с фигурками или изображениями самых разных птичек. Среди них есть изделия из камня, золота и серебра.
В разделе коллекции «Занимательные автоматы» представлены разнообразные поющие и двигающиеся экспонаты.
Известно, что механические поющие птички в клетках, с заводными механизмами пользовались большой популярностью в Европе XVIII-XIX веках. Первоначально их использовали как механизм для обучения пению домашних канареек. А затем механические птички стали распространенным домашним аксессуаром.
Все помнят сказку «Соловей». Подобную птичку в самом начале нашего тысячелетия придумал греческий математик и механик, один из величайших инженеров в истории человечества – Герон Александрийский.
Конструкция Герона была чрезвычайно простой. Птичка сидела на крышке сосуда, в который вливалась вода. Она вытесняла воздух в трубку, проведенную в горлышко птички. Когда сосуд заполнялся доверху, птичка умолкала, вода из сосуда автоматически выливалась через сифон, а затем все повторялось сначала.
Продолжая сложившуюся традицию, мы публикуем очередной видео ролик об уникальных экспонатах, хранящихся в коллекции музея «Собрание». Сегодня это сказочное дерево с разнообразными клетками с весело щебечущими птичками.
Более детально эти экспонаты можно рассмотреть в разделе коллекции «Поющие птички».
Апрелевский завод грампластинок. 115 лет со дня открытия
Начало XX века неотделимо от чуда «запечатленного звука». Граммофоны и поющие черные диски пользовались бешеной популярностью, завоевав за короткое время все страны Старого и Нового света. Не стала исключением и Россия. К этому времени в стране с разной степенью успешности действовало более трех десятков граммофонных фирм. Среди них, к примеру, лондонская компания «Граммофон» с лейблом «Пишущий амур», специально создавшая большое производство в Риге для освоения масштабного рынка Российской империи, а также широко известная и популярная французская компания «Братья Пате».
Немецкий бизнесмен Готлиб Молль (Gottlieb Moll) решил создать компанию с полным циклом производства: от профессиональной записи музыкальных произведений до изготовления и продажи готовой продукции – граммофонных пластинок, включая производство виниловой массы, которого в центральной части России вообще не было. Расчет был прост: пока новоиспеченная фирма будет осваивать технические проблемы звукозаписи и нюансы репертуарной политики, доход будет приносить изготовление граммофонных пластинок для других компаний. На фабрике в первый же год уже работало 50 рабочих. В основном это были бывшие крестьяне из окрестных деревень. Готлиб Молль пригласил из Германии опытных специалистов. Местом для постройки фабрики была выбрана Апрелевка, подмосковное дачное местечко, где Молль приобрел за 30 тыс. рублей небольшой участок земли для своего сына Иоганна. Позже, через год с лишним, недалеко от Мясницкой улицы, в Банковском переулке, была оборудована по последнему слову техники студия звукозаписи и новый гальванический цех. Изначально, вся апрелевская фабрика с громким названием «Метрополь-Рекорд» размещалась в небольшом одноэтажном здании.
Диски, выпускавшиеся на Апрелевской фабрике, были высокого качества. Уже за первый год работы было выпущено 400 тысяч граммофонных пластинок. Они продавались под торговой маркой «Метрополь-Рекордс» и вскоре практически вытеснили на рынке продукцию других производителей. Первая выпущенная на фабрике пластинка с цыганской песней «Бродяга» сейчас составляет огромную редкость. Благодаря профессиональным действиям Богдана Молля и Иоганна, новое дело стремительно набирало обороты. Пройдя через все сложности первых лет – отработку качества звукозаписи в студии и качества звучания отпрессованных пластинок, поиски надежных оптовых покупателей и так далее, к 1914 году фирма «Метрополь-Рекорд» уверенно закрепила за собой лидирующую позицию на российском рынке. Она первой начала выпускать комплекты граммофонных пластинок для изучения иностранных языков. С целью упрощения частой смены пластинок была разработана конструкция устройства для автоматического опускания граммофонной иглы – прообраз будущего микролифта. В 1914 году Молли получили разрешение и начали строить два новых корпуса – фабрике предстояло серьезное расширение.
