💿 #Альбомнедели / Scotch

Ricci Rucker — калифорнийский продюсер, участник команды Ned Hoddings и вообще одна из главных фигур в мире скретч музыки. Он учувствовал в разработке супервертушки Vestax Controller 01 и под псевдонимом Ruckazoid спел в одном из альбомов Breakbot.

Всю свою музыку Ricci создаёт при помощи скретча. Но в альбоме «Fuga» 2005 года он разрывает привычные шаблоны.
Сперва из сэмплов Ricci сделал скелет альбома, потом отдал партии музыкантам, далее записал все на винил и только потом собрал свой альбом при помощи скретча.

Если вы раньше и слышали скретч музыку, то, скорее всего, это был хип-хоп. Но «Fuga» — это настоящий spiritual jazz, украшенный dron и idm.

«Fuga», выпущенный в 2005 году, — очень актуальный и по сей день и долго ещё будет актуальным!

🎞 #Музыкавкино / Саша Ахмадщина

Раз на прошлой неделе зашла речь про Луиса и Биби Бэрронов, надо обязательно рассказать еще об одном их фильме — «Запретная планета» Фреда М. Уилкокса (Forbidden Planet, 1956). Первый в истории художественный фильм с полностью электронным саундтреком.
Кино очень смешное, культовая классика sci-fi с молодым Лесли Нильсоном в роли капитана космического корабля и Энн Фрэнсис в настолько коротких мини, что фильм запретили в Испании на десятилетие.

Создатели саундтрека — Луис и Биби Бэррон, пионеры электронной музыки. Все началось с их свадьбы, когда двоюродный брат Луиса подарил супругам их первый катушечный магнитофон. Они начали экспериментировать с магнитофоном и электронными схемами для генерации звуков и вскоре стали частью авангардной сцены в Нью-Йорке, в которую входили Анаис Нин и Джон Кейдж.

Для «Запретной планетой» Луиc генерировал и записывал звуки с помощью своих схем на вакуумных трубках, создавая километры ленты. Он перегружал схемы до тех пор, пока они не сгорали, и в результате получались поистине неземные звуки. Биби была композитором, превращая электронные стоны и завывания Луи в музыку. Собственно, именно Джон Кейдж убедил Биби, что она создает музыку, а не просто звуковые эффекты.

На много десятилетий вперед именно такое представление о внеземной музыке (жуткие звуки, завывания, глиссандо) станет мировым стандартом в кино. Для знакомства — эпизод, в котором команда космического корабля встречает робота Робби.

📚 #Шелест / Илья Воронин

Как правило, в центре любой книги о музыке находится звезда — гитарист, фронтмен, вокалист — роль здесь не так важна, главное — его популярность и известность. Однако, любому человеку, который хотя бы косвенно соприкасался с миром музыки, известно: музыка — это гигантский бизнес. Был, есть и будет. Но как этот бизнес устроен? И почему он устроен именно так, а не иначе? И кто заставляет крутиться его шестеренки?

На все эти вопросы отвечает отличная, довольно емкая (почти 500 страниц) книга Гарета Мерфи «Ковбои и индейцы», посвященная истории индустрии звукозаписи.
Здесь звезды задвинуты на второй план, потому что в центре внимания книги — люди, предпочитающие оставаться за кулисами: продюсеры, бизнесмены, руководители лейблов. То есть люди, о которых обычный человек мало что слышал. Но именно эта когорта открывала (и продолжает это делать сегодня) звезд миру, создавала лейблы и сходила с ума от власти и денег. На профессиональном английском жаргоне таких людей называют recordman: они существуют столько же, сколько и индустрия звукозаписи, которую они же и создали.

Сама книга охватывает всю историю звукозаписи и описывает ее многочисленные кризисы, а русское издание даже получило позитивное завершение (в отличие от оригинального издания).
Даже если вам плевать на то, как устроена империя какой-нибудь большой звезды (не важно — группа Queen ли это, Майкл Джексон или Тейлор Свифт), даже если вы предпочитаете не высовывать нос из андеграунда, вам лучше прочитать эту книгу — просто потому, что андеграунд работает по тем же правилам, которые придумали эти люди.
Лихо написанная история бизнеса и популярной музыки последних 140 лет под одной обложкой!