Но с началом войны в стране стали очень сильными анти-немецкие настроения. Началась ликвидация принадлежащих германским гражданам промышленных предприятий и земельных владений. Десятки тысяч людей были депортированы в центральные и восточные районы страны. Апрелевскую фабрику власти экспроприировали и передали в собственность конкуренту Моллей – «Русскому акционерному обществу граммофонов» (РАОГ).
После Октябрьской революции завод был национализирован и начал выпуск грампластинок с выступлениями российских революционеров. В 1925 году ему было присвоено название «Апрелевский завод памяти 1905 года».
В советские годы предприятие стало самым крупным заводом грампластинок в мире и вошло в состав фирмы «Мелодия».
В коллекции музея «Собрание» хранятся виниловые грампластинки, граммофоны и патефоны, другие раритеты, рассказывающие о славной истории легендарного предприятия.
К 115-летию со дня открытия Апрелевского завода грампластинок мы подготовили музыкальную подборку, составленную из песен в исполнении известных советских исполнителей, и записанную с виниловых пластинок, хранящихся в музыкальной библиотеке музея.
Начало XX века неотделимо от чуда «запечатленного звука». Граммофоны и поющие черные диски пользовались бешеной популярностью, завоевав за короткое время все страны Старого и Нового света. Не стала исключением и Россия. К этому времени в стране с разной степенью успешности действовало более трех десятков граммофонных фирм. Среди них, к примеру, лондонская компания «Граммофон» с лейблом «Пишущий амур», специально создавшая большое производство в Риге для освоения масштабного рынка Российской империи, а также широко известная и популярная французская компания «Братья Пате».
Немецкий бизнесмен Готлиб Молль (Gottlieb Moll) решил создать компанию с полным циклом производства: от профессиональной записи музыкальных произведений до изготовления и продажи готовой продукции – граммофонных пластинок, включая производство виниловой массы, которого в центральной части России вообще не было. Расчет был прост: пока новоиспеченная фирма будет осваивать технические проблемы звукозаписи и нюансы репертуарной политики, доход будет приносить изготовление граммофонных пластинок для других компаний. На фабрике в первый же год уже работало 50 рабочих. В основном это были бывшие крестьяне из окрестных деревень. Готлиб Молль пригласил из Германии опытных специалистов. Местом для постройки фабрики была выбрана Апрелевка, подмосковное дачное местечко, где Молль приобрел за 30 тыс. рублей небольшой участок земли для своего сына Иоганна. Позже, через год с лишним, недалеко от Мясницкой улицы, в Банковском переулке, была оборудована по последнему слову техники студия звукозаписи и новый гальванический цех. Изначально, вся апрелевская фабрика с громким названием «Метрополь-Рекорд» размещалась в небольшом одноэтажном здании.
Диски, выпускавшиеся на Апрелевской фабрике, были высокого качества. Уже за первый год работы было выпущено 400 тысяч граммофонных пластинок. Они продавались под торговой маркой «Метрополь-Рекордс» и вскоре практически вытеснили на рынке продукцию других производителей. Первая выпущенная на фабрике пластинка с цыганской песней «Бродяга» сейчас составляет огромную редкость. Благодаря профессиональным действиям Богдана Молля и Иоганна, новое дело стремительно набирало обороты. Пройдя через все сложности первых лет – отработку качества звукозаписи в студии и качества звучания отпрессованных пластинок, поиски надежных оптовых покупателей и так далее, к 1914 году фирма «Метрополь-Рекорд» уверенно закрепила за собой лидирующую позицию на российском рынке. Она первой начала выпускать комплекты граммофонных пластинок для изучения иностранных языков. С целью упрощения частой смены пластинок была разработана конструкция устройства для автоматического опускания граммофонной иглы – прообраз будущего микролифта. В 1914 году Молли получили разрешение и начали строить два новых корпуса – фабрике предстояло серьезное расширение.
Но с началом войны в стране стали очень сильными анти-немецкие настроения. Началась ликвидация принадлежащих германским гражданам промышленных предприятий и земельных владений. Десятки тысяч людей были депортированы в центральные и восточные районы страны. Апрелевскую фабрику власти экспроприировали и передали в собственность конкуренту Моллей – «Русскому акционерному обществу граммофонов» (РАОГ).
После Октябрьской революции завод был национализирован и начал выпуск грампластинок с выступлениями российских революционеров. В 1925 году ему было присвоено название «Апрелевский завод памяти 1905 года».
В советские годы предприятие стало самым крупным заводом грампластинок в мире и вошло в состав фирмы «Мелодия».
В коллекции музея «Собрание» хранятся виниловые грампластинки, граммофоны и патефоны, другие раритеты, рассказывающие о славной истории легендарного предприятия.
К 115-летию со дня открытия Апрелевского завода грампластинок мы подготовили музыкальную подборку, составленную из песен в исполнении известных советских исполнителей, и записанную с виниловых пластинок, хранящихся в музыкальной библиотеке музея.
Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
Музейные истории: «Музыкальные шкатулки»
Музыкальные шкатулки воплощают союз искусства и науки, они – свидетели эпохи смелых инноваций, времени, когда мастерство было связано не только с функцией предметов, но и с созданием неувядающей красоты.
«Музыкальные шкатулки» – один из самых обширных разделов коллекции музея «Собрание». Мелодичное звучание, разнообразный декор корпуса, завораживающая работа механизма всегда вызывают большой интерес у зрителей.
Очередной выпуск рубрики «Музейные истории» посвящен истории этого музыкального самоиграющего предмета.
Старинные музыкальные шкатулки – мелодичные сокровища из прошлого, – заслуженно занимают одну из самых почётных позиций в окутанном тайной мире музыкальных механических предметов. Музыкальные шкатулки в своих волшебных мелодиях повествуют о богатом полотне истории и человеческой изобретательности.
По сути, музыкальные шкатулки, являясь воплощением точности и элегантности, отражают ход истории и научного прогресса своей эпохи наряду с глубоким пониманием искусства и красоты. Что делает их особенно привлекательными – так это уникальное сочетание музыки и механики, превращающее, казалось бы, повседневный предмет в источник радости и очарования.
Первоначальная концепция музыкальной шкатулки родилась в XVIII веке, а первые известные образцы появились в Швейцарии, сердце точной механики. Швейцарские часовщики, известные своим мастерством, начали изучать идею использования своего опыта для оживления музыки. В первых шкатулках использовались металлические цилиндры с выступающими штифтами, которые перебирали специально настроенные зубцы металлической гребенки, создавая мелодию.
Эти скромные начинания проложили путь к всемирной одержимости музыкальными шкатулками. В течение XIX века музыкальные шкатулки претерпели значительные изменения. По мере развития технологий усложнялись и музыкальные произведения, которые они могли воспроизводить. Ранние музыкальные шкатулки могли проигрывать только одну или две мелодии, но к середине XIX века сменные цилиндры позволяли воспроизводить уже несколько произведений. Позже цилиндры заменили диски, что значительно упростило производство.
Исторически музыкальные шкатулки имели существенное значение в обществе, демонстрируя статус владельца. Сложность дизайна музыкальных шкатулок и разнообразие мелодий, которые они воспроизводили, стали символом изысканности и богатства, особенно в викторианскую эпоху. Они были не просто модными новинками, они были отражением культуры и престижа.
Музыкальные шкатулки сыграли большую роль в популяризации музыки в эпоху до появления радио и фонограмм. Благодаря этим музыкальным механическим предметам музыка зазвучала в домах, позволив людям наслаждаться концертами в своих гостиных. Это оказало значимое влияние на процесс общения людей и формирование различных социальных групп, изменив способ, которым люди взаимодействовали и проводили свободное время.
Подобно вечному тиканью старинных часов или постоянным приливам и отливам, старинные музыкальные шкатулки напоминают нам о быстротечности времени, о благотворном взаимодействии науки и искусства. Каждая нота, которую воспроизводят музыкальные шкатулки, является свидетельством человеческой изобретательности и потребности создавать красоту вокруг себя.
https://mus-col.com/events/26460/
Музыкальные шкатулки воплощают союз искусства и науки, они – свидетели эпохи смелых инноваций, времени, когда мастерство было связано не только с функцией предметов, но и с созданием неувядающей красоты.
«Музыкальные шкатулки» – один из самых обширных разделов коллекции музея «Собрание». Мелодичное звучание, разнообразный декор корпуса, завораживающая работа механизма всегда вызывают большой интерес у зрителей.
Очередной выпуск рубрики «Музейные истории» посвящен истории этого музыкального самоиграющего предмета.
Старинные музыкальные шкатулки – мелодичные сокровища из прошлого, – заслуженно занимают одну из самых почётных позиций в окутанном тайной мире музыкальных механических предметов. Музыкальные шкатулки в своих волшебных мелодиях повествуют о богатом полотне истории и человеческой изобретательности.