📻 #Безграниц / Alisa Sliva

Внеплановое включение в мою и вашу субботу альбома «La Conversation» (1999) с музыкой Робера де Визе и поэзией Теофиля де Вио в исполнении Венсана Дюместра (теорба) и Эжена Грина (голос).

«La Conversation» — встреча и беседа музыки и поэзии эпохи барокко.
Беседу ведут избранные произведения композитора Робера де Визе (1650–1732) и тексты поэта и драматурга Теофиля де Вио (1590–1626). А составлена и исполнена эта беседа современными гитаристом и лютнистом Венсаном Дюместром и актёром и режиссером Эженом Грином (снял покоривший многих фильм «Мост искусств» с
прекрасной музыкой Монтеверди).

Здесь все красиво. Вот вам целительный бальзам, цинковая мазь и нежно согревающее солнце.

ps. Картина на обложке: Эсташ Лесюэр (1616–1655) — художник стиля барокко, прозванный «французским Рафаэлем».

⛱ #Воскресныйчилл / vow

В это воскресенье я рекомендую к прослушиванию мини-альбом «Body of Water», выпущенный в результате коллаборации Croatian Amor и Varg²™.

Croatian Amor — сольный проект датского музыканта Локе Рабека, трансформировавший свой стиль от шумовых записей к эмбиент электронике, напоминающей мотивы произведений Эдуарда Артемьева.

Varg²™ — псевдоним Джонса Реннберга, шведского продюсера. В основном известен как авторитетный деятель в мировой техно-сцене. Однако также тесно связан с блэк-металом и экспериментальной электронной сценой в лице эмбиент и шумовой музыки.

Онейроидность Croatian Amor, смешиваясь с частичкой хаоса в лице Varg²™, создает вязкое ощущение ностальгии. В нем хочется утонуть, как в потоке ослепляющих воспоминаний из более простых, но ушедших времен.

💿 #Альбомнедели / Scotch

«Hawksworth» — дебютный сольный альбом американского барабанщика Matt Espy (известного по американской андеграундной группе Dead Rider).
«Hawksworth» — это такой разговор ударных и птиц — идея вроде не новая, но звучит интересно.

В альбоме использованы только барабаны, перкуссия, гамелан, пару голосовых сэмплов, ну и конечно, пение птиц. Получился такой альтернативный эмбиент, на мой взгляд. Отлично подходит для начала дня и максимально приближает лето!

🎞 #Музыкавкино / Саша Ахмадщина

Сегодня — фильм о большой любви, любви великого музыканта, создателя индастриала, пионера эйсид-хауса, провокатора и авангардиста Дженезиса Пи-Орриджа (COUM Transmissions, Throbbing Gristle и Psychic TV) и его жены и соратницы Леди Джей.

«Баллада о Дженезисе и Джей» — документальный фильм, но очень причудливый и поэтичный. Мари Лозье снимала его на протяжении семи лет на 16-мм пленку: Дженезис и Леди Джей у себя дома в Квинсе, гастроли Psychic TV в Европе, домашние спектакли, прогулки, концерты, а еще умопомрачительные визионерские вставки, которые больше напоминают видеоарт, чем кино.

Конечно, это рассказ и об истории индустриальной музыки, и об андеграундной сцене второй половины ХХ века, но рассказ с точки зрения большой романтической любви. Дженезис и Леди Джей решили не рожать детей, но создать из самих себя нового человека. Свою концепцию они назвали «пандрогинность». Возлюбленные должны стать двумя частями одной новой интегральной личности, а для этого пройти через множество пластических операций. Весь фильм — это манифест новой жизни, главное в которой — любовь.

«Баллада о Дженезисе и Леди Джей» — первый полнометражный фильм Мари Лозье. После него режиссер сняла еще ряд фильмов-портретов авангардных режиссеров и музыкантов, таких Гай Мэддин, Тони Конрад, Алан Вега, Феликс Кубин и др.

📚 #Шелест / Илья Воронин

Предположим вы хотите собрать полку с самыми главными, важными и интересными книгами о музыке. Вы хотите иметь под рукой такие книги, к которым время от времени вам захочется обратиться, чтобы прояснить какой-то вопрос. Так вот, одним из кандидатов на такую полку, безусловно, является классический труд Билла Брюстера и Фрэнка Броутона «История диджеев», посвященный понятно чему.