По сути, музыкальные шкатулки, являясь воплощением точности и элегантности, отражают ход истории и научного прогресса своей эпохи наряду с глубоким пониманием искусства и красоты. Что делает их особенно привлекательными – так это уникальное сочетание музыки и механики, превращающее, казалось бы, повседневный предмет в источник радости и очарования.
Первоначальная концепция музыкальной шкатулки родилась в XVIII веке, а первые известные образцы появились в Швейцарии, сердце точной механики. Швейцарские часовщики, известные своим мастерством, начали изучать идею использования своего опыта для оживления музыки. В первых шкатулках использовались металлические цилиндры с выступающими штифтами, которые перебирали специально настроенные зубцы металлической гребенки, создавая мелодию.
Эти скромные начинания проложили путь к всемирной одержимости музыкальными шкатулками. В течение XIX века музыкальные шкатулки претерпели значительные изменения. По мере развития технологий усложнялись и музыкальные произведения, которые они могли воспроизводить. Ранние музыкальные шкатулки могли проигрывать только одну или две мелодии, но к середине XIX века сменные цилиндры позволяли воспроизводить уже несколько произведений. Позже цилиндры заменили диски, что значительно упростило производство.
Исторически музыкальные шкатулки имели существенное значение в обществе, демонстрируя статус владельца. Сложность дизайна музыкальных шкатулок и разнообразие мелодий, которые они воспроизводили, стали символом изысканности и богатства, особенно в викторианскую эпоху. Они были не просто модными новинками, они были отражением культуры и престижа.
Музыкальные шкатулки сыграли большую роль в популяризации музыки в эпоху до появления радио и фонограмм. Благодаря этим музыкальным механическим предметам музыка зазвучала в домах, позволив людям наслаждаться концертами в своих гостиных. Это оказало значимое влияние на процесс общения людей и формирование различных социальных групп, изменив способ, которым люди взаимодействовали и проводили свободное время.
Подобно вечному тиканью старинных часов или постоянным приливам и отливам, старинные музыкальные шкатулки напоминают нам о быстротечности времени, о благотворном взаимодействии науки и искусства. Каждая нота, которую воспроизводят музыкальные шкатулки, является свидетельством человеческой изобретательности и потребности создавать красоту вокруг себя.
https://mus-col.com/events/26460/
К 165-летию со дня рождения Рене Лалика
Рене Лалика (фр. René Jules Lalique; 6 апреля 1860 – 1 мая 1945) называли гением при жизни, таковым считают и сейчас. Французский декоратор интерьера, ювелир, медальер, художник по стеклу и эмалям периода модерна, стилей ар нуво и ар-деко запатентовал 16 изобретенных технологий, создал невероятное количество предметов, считающихся мировыми шедеврами, ввел новые нетрадиционные материалы и сюжеты в ювелирное дело. Созданные им изображения в стиле ар-нуво были подхвачены в иллюстрациях, текстиле, интерьерном декоре. Свободный в действиях и вымыслах он не приспосабливался к мнению общества, а изменял его восприятие, художественный вкус и устои согласно своим фантазиям.
К дню рождения Рене Лалика предлагаем вам посмотреть альбом с фотографиями его уникальных работ, представленных в разделе «Западноевропейское художественное стекло и керамика» коллекции музея «Собрание» и тематический фотоальбом «Счастливые талисманы Рене Лалика».
Рассказ «Flora, Fauna & Femme fatale» о художнике и ювелире Рене Лалике опубликован в рубрике «Аудио рассказы». Рассказ посвящен жизни и творчеству легендарного мастера, создававшего динамичные произведения необычных форм.
Лекция «Эмиль Галле и Рене Лалик: магия стекла» размещена в нашем Видеоархиве. На примерах шедевров из коллекции музея «Собрания» в лекции рассматриваются материалы и технологии производства художественного стекла, изобретенные талантливыми художниками, чьи достижения определили вектор развития стекольного дела.