Первое издание этой книги вышло в 1999 году, и это была не первая работа посвященная труженикам клубных танцполов. Но именно она стала классической. В предисловии к книге участник хаус-трио X-Press 2, Эшли Бидл, правильно замечает: "Сначала прочти эту книгу, потом становись диджеем", — просто потому, что невозможно не проникнуться уважением к тому богатейшему наследию, на котором стоит вся современная танцевальная музыка.

Повествование охватывает всю эпоху звукозаписи, начиная от первых радио-диджеев первой половины ХХ века, и затрагивает все популярные жанры и направления, на которые так богата была популярная музыка второй половины ХХ века. Будучи увлеченными исследователями, Броутен и Брюстер стараются подчеркнуть важность фигуры диджея в разные эпохи. Не важно, времена ли это рок-н-ролла, даба и регги, диско-истерия, формирование хип-хоп-вселенной, рейв-безумия или меломанские радости на Ибице или в бельгийских клубах — везде нерв времени проходил через диджея и его вкусовые эксперименты.

Книга открывает перед читателем целые музыкальные вселенные и способна кардинально изменить восприятие этой культуры. Если не верите, спросите у Димы Агалакова из Roots United или у Джеймса Мерфи из LCD Soundsystem, которого настолько вдохновило прочитанное, что он придумал группу LCD Soundsystem и стал тем, кем стал.
Одним словом, не книга, а настоящая классика! Начинайте собирать свою полку сокровищ!

🎛 #Аудиософт / Hoavi

В App Store для iOS есть множество инновационных и уникальных плагинов AUv3, которых нет для настольных компьютеров. SideRack решает эту проблему.

Siderack состоит из двух компонентов: «Плагин SideRack», который устанавливается в DAW на Mac, и «Сервер SideRack», который работает на мобильном устройстве.
Таким образом можно легко интегрировать экосистему плагинов AUv3 и сенсорный интерфейс в ваш компьютер.

Друзья
Соболезнуем всем пострадавшим и берем паузу на пару дней.

💿 #Альбомнедели / Scotch

Мой самый любимый альбом американской джазовой арфистки Dorothy Ashby — «Afro-Harping» 1968 года.

Арфа в джазе — очень редкое явление. Я могу вспомнить разве что Alice Coltrane и современных Nala Sinephro и LowLeaf.

О Dorothy Ashby я узнал, когда давным-давно копал сэмплы интересных мне хип-хоп битов, и она оказалась очень часто сэмплируемой артисткой. Её сэмплы можно услышать у J-Dilla, Madlib и ещё у сотни андерграундных рэпперов.

В «Afro-Harping» жирная ритм-секция в сочетании с переливами арфы даёт невероятный грув, который качает с первой же композиции.
Советую послушать её остальные альбомы.

🎞 #Музыкавкино / Саша Ахмадщина

Как вы смотрите на то, чтобы часть вторников посвятить истории электронной музыки в кино? Книг на эту тему, кажется, нет, а тема большая и интересная. Открываем комментарии под этим постом, будем очень благодарны за обратную связь. Напишите, что вам было бы интересно.

Зайдем с козырей: синтезатор АНС, один из первых в мире многоголосных музыкальных синтезаторов. Фотоэлектронный оптический музыкальный инструмент придумал инженер Евгений Мурзин в конце 1930-х, а воплотил в жизнь в 1958 году. Оптический — потому что речь идет об оптической связи звука. Это технология пришла из кино: звук писался на ту же пленку, что и изображение, в виде чередования участков с различной плотностью.

Один из самых известных фильмов с музыкой, исполненной на синтезаторе АНС, — «Солярис» Андрея Тарковского (1972). Композитор фильма Эдуард Артемьев принимал участие в работе над синтезатором: после университета он попал в лабораторию Мурзина в качестве инженера-композитора.

Артемьев рассказывает, что Тарковскому был нужен новый звуковой язык, который позднее больше никому не потребовался: «ему нужен не композитор, а композиторский слух — чтобы организовать шумы. И не просто организовать, а вдохнуть в них жизнь». Например, режиссер попросил для сцены, в которой водоросли колышутся в ручье, придумать такие шумы, чтобы в этих кадров чувствовалось человеческое тепло. Артемьев вместе со звукорежиссером Семеном Литвиновым экспериментировали с натуральными шумами и живыми инструментами, но оживить звуки не получалось.

Тогда композитор придумал замедлить магнитофонную запись. Они записали пассажи на четырех флейтах и четырех кларнетах, потом замедлили их. Получилось, что изменились и темп, и тембр, оркестра стало совсем не слышно, зато появилось ощущение, что оркестр — живой.
https://youtu.be/6-4KydP92ss?si=VVH4C43J_l0AqBH5&t=171 (02:53)

Так впервые Артемьев решил соединить синтезированные звуки с живым оркестром. Сейчас решение кажется тривиальным, а тогда было настоящей революцией. И напоследок как океан Солярис говорит голосом синтезатора АНС:
https://youtu.be/xXa6XpaxBS0?si=6AFpiJqFDNtKRucz&t=1136 (18:57)

📚 #Шелест / Илья Воронин

Раз уж ЮНЕСКО признало берлинское техно объектом нематериального культурного наследия, неплохо было бы узнать, а почему и как именно берлинское (а, например, не детройтское) техно добилось этого статуса.

Ответить на этот вопрос нам поможет во всех смыслах замечательная книга двух немецких журналистов, Свена фон Тюлена и Феликса Денка, которые взяли для названия книги один из классических треков, сформировавших понятие «берлинского звучания». Книжка называется «Der Klang der Familie» («Der Klang Der Familie. Берлин, техно и падение Стены») и целиком построена на прямой речи непосредственных участников и очевидцев событий, которые проходили в Берлине с середины 1980-х до почти конца 1990-х, когда мейнстримовые городские СМИ писали, что techno ist tot (техно мертво).

Обычно книжки с прямой речью не так интересно читать, но только не в этот раз. Через воспоминания современников прорывается время репрессивной Восточной Германии, анархического Берлина времен падения Стены или тотальной вакханлии первых техно-вечеринок, Лав Парадов или Мейдеев. Именно эта книжка в итоге и дает ответ на вопрос: «А почему у немцев получилось, а больше ни у кого нет? Что там в этом их Берлине такого?»

⛱ #Воскресныйчилл / vow

В это воскресенье хочу обратить ваше внимание на сборник «Mono No Aware», выпущенный лейблом PAN в 2017 году.

Моно-но аваре переводится с японского как “чувствительность к эфемерному”. Это эстетический принцип, связаный с синтоистской верой в то, что в каждой вещи заключено своё божество — ками, в каждой вещи своё неповторимое очарование.

Прекрасная кураторская работа позволяет всему разнообразию стилей и подходов музыкантов действовать согласовано и единообразно. Они создают слаженную и гармоничную концепцию, где каждый вносит свой вклад в общую идею.

«Mono No Aware» — это путешествие в самое сердце человеческого опыта, ода трансцендентальной связи между звуком, эмоцией и сознанием.

🎞 #Музыкавкино / Саша Ахмадщина

Наступили первые теплые дни, и теперь настроение — фанк. Сегодня о фильме «Фокси Браун» (реж. Джек Хилл, 1974), главную роль в котором сыграла великая Пэм Гриер.
В фильме вместе со своими братьями из «Черных пантер» она расправляется с плохими парнями — наркоторговцами, убившими ее возлюбленного, и попутно спасает чернокожую женщину от сексуальной эксплуатации.

Фильм — культовый блэксплотейшн, а значит, в нем много откровенных сцен, драк, а еще шикарные костюмы, прически афро и фанк.

Музыку к фильму написал Уилли Хатч, соул-музыкант, звезда Motown Records, первого американского лейбла, созданного афроамериканцами. Именно на этом лейбле свою карьеру начинали Стиви Уандер и Марвин Гэй, Дайана Росс и Майкл Джексон.

Саундтрек «Фокси Браун» — бешеная фанковая греза: тенор самого Уилла Хатча, воркующие женские голоса на бэке, пульсирующий ритм и любимый нами грув. Идеальная музыка в предчувствии лета. Вот альбом, а вот трейлер фильма.

И да, «Джеки Браун» Квентина Тарантино — это оммаж и эпохе 1970-х, и жанру блэксплотейшн, и фильму «Фокси Браун».