Биография мастера размещена в разделе «Авторы/Производители».
https://mus-col.com/events/31135/
Рене Лалика (фр. René Jules Lalique; 6 апреля 1860 – 1 мая 1945) называли гением при жизни, таковым считают и сейчас. Французский декоратор интерьера, ювелир, медальер, художник по стеклу и эмалям периода модерна, стилей ар нуво и ар-деко запатентовал 16 изобретенных технологий, создал невероятное количество предметов, считающихся мировыми шедеврами, ввел новые нетрадиционные материалы и сюжеты в ювелирное дело. Созданные им изображения в стиле ар-нуво были подхвачены в иллюстрациях, текстиле, интерьерном декоре. Свободный в действиях и вымыслах он не приспосабливался к мнению общества, а изменял его восприятие, художественный вкус и устои согласно своим фантазиям.
К дню рождения Рене Лалика предлагаем вам посмотреть альбом с фотографиями его уникальных работ, представленных в разделе «Западноевропейское художественное стекло и керамика» коллекции музея «Собрание» и тематический фотоальбом «Счастливые талисманы Рене Лалика».
Рассказ «Flora, Fauna & Femme fatale» о художнике и ювелире Рене Лалике опубликован в рубрике «Аудио рассказы». Рассказ посвящен жизни и творчеству легендарного мастера, создававшего динамичные произведения необычных форм.
Лекция «Эмиль Галле и Рене Лалик: магия стекла» размещена в нашем Видеоархиве. На примерах шедевров из коллекции музея «Собрания» в лекции рассматриваются материалы и технологии производства художественного стекла, изобретенные талантливыми художниками, чьи достижения определили вектор развития стекольного дела.
Биография мастера размещена в разделе «Авторы/Производители».
https://mus-col.com/events/31135/
Анонс: лекция «Куклы-автоматоны. Механика живой природы»
Лекция посвящена чудесам механики и истории создания занимательных автоматонов. Мы поговорим о «золотом веке» механики, о выдающихся изобретателях и их творениях. В ходе лекции будут показаны видеоролики и продемонстрированы в действии уникальные предметы, хранящиеся в коллекции музея «Собрание».
Лекция «Куклы-автоматоны. Механика живой природы» состоится 10 апреля в 18:00.
Для тех, кого заинтересует тема уникальных механизмов, и тех, кто захочет подробнее узнать о коллекции кукол-автоматонов, хранящейся в музее «Собрание», в разделе «Лекторий» открыта предварительная запись на лекцию.
Коллекция механических кукол и автоматов музея «Собрание» является единственной в своем роде в России и признана экспертами одной из лучших в мире. В ней представлены все виды и формы механических игрушек XVIII – XX веков. На сайте музея в разделе коллекции «Занимательные Автоматоны» можно рассмотреть мельчайшие детали заводных механизмов, заключенных в куклу человека, животного или птицы, которые двигаются под музыку и совершают свойственные своему образу действия.
В разделе «Авторы/Производители» размещены биографии талантливых мастеров и изобретателей, создавших эти предметы. Среди них Густав Виши, Леопольд Ламбер, Фирма Reuge, компания Roullet & Decamps и другие.
Продолжительность 60 минут.
https://mus-col.com/contacts/lectures.php
Лекция посвящена чудесам механики и истории создания занимательных автоматонов. Мы поговорим о «золотом веке» механики, о выдающихся изобретателях и их творениях. В ходе лекции будут показаны видеоролики и продемонстрированы в действии уникальные предметы, хранящиеся в коллекции музея «Собрание».
Лекция «Куклы-автоматоны. Механика живой природы» состоится 10 апреля в 18:00.
Для тех, кого заинтересует тема уникальных механизмов, и тех, кто захочет подробнее узнать о коллекции кукол-автоматонов, хранящейся в музее «Собрание», в разделе «Лекторий» открыта предварительная запись на лекцию.
Коллекция механических кукол и автоматов музея «Собрание» является единственной в своем роде в России и признана экспертами одной из лучших в мире. В ней представлены все виды и формы механических игрушек XVIII – XX веков. На сайте музея в разделе коллекции «Занимательные Автоматоны» можно рассмотреть мельчайшие детали заводных механизмов, заключенных в куклу человека, животного или птицы, которые двигаются под музыку и совершают свойственные своему образу действия.
В разделе «Авторы/Производители» размещены биографии талантливых мастеров и изобретателей, создавших эти предметы. Среди них Густав Виши, Леопольд Ламбер, Фирма Reuge, компания Roullet & Decamps и другие.
Продолжительность 60 минут.
https://mus-col.com/contacts/lectures.php